La Voz Humana, de Poulenc/Cocteau, versión y dirección de Marta Eguilior con la soprano Paula Mendoza, en La Pensión de las Pulgas.

cartel LA VOZ HUMANA

Lugar: La PENSIÓN de las PULGAS

Dirección y versión: Marta EGUILIOR

Soprano: Paula MENDOZA

Piano y dirección musical: Carlos CALVO

Arpa: Alberto MASCLANS

Escenografía: Alberto PURAENVIDIA

Vestuario y fotografía: María ALBA

Asistentes: Sabrina de la Rosa y Ana de Nevado

La voz humana resulta ser un ejemplo de total integración de escena, música y texto. Cada gesto, cada palabra, cada respuesta de la orquesta, conforman un monólogo que explora el alma de la protagonista.

La verdad es que la directora y versionadora Marta Eguilior ha jugado (y se la ha jugado) fuerte en esta ópera “de cámara”, tanto porque la ha adaptado al íntimo espacio del salón más grande de La Pensión de las Pulgas, en donde apenas caben ahora treinta personas, sacando, además, al único personaje, “ella” del habitual salón de casa a un espacio exterior en donde hay una cabina de teléfono. La otra apuesta es la adaptación al castellano, con los consiguientes problemas de traducir sin traicionar un texto literario del francés de tal forma que no pierda ni su coherencia ni su ajuste a la melodía.

Probablemente como ópera sea mucho menos susceptible de adaptación que como obra de teatro, ya que hay que mantener las conversaciones con la operadora, el sonido del timbre del teléfono o los “cruces de línea” que, hasta hace tan poco, eran bastante habituales. Y así, Marta Eguilior en su versión en castellano del texto de Cocteau se ha permitido pocas variaciones en el vocabulario que utiliza, con ejemplos anecdóticos como “Diazepan” (que no existía en 1959) en lugar de “pastilla”, que sería la traducción literal del original, pero aún así, no disminuye la armonía entre texto y melodía del original francés.

Como dije un poco antes, el hecho de que Marta Eguilior decidiera sacar al exterior al personaje no resta un ápice de intimidad a la ópera, que está perfectamente acompañada tanto por la elegante escenografía de Alberto Puraenvidia, como por la iluminación de José Martret, que envuelve y realza sutilmente cada uno de los gestos y sentimientos de Paula Mendoza a medida que se va hundiendo más y más en la depresión amorosa.

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Es, sin dudarlo, muy valiente esta ópera, que con la cercanía y, además, la traducción al castellano hace entendible lo que se dice, que es algo tan “manido” como es el final de una relación amorosa desde el punto de vista de la abandonada. Esta situación, además, se cuenta desde la frialdad de que ocurre en una conversación telefónica con todos los problemas tecnológicos aparejados a la época en la que tiene lugar (finales de los 50 del siglo XX). Todo ello, insisto, unido a que tiene lugar a centímetros del público, sin la protección de la distancia, haría muy fácil que cayera en el ridículo si no fuera por el buen hacer tanto como cantante y actriz de Paula Mendoza, que es capaz de mostrar y reflejar todos y cada una de las sutilezas de los sentimientos de su personaje, desde los intentos de mantener un mínimo de dignidad intentando ocultar su desesperación en respuesta a su amante, como los enfados con la operadora, o su rencor. Si ya es difícil sostener un monólogo, más lo es cuando encima es cantando, en donde Poulenc ideó una partitura atenta a la expresión de la palabra.

La música da al texto de Jean Cocteau esa profundidad dramática esencial. La protagonista de La voz humana canta la conversación con su amante y el efecto del canto no es realista, pero tiene un fuerza simbólica que explica muy bien la razón por la que Cocteau consideró su obra verdaderamente completa gracias a la música. No se trata sólo de divertirnos con el canto como ocurre en los musicales, apenas hay espacio para abandonarnos al lirismo de la ópera, sino que a través de la música seamos capaces de sentir ese drama en su valor más profundo.

La voz humana tiene un protagonista ausente, el amante, presente en la obra virtualmente a través del teléfono. El teléfono se convierte en un símbolo de la soledad y el abandono. Cocteau captó muy bien como ese nuevo artilugio de la comunicación simbolizaba precisamente la soledad de la sociedad contemporánea que ha encontrado en nuestro tiempo nuevos inventos tecnológicos para acompañar la soledad y que, probablemente, sólo contribuyen aún más a enaltecerla. Ese amor romántico acaba por ahogar a su protagonista, literal y metafóricamente, simbolizado por el cordón telefónico que la envuelve en forma de tela de araña, rodeando la cabina primero y su cuello después.

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Esta adaptación al espacio camerístico del salón de La Pensión de las Pulgas, que nos sumerge en ese espacio, exterior pero claustrofóbico, del subconsciente de la protagonista en una envolvente niebla y acompañada magníficamente, además, con el piano de Carlos Calvo  y el arpa de Alberto Masclans merece mucho la pena, tanto para los amantes de la ópera como para los del teatro. Además, no dejan de asombrarme las posibilidades escenográficas que Alberto Puraenvidia es capaz de extraer de esta pensión que, en sus manos, parece una caja de magia.

Esa cabina de la escenografía de Alberto Puraenvidia me recordó al homenaje de Pedro Almodóvar a la obra de Cocteau que es Mujeres al borde de un ataque de nervios, que incluyo aquí como vídeo final.

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Amnesia, con María Hervás, dentro de la experiencia teatral teatroSOLO de Matías Umpierrez en el Teatro María Guerrero

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La verdad es que no sabía qué pensar al asistir a Amnesia, con María Hervás, en el Teatro María Guerrero. Soy tímida y mi costumbre de asistir como público devoto y teatrófilo casi siempre se limita a sentarme en la primera fila e intentar no perderme nada de lo que ocurre en el escenario. A veces, algunos actores en compañías de teatro más o menos “interactivas” han tenido la mala suerte de invitarme a que me uniera a ellos en el escenario, pero mi timidez y un terror de alta intensidad a hacer el ridículo, me ha empujado en todas esas ocasiones a rechazar esas ofertas, creo que para beneficio de las funciones correspondientes.

Semejante prólogo viene a cuento para indicar que me he resistido a esta experiencia sabiendo que iba a estar yo completamente sola con la actriz, cara a cara y sin poderme escabullir de su mirada. En este tipo de ocasiones sociales soy yo la que se puede quedar “frozen” y era lo que quería evitar.

Afortunadamente, la realidad de esta experiencia de teatro solo, o sólo teatro, con María Hervás de huésped y protagonista absoluta, o co-protagonista contigo, y en el mágico escenario del Teatro María Guerrero es mucho más fácil que todo éso y, sobre todo, ha resultado mágica en todos los sentidos. He salido del teatro prácticamente flotando y con una sonrisa de felicidad de oreja a oreja.

María, en Amnesia, es una actriz que va a hacer una prueba y te va contando, en este encuentro “fortuito”, recuerdos de su pasado, preciosos recuerdos de su formación relacionados con el teatro, que no voy a desvelar aquí porque desvirtuarían en gran parte el impacto de la experiencia. Mientras te cuenta esta preciosa historia, vas acompañando a la actriz por los pasillos y recovecos, camerinos y salones del María Guerrero, y también acabas con ella en el lugar más mágico de todos los lugares míticos que podrías soñar en pisar como teatroadicta. Y tampoco digo qué lugar es porque ya os lo podréis imaginar a estas alturas. Pero, creedme, contarlo y vivirlo son dos cosas muy distintas.

Y he alucinado una vez más con el talento de la Hervás, incluso en esta distancia ultracorta, contando esa historia y haciéndola suya, viviéndola, cara a cara con un solo espectador, yo, acostumbrada a la pasividad del público sentado entre la masa protectora. Ya la seguía desde Confesiones a Alá y Pingüinas, pero ahora ya me he hecho súperfan y espero con ansia volver a ver a María Hervás por los teatros.

No he ido a las otras experiencias del teatroSOLO aquí en Madrid, pero os invito a que disfrutéis, corrijo, viváis durante media hora en un mundo diferente, en una vida paralela y mágica.

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Localización: TEATRO MARÍA GUERRERO – Madrid

Sinopsis
¿Qué hay entre los telones de la mente? La amnesia temporal de una mujer hace emerger el sentido de su presencia en el teatro.

Performer
María Hervás
Foto

Cristobal Prado
Música

Rafael Sucheras
Meritorio de Producción

Raquel Palomero
Producción General

Mariano Piñeiro
Concepto, Dramaturgia y Dirección

Matías Umpierrez

TeatroSOLO (LONEtheater) reúne cinco piezas performáticas desarrolladas en cinco sitios específicos de Madrid para el ingreso de un solo espectador a la vez. Estas 5 locaciones mantienen un diálogo con las problemáticas emergentes de la ciudad intervenida. Por medio de esta experiencia individual, el espectador redescubre una nueva perspectiva tomando como llave de acceso distintas piezas teatrales que subsisten ocultas en medio del funcionamiento habitual de las locaciones intervenidas.
Este proyecto interventivo retoma la metodología primaria de la representación, a partir de la práctica ancestral de la transmisión de historias y mitos de generación en generación, y la reconstruye en el presente. De esta manera, logra redescubrir esta metodología liberando al teatro de sus estructuras arquetípicas. Esta herramienta quita la teatralidad de la sala y desplaza el teatro a cualquier sitio de una población. Al intérprete lo aleja de su contexto plasmado de signos artificiales, y lo ubica en el centro de la escena real del relato. Al público, lo ayuda a escapar del sometimiento habitual de la platea, de su anonimato y le da un rol activo, e individual, dentro de la puesta.

En Madrid, además de Amnesia, las otras cuatro piezas son:

Retrato
Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Una mujer decide cambiar el rumbo de su vida. Esta es la historia de alguien que inventa encontrar una salida entre los muros de un museo.

Lejos
Localización: Plaza de Lavapiés

Un joven hombre descubre la vida de una misteriosa mujer de manera fortuita. El cumplir un favor, podrá cambiar la vida de ambos.

Éxodo
Localización: Apartamento

En tan solo un año, una familia completa se resquebraja, desaparece dejando dos cuerpos perdidos en el tiempo y en el espacio.

Testigo
Localización: Metro de Madrid

Observar la vida de los otros es estimulantes, pero ¿qué sucede cuando eses historias se vuelven un reflejo de nuestra propia vida?

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En el Circo Price de Madrid, del 21 de octubre al 8 de noviembre.

Los artistas: Emile Pineault, Mishannock Ferrero, Héloïse Bourgeois, Melvin Diggs, Anna Kichtchenko, Nella Niva, Sidney Iking Bateman, Matías Plaul y Pablo Pramparo.

Una receta transmitida durante muchas generaciones.

Un recuerdo tan profundamente embebida en nuestra consciencia que tienen que suceder olores y sabores cuidadosamente construídos para traerlos a la superficie.

Nuestra historia se escribe en la cocina. Es el dulce sabor de la infancia: una brisa de verano a través de la mosquitera, el primer beso con chocolate en las comisuras. La vida transcurre aquí. Confesiones nocturnas, almuerzos familiares alrededor de un plato inimitable, lecciones aprendidas, secretos intercambiados, vínculos forjados a través del más visceral de nuestros sentidos… El olor de las galletas saliendo del horno, el aroma de las hierbas. Les 7 doigts de la main crea un nuevo género de espectáculo, en el cual el tacto, el olor y el gusto se unen para regalar nuestros ojos y nuestros oídos, convirtiendo la cocina en un lugar de encuentro entre culturas.

Estamos hechos de una sabia mezcla: cada uno de nosotros es una receta única.

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Esta es la introducción del espectáculo circense de Les 7 doigts de la Main que se presenta esta vez en el Circo Price, tras Sequence 8 hace un par de años.

Shana Carroll y Sébastien Soldevila son los creadores y directores de este exquisito espectáculo. En Cuisine & Confessions nos encontramos con una mezcla feliz de increíbles acrobacias y monólogos biográficos, y mientras que los atletas participan en toda clase acrobacias, a la vez nos confían partes de su vida con el hilo conductor de las memorias relacionadas con la comida y todo lo que estos momentos sugieren a los artistas de Les 7 doigts de la main, desde la importancia de una mesa redonda (porque siempre se puede añadir más de un invitado al compactar un poco), hasta la importancia de la pasta para una familia argentina de origen italiano.

Los primeros minutos de acrobacias continuas quizá, si hubiera que encontrarle una pega, sería que no sabes en dónde fijar la atención, te pierdes momentazos porque estás concentrado en otros. Pero luego, en este maravilloso espectáculo cada uno de sus miembros tiene su momento, tanto de increíble acrobacia como de confesión. Algunos de los episodios que nos cuentan también explican por qué hacen lo que hacen, cómo llegaron a hacer lo que hacen en el circo, y así son por ejemplo las confesiones de los dos miembros afroamericanos del grupo, Melvin Diggs y Sidney Iking Bateman, sobre su difícil infancia, y también alrededor de la comida. Estos dos artistas, que forman una pareja muy disimilar físicamente, realiza un número de acrobacias increíbles atravesando y saltando por cuadrados y rectángulos colocados a unas alturas y posiciones que parece que ni la gravedad ni la dureza de los huesos existiese para ellos.

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Nos quedamos sin aliento y nos enamora la belleza, la agilidad, la elegancia y el riesgo generoso de la rusa Anna Kichtchenko, que ejecuta increíbles contorsiones mientras cuelga en el aire de una tela por la nuca, la cintura o las piernas, sin arnés y sin colchoneta salvavidas en el suelo.
Anna Tissu

Pero uno de los monólogos que creo que nos ha emocionado más hondamente a todos es el de Matías Plaul, que habla de la detención de su padre por la junta militar argentina cuando Matías era apenas un bebé, uno de los incontables “desaparecidos” de la historia argentina reciente. Y mientras nos cuenta su historia, Matías se expresa como mejor sabe, realizando increíbles acrobacias en el mástil. Es un momento realmente emocionante que dejó al público en un silencio respetuoso que además nos hizo darnos cuenta de que detrás de la belleza, la perfección del gesto o la impecable técnica acrobática, pueden ocultarse el dolor y la ausencia.

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Y entremedias de todas estas acrobacias y monólogos, no dejan de cocinar, con la colaboración además en gran parte por el público, que, desde que se sienta esperando que comience el espectáculo, ayuda a Matías rompiendo huevos con una sola mano. También invitan en varias ocasiones a los espectadores, tanto a comerse una tortilla, la tortilla del amor, como a compartir mesa y conocerse (¿enamorarse, quizas?) y a batir huevos como locos, cosa que hace mucho mejor Pablo Pramparo en un número en el que usa batidoras en lugar de mazas.  La cuestión culinaria-circense culmina en un virtuoso cuadro acrobático coral cuando acaban los 36 minutos que requiere el pan de plátano para hornearse correctamente y los artistas invitan a degustarlo. Una maravilla de coordinación y, sobre todo, confianza en los otros, acompañado siempre de una deliciosa banda sonora en la que reconocí una curiosa versión del Bolero de Ravel.

Hace ya más de una semana que les he visto y creo que voy a intentar conseguir entrada para volver a verles. Pasa demasiado tiempo entre las visitas de esta maravillosa compañía y no hay que desperdiciar las ocasiones de maravillarse como niños. ¡Corran a verles y a compartir el pan de plátano con ellos!

Les 7 doigts de la Main, compañía canadiense célebre en el mundo entero, es uno de los mayores exponentes de circo actual. En el Price han cosechado desde 2009 explosivas muestras de entusiasmo con Traces, Psy, La vie, Patinoire y Sequence 8. El nombre de la compañía es un juego de palabras que surge de la expresión francesa ‘Les 5 doigts de la main’, que se utiliza para describir la unión férrea de distintas piezas que se coordinan en pos de una meta común y, en este caso, se refiere a los siete directores que la fundaron: Isabelle Chassé, Shana Carroll, Patrick Léonard, Faon Shane, Gypsy Snider, Sébastien Soldevila y Samuel Tétreault. Ellos describen su grupo como poseedor una “dexteridad bellamente torpe” cuyo “gol inicial era traer el circo a una escala humana.”

Ciclo “Una Mirada al Mundo” 2015-16 en el Centro Dramático Nacional

Tras haber sido presentado en numerosos festivales internacionales entre los que destaca su presentación durante las Olimpiadas culturales con motivo de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 en el Globe de esa ciudad, por fin llega a España esta reputadísima versión del clásico shakespeariano, muy respetuosa con su espíritu tradicional y a la vez muy impregnada de la cultura oriental. Nos la presenta la compañía coreana Yohangza Theatre Company de la mano de su director Jung-Ung Yang.
Yohangza significa «viajero» y esta es la marca distintiva de la ya clásica compañía coreana fundada en 1997 que desde entonces ha estado presente en multitud de países con sus propuestas que entremezclan danza, percusión y voz. Una invitación a viajar a través del pasado y el futuro más experimental, anclados sin embargo en la más pura tradición del teatro oriental.

24 a 27 de septiembre de 2015
Teatro María Guerrero
Idioma: Coreano con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Jung-Ung Yang (Dirección), Eun-Kyu Lee (Escenografía), Yun-Jun Lee (Coreografía), Myoung-Ah Lee (Vestuario), Eun-Jung Kim (Música)

Producción Yohangza Theatre Company (Corea del Sur)

«Un grupo teatral que representa lo que ocurre hoy, aquí y ahora». Así se presenta a sí misma la joven compañía colombiana La Maldita Vanidad, nacida hace tan solo seis años en Bogotá pero que cuenta ya con un largo recorrido de presencia internacional. Presentamos la trilogía Sobre algunos asuntos de familia, formada por sus tres textos más emblemáticos escritos y dirigidos por el director artístico de la compañía, Jorge Hugo Marín. El autor intelectual indaga sobre el lado oscuro y disfuncional de la familia colombiana mientras que Los autores materiales exploran los grados de intolerancia y violencia en los que nos hemos acostumbrado a vivir. Por último, continuando su búsqueda sobre temas familiares, en Cómo quieres que te quiera, La Maldita Vanidad propone esta obra de humor negro, a partir de la celebración de los quince años de las mujeres en Colombia, construida desde el entorno colombiano del narcotráfico.

8 al 10 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
EQUIPO ARTÍSTICO

Jorge Hugo Marín (Texto y dirección)

Producción Compañía Teatral La Maldita Vanidad (Colombia)

Oskaras Koršunovas, director de OKT (Teatro Municipal de Vilna), firma esta magnífica versión de La gaviota de Chéjov, nacida del trabajo previo de laboratorio en el estudio medio vacío de OKT que la compañía lituana utiliza habitualmente como forma de experimentación teatral. Fue presentada con enorme éxito en el marco de la programación lituana del Festival Sirenos de Vilna el año 2013.

16 a 18 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Lituano, con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Oskaras Koršunovas (Dirección y escenografía), Dovile Gudaciauskaite (Vestuario), Gintaras Sodeika (Música), Aurelija Maknyte (Vídeo)

Producción Oskaras Koršunovas Theatre (OKT, Teatro Municipal de Vilna, Lituania)

La gaviota

Una mirada al mundo 2015 recupera la realización de ciclos de lecturas dramatizadas semimontadas de autores contemporáneos de diversos países. En esta ocasión con una gran ambición en cuanto a formato y selección de países participantes. En concreto serán tres los ciclos presentados, procedentes de países muy interesantes y activos en la dramaturgia contemporánea: Brasil, Grecia y Rusia. El ciclo dedicado a Rusia se enmarca en el contexto del ambicioso proyecto de intercambio con el Teatro del Arte de Moscú, denominado Por primera vez en español.

Textos: The illusions de Ivan Vyrypacv dirigida por Mikhail Rakhklin (20 y 21 de octubre), The hot line de Maxim Chertanov dirigida por Yuri Kravets (24 y 25 de octubre), Natsaha’s Dream de Yaroslava Pulinivich dirigida por Marina Brusnukina (6 y 7 de noviembre).

20 de octubre al 7 de noviembre de 2015

Sala El Mirlo Blanco (Teatro Valle-Inclán)

EQUIPO ARTÍSTICO

Mikhail Rakhklin, Yuri Kravets, Marina Brusnikina (Dirección)

Coproducción Centro Dramático Nacional y Teatro de Arte de Moscú en colaboración con AC/E y Embajada de España en Rusia

Steffano Ricci y Gianni Forte, representan lo más innovador y crítico de la nueva escena italiana. Con una sólida formación teatral y musical en los conservatorios de Arte Dramático y Música de Roma, alumnos predilectos de Luca Ronconi, Ricci e Forte formaron su equipo hace ya ocho años y se han consolidado como una de las compañías más internacionales e influyentes de Italia. Formados en la controversia berlusconiana, denuncian de manera cruda pero extremadamente bella todas las injusticias y vejaciones que, desde la «legalidad democrática», son permitidas por el poder: el miedo a la violencia, la represión por el empobrecimiento, la marginación de las minorías o el florecimiento de una cultura oficial.
Teatro eminentemente físico y performativo y visual, pero al mismo tiempo basado en textos, propios o ajenos, de una enorme riqueza literaria. La música es un elemento fundamental de sus creaciones. Sus trabajos son requeridos por los más prestigiosos festivales de Europa e imparten clases y talleres en las escuelas más reputadas.

23 a 25 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Italiano y francés, con sobretítulos en castellano.
REPARTO (por orden alfabético)
EQUIPO ARTÍSTICO

Stefano Ricci y Gianni Forte (Texto y dirección), Francesco Ghisu (Escenografía), Gianluca Falaschi (Vestuario), Marco Angelilli (Movimiento)

Producción Romaeuropa Festival e Snaporazverein en coproducción con Théâtre MC93 Bobigny/Festival Standard Ideal, CSS Teatro stabile di innovazione del FVG, Festival delle Colline Torinesi (Italia)

 

El director del Centro Dramático de Orleans, Arthur Nauzyciel nos presenta un Splendid’s en lengua inglesa en el que la obra de Genet es una sensual y espectral danza de la muerte, casi como una película de cine negro bañada de barrocas alucinaciones y fantasías homoeróticas.
Los gangsters atrincherados en el séptimo piso del lujoso hotel Splendid constituyen, en palabras del director del montaje, una especie de descendientes de los senadores romanos de Julio César, que comparten con ellos la misma melancolía, la misma elegancia y la misma fascinación por la muerte.

29 de octubre a 1 de noviembre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Inglés y francés, con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Arhur Nauzyciel (Dirección), Riccardo Hernández (Escenografía), Scott Zielinski(Iluminación), José Lévy (Vestuario), Xavier Jacquot (Espacio sonoro), Damien Jalet(Coreografía)

Producción Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre (Francia)

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Tras varios años en los que el CDN ha presentado los trabajos de Declan Donnellan con compañías francesas y rusas en sus respectivos idiomas, tenemos ahora la ocasión de volver a disfrutar de Donnellan en su idioma original con su mítica compañía Cheek by Jowl, que nos presenta la tragicomedia de tintes pastoriles Winter’s Tale (Cuento de invierno). El CDN participa como coproductor en esta ambiciosa producción, como ya lo hizo en Measure for Measure (Medida por medida), la creación anterior de la compañía. Una de las grandes obras de Shakespeare, Cuento de invierno, aunque escrito en la misma época que La tempestad, rompe con todas las reglas aplicadas en esta última. Nos apartamos de la unidad de tiempo, lugar y acción para recorrer Europa y movernos de corte en corte y de país en país, de la alta tragedia a la farsa, a lo largo de un periodo de catorce años. Cuento de invierno nos habla de un rey delirante y paranoico que destruye a su familia. Pero éste es el nuevo Shakespeare, que acaba de terminar sus grandes tragedias y su dura lucha por la redención. La oscuridad inicial cede el paso a la alegría mientras el Tiempo arrastra a los personajes a una pasmosa conclusión. Hay atisbos de esperanza.

10 al 14 de febrero de 2016
Teatro María Guerrero
Idioma: Inglés con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Declan Donnellan (Dirección)

Producción Cheek by Jowl en coproducción con The Barbican (Londres); Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale; Grand Théâtre de Luxembourg; Piccolo Teatro di Milano-Teatro d’Europa; Chicago Shakespeare Theater; Centro Dramático Nacional (Madrid)

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Algunas propuestas teatrales del #FrinjeMadrid15

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 3 y 4 de julio

Danzad malditos

En la época de la Gran Depresión, en Estados Unidos se organizaban concursos dónde parejas bailaban de manera continuada, día y noche, hasta acabar extenuados. Ganaban los que más resistían y recibían dinero en metálico. Basado en la célebre película de Sidney Pollack, esta propuesta reproduce aquellos maratones de resistencia donde los bailarines eran auténticos espectáculos de la miseria. La competición se desarrolla de manera real: cada función es un folio en blanco que se irá escribiendo con cada movimiento de sus participantes. DANZAD MALDITOS TEXTOFélix Estaire DIRECCIÓNAlberto Velasco AYUDANTE DE DIRECCIÓNLuis Ulzurrún DRAMATURGIAFélix Estaire, Alberto Velasco INTERPRETACIÓNGuillermo Barrientos, Carmen Del Conte, José Luis Ferrer, Rubén Frías, Karmen Garay, Nuria López, Ignacio Mateos, Sara Párbole, Rulo Pardo, Txabi Pérez, Verónica Ronda, Ana Telenti, Sam Slade ASESORÍA DE DIRECCIÓNCarlota Ferrer ESPACIO ESCÉNICOAlessio Meloni ESPACIO SONOROMariano Marín ILUMINACIÓNDavid Picazo VESTUARIOSara Sánchez de la Morena MÚSICA ORIGINALMariano Marín FOTOGRAFÍASPablo Rodrigo DISEÑOAdrián Novoa

PROCEDENCIA MadridHORARIO 20hDURACIÓN 90 minutosDÓNDE Sala Max Aub

OTROS ENFOQUES / 3, 4 y 5 de julio

El rastro

Después de dos años, Nora García regresa a su casa para asistir al velatorio de su exmarido, muerto de un infarto. El rastro –ganador de diversos premios en su país– adapta para la escena la novela homónima de la escritora mexicana Margo Glantz. Un montaje donde conviven armónicamente pensamiento, música y aquellos recuerdos recurrentes a los que siempre volvemos.


PROCEDENCIA Argentina HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


AUTORAMargo Glantz DIRECCIÓNAlejandro Tantanian AYUDANTE DE DIRECCIÓNIgnacio Bartolone, Ernesto Donegana ADAPTACIÓNAnalía Couceyro ─con la colaboración de Alejandro Tantanian─ INTERPRETACIÓNAnalía Couceyro MÚSICA EN ESCENARafael Delgado DISEÑO GRÁFICONicolás Lodigiani DISEÑO VISUALEsquipo EL RASTRO FOTOGRAFÍASErnesto Donegana PRODUCCIÓNMónica Paixao


Info www.alejandrotantanian.com.ar

ACTUALIDAD A ESCENA / 8 y 9 de julio

I’m sitting on top of the world (Karnaval)

Adaptación escénica de la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré a cargo del dramaturgo Antonio Rojano que se centra en la detención del entonces director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, tras abusar ─supuestamente─ de una camarera en un hotel de Nueva York. Un viaje alucinatorio a través de los excesos, los pecados y los males de la sociedad contemporánea. Una polifonía de voces que examinan el poder y el éxito como motores destructivos del hombre. Propuesta ganadora del Taller de técnicas audiovisuales en las narrativas contemporáneas impartido por Juan Francisco Ferré en el marco de Fringe14.

PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 45 minutos DÓNDE Plató Cineteca

TEXTO Juan Francisco Ferré, Antonio Rojano DIRECCIÓN Víctor Velasco AYUDANTE DIRECCIÓN Óscar Nieto INTERPRETACIÓN Mona Martínez, Alfonso Torregrosa ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO E ILUMINACIÓN Juan Sebastián Domínguez

OTROS ENFOQUES / 11 y 12 de julio

Desde aquí veo sucia la plaza

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Club Caníbal

En junio hay dos cosas que no fallan en Villanueva de la Faca: el calor y el lanzamiento de la cabra del campanario. Sin embargo, este año el gobierno, forzado por la Unión Europea, ha decidido prohibirlo en contra de los deseos del alcalde y de su pueblo. ¿Por qué lo que antes se veía como una tradición ahora es considerado barbarie? Club Caníbal desarrolla un humor negro neorrealista, absurdo y surreal enla primera obra que integra su trilogía Crónicas Ibéricas: una crítica descarnada de la idiosincrasia española.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 65 minutos DÓNDE Plató Cineteca

DIRECCIÓNChiqui Carabante INTERPRETACIÓNFont García, Vito Sanz, Juan Vinuesa ESPACIO ESCÉNICO Y FIGURINESSalvador Carabante MÚSICAPablo Peña

OTROS ENFOQUES / 14 y 15 de julio

La mujer del monstruo

Salva Bolta pone en escena los textos surgidos del taller impartido en el marco del festival por el dramaturgo Alberto Conejero. La mujer del monstruo explora la estrecha relación que existe entre el amor y el horror a través de la figura de cinco mujeres –Nadezhda Allilúyeva, Magda Goebbels, Margherita Sarfatti, Carmen Polo y Elena Ceaucescu– que mantuvieron relaciones sentimentales con criminales de guerra y dictadores del siglo XX.

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PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21 y 23h DURACIÓN 80 minutos DÓNDE Sala Hormigón

DIRECCIÓNSalva Bolta COORDINACIÓN DRAMATÚRGICAAlberto Conejero TEXTOS: Paola Iwasaki, Nieves Rodríguez, Sergio Martínez Vila, Carlos G. Otero, Xabier L. Askasibar. CON: Eva Rufo, Amparo Vega-León, Ana Wagener, Natalie Pinot, Isabelle Stoffel

ACTUALIDAD A ESCENA

SHOOT/GET TREASURE/REPEAT SHOOT/GET TREASURE/REPEAT

7, 8, 9 y 10 de julio
Shoot/ Get Treasure/ Repeat es un ciclo épico de teatro político que explora las consecuencias de los atentados del 11S, el 11M y el 7J en la sociedad actual: la primera guerra global entre Oriente y Occidente. NUDUS teatro presenta 14 piezas cortas y ofrece a cada espectador la posibilidad de configurar su propio recorrido eligiendo qué pieza ver y en qué orden, al ocupar diferentes espacios de manera simultánea durante los cuatro días del ciclo. ¿Libertad, Democracia, Verdad?
FICHA
Texto: Mark Ravenhill Dirección: Carlos Tuñón Ayte. Dirección / Dramaturgista: Luis Sorolla Traducción: Luis Sorolla y Viveka Rytzner Espacio Escénico / Iluminación: Antonio Jiménez Indumentaria: Paola de Diego
Asesoría Musical: Paula Iwasaki Regiduría Técnica: Javier de Pascual y Juan Antonio Rodríguez Montaje Audiovisual: Carlos Gorbe Fotografía: Álex Larumbe Diseño Gráfico: Vallivana Gallart
Compañía: NUDUS Teatro
Reparto: Irene Domínguez, Carlos Gorbe, Alejandro Pau, Kev de la Rosa, Viveka Rytzner, Nacho Sánchez

CREACIÓN / 9 y 10 de julio

Shell

Projecte NISU

Palabra e imagen se combinan en una dramaturgia potente que nos habla del mundo contemporáneo utilizando una narrativa fragmentada y repetitiva. El premio Adrià Gual del Institut del Teatre 2013 lleva el mito de Sísifo al área de descanso de una autopista. La vida os pasará ante los ojos si os sentáis en el banco de un área de descanso. O, cuando menos, fragmentos de vidas que posiblemente se repitan una y otra vez en una especie de suplicio mítico que, a veces, ni siquiera seréis capaces de percibir. Porque las vidas, las pasiones o los sentimientos parecen personales y exclusivos, pero quizá no son más que repeticiones o nuevas versiones de vidas, pasiones o sentimientos que alguien ya ha vivido o experimentado anteriormente y que se repiten una y otra vez hasta el infinito. En Shell, estas repeticiones tienen como escenario lo que el antropólogo francés Marc Augé definía como un «no lugar», uno de esos espacios sin importancia en sí mismos que se definen solo por el uso que se hace de ellos. Por ejemplo, la habitación de un hotel o el área de descanso de una autopista, que puede convertirse perfectamente en un infierno contemporáneo donde unos personajes que han perdido la identidad están condenados a repetir fragmentos de vidas.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 20h PRECIO 12€ DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


CONCEPTO, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓNAlbert Boronat, Nicolas Chevallier INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Nicolás Carbajal, Guillem Gefaell, David Menéndez, Albert Pérez Hidalgo, Xavier Torra, Sergi Torrecilla ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO Y ATREZZOMargherita Mantovani ILUMINACIÓNQuico Gutiérrez SONIDOLucas Ariel Vallejo DISEÑO DE VIDEOAlfonso Ferri CO-PRODUCCIÓNGrec 2014 Festival de Barcelona y Projecte NISU


INFO projectenisu.com

PAÍS

10 y 11 de julio
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Tomás se encuentra en una edad peligrosa, tiene un trabajo peligroso y vive en un país peligroso para desempeñar su trabajo. Tomás tiene 45 años, es actor y vive en España. ¿Cuánto va a tardar Tomás en asumir su realidad? Acaba de ser contratado para participar en la obra de Ibsen Cuando despertemos los muertos, su mujer se ha ido a Berlín, su socio a California y su padre a Galicia. ¿Y si Tomás, muerto, se despierta?
FICHA
Texto y dirección: Fefa Noia Inspirada en Cuando despertemos los muertos, de Henrik Ibsen Interpretación: David Luque Espacio escénico: Monica Boromello Iluminación: José Manuel Guerra, Pedro Yagüe Sonido: Javier Almela Vestuario: Alejandro Andújar, Ana López Fotografía: Jorge Yeregui Producción: Los Lunes

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 11 y 12 de julio

Potted

La Trócola

Una propuesta original y ambiciosa que surge de la investigación –mediante técnicas circenses– del espacio, los objetos, las estructuras y el ritmo. Su intención es poner en crisis el sentido del objeto para llegar a su esencia y buscar los puntos comunes entre la armonía y el caos, lo estático y lo dinámico, los límites del objeto y las personas.


PROCEDENCIA Alicante HORARIO 20h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


DIRECCIÓN ARTÍSTICA Lucas EscobedoDIRECCIÓN TÉCNICA ACROBÁTICAAntonio Segura, Vitaly Motouzka ACRÓBATASFederico Menini, Andrea Pérez Bejarano, Jon Sádaba San Martín MALABARISTASFederico Menini, Guillem Fluixa i Marti


Info www.latrocola.com _STR6595-2

CREACIÓN / 15 y 16 de julio

DÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Le Théâtre du Balèti

Cuatro años después de que se fundase Le Théâtre du Balèti, este colectivo dirigido por Maxime Franzetti ha conseguido que sus irreverentes propuestas sean imprescindibles para conocer la renovación de la escena europea. Le Théâtre du Balètiha llevado a cabo la utopía de dedicarse a la creación colectiva sin sacrificar el tiempo necesario para la búsqueda personal.

Además de presentar diferentes perfomances, el año pasado presentaron en Fringe14Amor Fati y este año, después de pasar por el Festival Impatience, el Be Festival y el Festival de Almada, vienen a Frinje15 los días 15 y 16 de julio para presentarDÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Expuestos entre las paredes esterilizadas de una caja blanca, once actores observan las relaciones que se crean entre ellos animados por una voluntad antropófaga de poder. A medio camino entre la realidad contemporánea y los mitos fundacionales, el nuevo espectáculo de Le Théâtre du Balèti confronta depredadores y víctimas, interroga la voracidad en su relación con el Otro y pone a prueba la famosa hipótesis de Cesare Pavese: con amor o con odio, pero siempre con violencia. Espectáculo en francés con sobretítulos en castellano.


PROCEDENCIA Francia
DURACIÓN 150 minutos
DÓNDE Sala Fernando Arrabal 1.1


CREACIÓN COLECTIVA CONCEBIDA Y DIRIGIDA POR Maxime Franzetti

INTERPRETACIÓN Y TEXTOSElise Arpentinier, Clémence Boucon, Florence Colbeau-Justin, Moïra Dalant, Maxime Franzetti, Dylan Ferreux, Martin Jaspar, Chloé Lavalette, Charles Meillat, Maya Outmizguine, Camille Voyenne
ILUMINACIÓNMaxime Franzetti
ESPACIO ESCÉNICOThéâtre du Balèti
TÉCNICA Gaëtan Thierry, Mathieu Genevois

INFO www.theatredubaleti.com

OTROS ENFOQUES / 18 y 19 de julio

Calderón cadáver

LaPita TEATRO y Escénate

CALDERON-CADAVERweb

Un cadáver exquisito a partir de La vida es sueño. Ocho dramaturgos, ganadores del Premio Calderón de la Barca, se han enfrentado a lo irracional y al libre albedrío del texto de Calderón para establecer un diálogo entre los siglos XVII y XXI.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 90 minutos DÓNDE Sala Max Aub

TEXTO A PARTIR DE LA VIDA ES SUEÑO DE CALDERÓNCarolina África, Zo Brinviyer, Blanca Doménech, Mar Gómez González, Víctor Iriarte, Emiliano Pastor, Antonio Rojano, Javier Vicedo Alós DIRECCIÓNErnesto Arias DIRECCIÓNMaría Moral INTERPRETACIÓNElena Tur, Paco Gámez ESPACIO ESCÉNICO Y VESTUARIOCarmen Abarca ILUMINACIÓNJorge Kent IMAGENEsther Gámez, Olga Iañez MÚSICAOlga Blanco

CREACIÓN / 18 y 19 de julio

Locus Amoenus

Atresbandes

LOCUS AMOENUS, etimológicamente “lugar idílico” o “lugar ameno”. Se trata de un tópico literario latino para referirse a un lugar idealizado de seguridad y confort. La pieza presenta una pequeña ficción en la que dos hombres y una mujer coinciden en el vagón de un tren con un destino incierto. Inspirada en el relato El Túnel de Friedrich Dürrenmatt y en la película Europa de Lars Von Trier, esta situación sirve de vehículo para poner en relieve los paraísos prometidos que ha tenido nuestra generación y, en consecuencia, sus contradicciones. El final siempre es trágico. Y, en muchas ocasiones, inesperado. No hay manera de predecir su llegada. Ninguna señal divina, ningún indicio. Se termina y punto. Y durante la espera una sucesión de paisajes que soñamos transformar en paraísos. Y el humano deseo de querer llegar a algún lugar. Y el humano deseo de querer llegar más lejos, hasta convertir en permanente el estado de tránsito. Durante este estado se suceden una serie de conversaciones y deseos, intentos de entender y hacerse entender dentro de una extraña arquitectura del día a día en la que el “carpe diem” de Horacio queda relegado a una valla publicitaria.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


CREACIÓN E INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Albert Pérez Hidalgo, Miquel SegoviaILUMINACIÓNAlberto Rodríguez SONIDOJoan Solé PRODUCCIÓNNúria Segovia, Sarah-Jane Watkinson CO-PRODUCCIÓN DEFestival TNT–Terrassa Noves Tendències / CAET, ATRESBANDES, Vesc S.L. y Departament de Cultura (ICEC) PROYECTO EN RESIDENCIA ENCC Can Felipa, CC Navas, Espai Maragall i MAC Birmingham con el soporte de Be Festival


INFOwww.atresbandes.com

AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS

23 y 24 de julio
Los Martínez intentan recuperarse del inesperado golpe asestado en su seno familiar. Pero sus vidas han quedado convertidas en añicos. Ahora el fantasma de aquello que les diezmó y creían alejado, irrumpe de nuevo en su propia casa. Añicos es un thriller claustrofóbico orquestado por cuatro personajes basado en el texto inédito del dramaturgo madrileño Carlos Be
Texto: Carlos Be Dirección: Pablo Martínez Bravo
Ayudante de dirección: Raúl Prados
Director de arte: Pier Paolo Álvaro

Con: Raquel Pérez, David González, Carlos López y Sara Moraleda .

Mis recuerdos y despedida de la La Casa de la Portera

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Qué más puedo añadir yo a todo lo que se ha dicho de esta maravillosa casa, portería, sala de teatro,… Como probablemente muchos sepan, Jose Martret y Alberto Puraenvidia crearon La Casa de la Portera porque tenían necesidad de trabajar, de crear. Se liaron la manta a la cabeza, y crearon La Casa en un piso en la frontera de Lavapiés y La Latina que había sido de todo, hasta piso-patera, y le dieron un cambio radical dejándolo en esta maravillosa casa con dos salones, taquilla y pasillos. Jose Martret quería montar el Ivanov de Chejov.

El invento resultó casi un éxito instantáneo. Recuerdo haber visto un par de tuits, algún artículo en algún blog y puede que alguna reseña en algún medio en internet. Creo que en algún momento salió la noticia de que Vargas Llosa lo había visto y le había encantado y ya aquéllo fue la locura. El boca-oreja de nuestros días, las redes sociales, hicieron todo lo demás.

Mi primera impresión fue, por supuesto, con Ivan-Off, después de mucho tiempo pegada al teléfono para internar conseguir entrar en la (larguísima) lista de espera que había ya para verla (¡y me estoy refiriendo al primer mes de inauguración de la casa!). Tenías que llevar la dirección bien aprendida, ya que la entrada es la de un edificio normal de vecinos y ni tan si quiera había en aquella época algo que les identificara en el interfono. Así que llamas, te abren sin preguntar y esperas que hayas ido a la dirección correcta. Por aquella época, antes de la incorporación de la encantadora Carmen Aragunde, José Martret estaba todavía más pluriempleado, si cabe, y le tocaba hacer de telefonista y portero/taquillero.

Y ese primer encuentro fue ya impactante. Creo que no había visto nunca Ivanov, una obra de juventud de Chejov, pero al entrar en la sala verde te encuentras con él, con Raúl Tejón, sentado, leyendo y respirando, a tan corta distancia que podrías pasarle las páginas. Porque en La Casa de la Portera no hay cuarta pared, ni primera, ni segunda, ni tercera. Y el público a veces hace de figurante, y hasta de invitado, y como tal nos puede caer un sandwichito, o un pepinillo, y te sumerges completamente en el mundo chejoviano/martretiano y se produce la suspensión de la realidad del puro teatro. Ivánov es un personaje sumido en una crisis en la mitad de su vida, en una encrucijada, un sufridor sin causa. Es una crisis destructora y destructiva, para sí mismo y para los demás, esos personajes que le rodean y que son su familia y amigos, su torturada, enamorada, y enferma mujer (Sabrina Praga), Doña Bárbara (Rocío Calvo) y Silvia Leyva (Maribel Luís), la rica viuda trepadora social y la esposa usurera de Carlos Leyva, interpretado por el maravilloso Germán Torres, el “honesto” médico de Roberto Correcher, y el amigo y primo de Ivanov, David González. Durante estos tres años y pico y no sé ni cuántos cientos de funciones que llevan ya, variando algunos de sus intérpretes, la obra no ha hecho más que ganar y ganar y, si no la han visto ya, más les vale pelearse por alguna de las cuatro funciones que quedan hasta el 21 de junio del The End de la Casa de la Portera.

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Y, aparte del puro teatro que es la experiencia de asistir como espectador a Ivan-Off, está la experiencia de entrar en el ambiente mágico de La Casa de la Portera, que ha hecho posible esos funciones “atmosféricas” a la que tantas referencias ha hecho José A Alba en su blog “En un Entreacto“, puro retro-pop kitsch fruto del talento de Alberto Puraenvidia, con esas lámparas como estalactitas en el pasillo, ese cuadro de la Duquesa de Alba, ese altar de la virgen con flores que ha funcionado de atrezzo en tantas obras, esos espejos, ese tic-tac, ese cuadro del desnudo con cabeza de perro, esas lámparas, ese teléfono antiguo…

Y luego está el inimitable ojo de José Martret como programador, que nos ha traído joyas a los teatrófilos ya consolidados, así como creado teatreros y teatrófilos de nuevo cuño. Creo que La Casa de la Portera ha contribuído como nada ni nadie a la creación de afición al teatro.

Todos mis recuerdos de esta casa son gratos, llegando casi del éxtasis de observar la danza/teatro de Cenizas de Chevi Muraday y Alberto Velasco con textos de Pablo Messiez y Guillem Clua, pasando por joyas inesperadas como Secundario, The Room, Periodo de reflexión, La vida en blanco, etc. así como las impactantes Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar, o Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar, del colectivo de teatro mexicano Vaca 35.

Estos últimos meses en que ya sabíamos que iban a cerrar y en los que José Martret ha traído a la programación algunos de sus éxitos han servido para hacer algo de repaso de lo que ya habíamos visto, así como una “repesca” de lo que no pudimos ver en su momento.

Ahora empiezan las vacaciones, ese inolvidable Strindberg versionado y hecho suyo por Paco Bezerra en ese tándem artístico con Luís Luque que tantas alegrías nos ha dado, y seguirá dando, espero, a los teatreros. Inolvidables son los dos hijos desamparados, hambrientos de comida y, sobre todo, de amor interpretados por Raquel Pérez y Juan Codina, esa madre/madrastra, devoradora de sus hijos, de Lola Casamayor, y el marido de la hija/amante chulesco de la madre, interpretado de nuevo por Raúl Tejón.

Es un ponerse a recordar y no parar… Desde las inolvidables también “huerfanitas” de Miguel Albaladejo, interpretadas por el propio José Martret y Jorge Calvo, hasta el teatro social de Periodo de reflexión escrita por Sergio Martínez Vila y dirigida por Camilo Vásquez, pasando por Secundario, de Antonio Velasco, que iba a estar dos días a principios de un verano, y ahora ha vuelto a la Nave 73. Pasando por el teatro de terror, como Sagrado Corazón 45, de José Padilla, al teatro distópico en Safronia, del mismo autor junto con Juan Vinuesa y Antonio de Cos.

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Inolvidable también esa Cerda de Juan Mairena, una de las obras del off madrileño más longevas. Inolvidables esos sueños truncados originados por el robo de bebés, seres humanos robados de su identidad, vida, felicidad y hasta de corporeidad, en forma de comedia pop, surrealista e improbable, absurda y transcendente.

Inolvidables también Santi Martín y Bárbara Lennie dirigidos por Lautaro Perotti en ese Breve Ejercicio para sobrevivir, basado en textos de Tennessee Williams, como esos seres desgraciados que parece que viven en el dolor. O el horror social y hasta asco que genera el comportamiento de la Iglesia católica muy bien representado en la obra de Antonio Muñoz de MesaLa Visita, magníficamente interpretada por Rosa Mariscal e Iván Villanueva. 

En fin, que imposible de enumerar y tampoco es ése mi propósito, pero entre los actores que han pasado por sus salones, Bárbara Lennie, Asier Etxeandía, Jorge Calvo, Lola Casamayor, Tamar Novas, Inma Cuevas, José Luis Patiño, Raúl Prieto, etc. Por su puerta ha pasado un público tan especial como Vargas Llosa, Miguel del Arco, Nuria Espert, Verónica Forqué, Maribel Verdú, o Flotats, o críticos de teatro tan reconocidos como Rosana Torres, Javier Villán o Julio Bravo, y hasta el periódico británico ‘The Guardian’ les dedicó un reportaje, Spain´s microtheatres provide lifelines for actors as public subsidies dry out, además de figurar en guías de viaje como la Lonely Planet Spain. Nuestros dramaturgos y creadores de teatro más activos José Padilla, Paco Bezerra, Luis Luque, Carlos Be, con la turbadora Peceras o la comedia musical sobre la movida de los ochenta Elepé. La lista, en este aspecto, podría continuar con nombres tan talentosos como los de Antonio Rojano, Denise Despeyroux, Abel Zamora o Alberto Conejero.

Este pequeño homenaje no quiere ser exhaustivo porque no podría. Son tantas ya las funciones que he podido ver en esta casa que casi se ha convertido en la mía, y entiendo perfectamente la intención de José Martret de cerrarla manteniendo el nivelazo de programación que ha conservado durante estos tres años de existencia y teniendo, además, otra nueva casa de teatro, La Pensión de las Pulgas. Jose Martret ha seguido manteniéndose en su empeño y vocación de creador y, como se ha visto, lo ha seguido haciendo como actor y como director, además de Ivan-Off, con su MBIG, una versión situada en el mundo empresarial de Macbeth y, más recientemente, HG. La Reina de la Belleza, su versión de Hedda Gabler de Ibsen en el Teatro Principal de Mallorca. Imposible. Expreso desde aquí mi más humilde pero sentida admiración. Y solo decir que echaré mucho de menos su casa, mi casa, La Casa de la Portera.

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Pingüinas, de Fernando Arrabal, dirigido por Juan Carlos Pérez de la Fuente, en las Naves del Teatro Español

Ayer las volví a ver, ayer volví a ver a las Cervantas, ayer volví a ver Pingüinas…

Llevaba acumulando expectación desde que me enteré de cuál iba a ser el primer montaje como director del Teatro Español de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Cuando entras en la nave, directamente bajo la tribuna, ya te sumerges en un mundo diferente, con una música inquietante, y con algunos de los “protagonistas silenciosos”, las gallinas y el gallo, esperando a un lado.

En Pingüinas, desde el primer instante, las actrices tienen que contar con la complicidad absoluta del público, es un todo o nada; como espectador entras o no entras en la función desde el momento en que aparecen enmarcadas en las puertas de la nave, se distribuyen entre el público, y una de ella, Sara Moraleda, invita a que nos levantemos y demos palmas al ritmo de la música Happy de Pharrell, mientras sus compañeras bailan (y el público hace lo que puede).

Desde ese momento la función es un sin parar de imágenes, “cae el elemento de una cosmonave” y aparecen en escena, las tres moteras Constanza (Marta Poveda), Torreblanca (María Hervás) y Luisa (Ana Torrent). Sobre estas tres actrices, junto con Sara Moraleda, que hace de Isabel, la hija natural de Cervantes, es donde se sustenta prácticamente todo el peso de la función, ya que, como dice Luisa en un momento determinado: “las únicas que hablamos aquí somos nosotras tres e Isabel. Pero somos diez mozas hechas y derechas. Os habéis quitado el derecho a la palabra vosotras seis”. Y éso a pesar de que con Miho, o Cervantes, “hasta los perros tienen derecho a la palabra”. Las cuatro son cañeras, irreverentes, deslenguadas, libres, libertinas, procaces, y hasta soeces, pero Constanza trata de remediar su confusión con racionalidad, Luisa con el conocimiento, y Torreblanca, en su ingenuidad, es el personaje más tierno. Isabel es rebelde, respondona, insolente, como corresponde con su condición de hija natural, o bastarda. Las cuatro desarrollan un trabajo especialmente físico de forma brillante, pero sin descuidar en ningún momento ese texto complicadísimo en su surrealismo absurdo, que defienden como su condición de pingüinas les obliga.

Miho, trasunto del propio Miguel de Cervantes, es curiosamente un personaje mudo, que solo habla por intermediación de la cosmonave, o internet, o interpretado por su hija Isabel. Miguel Cazorla es el actor que lo interpreta y lo hace también brillantemente, en un tour de force en el que se pasa un buen rato por las alturas, volando colgado del arnés, desde donde arroja perlas de sabiduría en forma de bombones baci en paracaídas, o con su prisión, arrastrado lejos del alcance de su madre, dolorosa y dolorida Leonor.

Lara Grube tiene una escena bellísima como la madre dolorosa de Miho, Leonor, que pasó años intentando rescatarle. La escena la inician las siete pingüinas encadenadas con Leonor a la cabeza, que se van acercanto a Cervantes encerrado y, cuando está a punto de rozarle,  Isabel, la hija natural, se despega de la cadena de pingüinas y tira de él, hasta que Miho emprende el vuelo en su cárcel, en una escena que me recordó a la también “prisión voladora” de la Antígona/Manuela Paso de Miguel del Arco en el Teatro de la Ciudad.

La coreografía de Marta Carrasco de preciosas escenas  corales, y el ambiente sonoro de Luis Miguel Cobo, afortunadamente prolífico en los escenarios madrileños, desde el pasodoble “Que viva España” hasta una jota manchega cantada por Badía Albayati. Todas estas escenas deben haber tenido un esfuerzo detrás increíble para que al final todo fluya por el inhóspito escenario que normalmente es esta nave del Matadero y hasta sea posible localizar, a pesar de los micrófonos obligados en esta sala, quién está hablando en cada momento. El trabajo de todas las actrices alcanza un nivel de brillantez y sincronía que para sí desearían muchas compañías de danza.

Esas motos quiméricas, que ruedan de forma infinita, un cruce entre animales mitológicos y de motos propias de la realidad virtual de TRON, así como el vestuario de las chicas, perdón nenas, perdón pingüinas, de vaquero y corpiño, simbolizan también ese viaje temporal, o bien, accidente en el que las Cervantas han caído en una singularidad cósmica en un lugar y en un tiempo diferentes y desconocidos a los que deberían estar.

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La cantidad de referencias son incontables, científicas, populares, históricas, literarias, tecnológicas, intercaladas en el texto como si tal cosa, y van desde Heidi, el coche fantástico, Stallone, EuroStar, Chewbacca, la medalla Fields, Avellaneda, el perro Paco, Espinete y Don Pimpón, Juan Palomo, Lady Gaga, Walter Press, Closer, Chotis, Dumbo, La abeja Maya, la Chita de Tarzán, Platón, Góngora, Tirso, Lope, Quevedo, las cuevas de Altamira, Gala, Dalí, Paul Eluard, Max Ernst, Alí Babá, Pavarotti, Pharrell, El puente sobre el río Kwai, Mazinger Z, las Tortugas Ninja, Dulcinea del Toboso, Sharon Stone, Mike Tyson, Microsoft Intel, Nokia, Mp4, Julio Verne, Jardiel Poncela, Disneylandia, Martin de Riquer, el botones Sacarino, Malambruno, Conde de Lautréamont, Pegaso, Belerofonte, Brilladoro, Orlando el furioso, Bucéfalo, Alejandro Magno, Drácula, Frankenstein, la torre Eiffel, Valérie Trierweiler, Marques de Sade, Marie Constance Renel, Pitágoras, Proust, Conchita Wurst, Merlín, Dama de Elche, Velázquez, Mariana de Austria, Felipe IV,.. Podría seguir hasta aburrir, y como he leído ya en algún lado, es increíble que alguien con 83 años esté al tanto no solo de las referencias eruditas, que sería normal, sino de las más actuales y pasajeras que hasta a mí, bastante más joven, me resulta difícil reconocer.

Pingüinas es un road trip espacio-temporal alucinado y alucinante, un viaje en el tiempo y en el espacio de unas mujeres independientes en constante búsqueda, un homenaje a las mujeres de la vida de Cervantes que, en contra de todas las convenciones de su época, eligieron la libertad personal frente al enclaustramiento que significaban las opciones de las mujeres en ese momento, el matrimonio o hacerse monjas. Dependientes siempre de un hombre, trátese del marido, del padre o del padre/dios. Cervantes admiraba a sus parientes tanto como ellas le admiraban a él y Arrabal convierte esta obra en un homenaje a ese feminismo avant la lettre, sin prejuicios, que se observa también en las obras de teatro de Cervantes.

Arrabal ha cambiado la escena del teatro mundial. Su teatro tiene episodios disparatados del teatro del absurdo y la crueldad o del dadaísmo tardío. El resultado es una ceremonia con todo su valor ritual, devolviendo al teatro su condición de espectáculo. Por debajo del caos aparente, de todas esas referencias que te pueden llegar a dejar estupefacto y en la incomprensión total,  laten inquietudes políticas, religiosas, filosóficas, científicas y humanas de verdadera trascendencia.

Creo recordar que Juan Carlos Pérez de la Fuente le encargó a Arrabal crear una obra para conmemorar el cuarto centenario de la publicación del segundo volumen del Quijote y el único requisito fue que el Quijote fuera mujer. Como se ha podido ver, y como era casi esperable de Arrabal, el escritor se salió por la tangente con este texto sobre las mujeres de Cervantes en el contexto de un capítulo del Quijote, el de Clavileño, con el que los duques engañan al Quijote y Sancho, tras taparle los ojos, diciéndoles que van a viajar a la luna en ese caballo de madera.

Tras haber visto el montaje dos veces, haberme leído el texto y asistido al encuentro con el público del equipo artístico, “credo quia confusum”: creo en él porque es confuso. El texto de Arrabal es brillante, confuso, bizarro, coñón, tierno, absurdo, abstracto. Pero tiene todavía una mirada de niño hacia el mundo y todas sus maravillas, un acto de amor a la vida, a la libertad, a la existencia, a las mujeres, a Cervantes y a las mujeres de Cervantes. Y tampoco me quiero meter en muchos berenjenales porque Miguel Pérez Valiente ha hecho un bello y muy interesante análisis en su crónica que debería leerse antes y después de asistir a la función.

“No vinimos al mundo

ni para ser más ricas

ni más influyentes,

ni más famosas,

sino para confortarnos y confortar

con palabras

de poesía,

de libertad,

de tolerancia,

de ciencia,

y de amor.”

E independientemente de que se llegue o no a entender el bello texto de Fernando Arrabal, no hay duda de que la función entra con prácticamente todos los sentidos, con esa ambientación sonora de Luis Cobos, las proyecciones en el techo y el suelo, además de en la columna central, ese ala de avión estrellado, y la bellísima iluminación, la pirotecnia, y hasta el choque olfativo del incienso que Miho trae en la bacía en el tramo final, en otra escena para el recuerdo en la que Miho aparece iluminado a contraluz, entre el humo del incienso, desde la oscuridad de la entrada de la nave.

Todo este crescendo emocional y lírico tiene su culminación en la danza de la boda comunitaria de las dervichAs giratorias, la danza de la transformación.

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Pérez de la Fuente, con esa sintonía tan especial que parece compartir con los escritores más surrealistas, ha creado un espectáculo total, desde el punto de vista estético también, lleno de imágenes bellísimas en donde las actrices y el único actor brillan. Además, y hay que decirlo ¿en dónde hay ahora mismo en cartel una función en dónde haya diez actrices en escena? Ha arriesgado todo con su primer montaje como director del Teatro Español, con un texto nuevo de un escritor contemporáneo considerado controvertido, en vez de montar por enésima vez a un autor reconocido (y bien muerto) y es muy de agradecer, porque el resultado es fascinante.

De: Fernando Arrabal

Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

Del 23 de abril al 14 de junio 2015

Reparto por orden de intervención

María Hervás Torreblanca (la abuela)

Ana Torrent Luisa de Belén (la hermana monja)

Marta Poveda Constanza (la sobrina carnal)

Lara Grube Leonor (la madre)

Ana Vayón María (la tía paterna)

María Besant Andrea (la hermana mayor)

Lola Baldrich Magdalena (la hermana menor)

Alexandra Calvo Martina (la prima paterna)

Badia Albayati Catalina (la esposa)

Sara Moraleda Isabel (la “hija natural”)

Miguel Cazorla Miho (“¿quién cómo Dios? o incluso ¿quién cómo Pan?”)

Pedro Tena Voz en off

Equipo artístico

Movimiento Escénico y Coreografía Marta Carrasco

Diseño Escenografía Emilio Valenzuela

Diseño de Vestuario Almudena Huerta

Diseño de Luces José Manuel Guerra

Composición Musical y espacio sonoro Luis Miguel Cobo

Diseño Audiovisuales Joan Rodón y Emilio Valenzuela

Ayudante Dirección Pilar Valenciano

Ayudante de escenografía Alessio Meloni

Ayudante de vestuario Liza Bassi

Asistente de Dirección Pablo Martínez

Asistente de Gestión Artística Cristina Bertol

Asesoramiento Acrobático Escuela de Circo Carampa

Fotografía cartel Chema Conesa

Fotografías promoción y escena Javier Naval

Realizaciones

Escenografía Escénica Integral, Scenik, Bungy Jumping, Peroni y

Equipo del Teatro Español

Confección Vestuario Sastrería Cornejo

Ambientación Vestuario María Calderón

Efectos Pirotécnicos Pirotecnia Almudena

Encuentro público Pingüinas

Foto del encuentro con el público del equipo artístico el 20 de mayo.

kritilo

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