Cuisine et Confessions @7doigtsdelamain en el Teatro @circoprice

C&C

En el Circo Price de Madrid, del 21 de octubre al 8 de noviembre.

Los artistas: Emile Pineault, Mishannock Ferrero, Héloïse Bourgeois, Melvin Diggs, Anna Kichtchenko, Nella Niva, Sidney Iking Bateman, Matías Plaul y Pablo Pramparo.

Una receta transmitida durante muchas generaciones.

Un recuerdo tan profundamente embebida en nuestra consciencia que tienen que suceder olores y sabores cuidadosamente construídos para traerlos a la superficie.

Nuestra historia se escribe en la cocina. Es el dulce sabor de la infancia: una brisa de verano a través de la mosquitera, el primer beso con chocolate en las comisuras. La vida transcurre aquí. Confesiones nocturnas, almuerzos familiares alrededor de un plato inimitable, lecciones aprendidas, secretos intercambiados, vínculos forjados a través del más visceral de nuestros sentidos… El olor de las galletas saliendo del horno, el aroma de las hierbas. Les 7 doigts de la main crea un nuevo género de espectáculo, en el cual el tacto, el olor y el gusto se unen para regalar nuestros ojos y nuestros oídos, convirtiendo la cocina en un lugar de encuentro entre culturas.

Estamos hechos de una sabia mezcla: cada uno de nosotros es una receta única.

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Esta es la introducción del espectáculo circense de Les 7 doigts de la Main que se presenta esta vez en el Circo Price, tras Sequence 8 hace un par de años.

Shana Carroll y Sébastien Soldevila son los creadores y directores de este exquisito espectáculo. En Cuisine & Confessions nos encontramos con una mezcla feliz de increíbles acrobacias y monólogos biográficos, y mientras que los atletas participan en toda clase acrobacias, a la vez nos confían partes de su vida con el hilo conductor de las memorias relacionadas con la comida y todo lo que estos momentos sugieren a los artistas de Les 7 doigts de la main, desde la importancia de una mesa redonda (porque siempre se puede añadir más de un invitado al compactar un poco), hasta la importancia de la pasta para una familia argentina de origen italiano.

Los primeros minutos de acrobacias continuas quizá, si hubiera que encontrarle una pega, sería que no sabes en dónde fijar la atención, te pierdes momentazos porque estás concentrado en otros. Pero luego, en este maravilloso espectáculo cada uno de sus miembros tiene su momento, tanto de increíble acrobacia como de confesión. Algunos de los episodios que nos cuentan también explican por qué hacen lo que hacen, cómo llegaron a hacer lo que hacen en el circo, y así son por ejemplo las confesiones de los dos miembros afroamericanos del grupo, Melvin Diggs y Sidney Iking Bateman, sobre su difícil infancia, y también alrededor de la comida. Estos dos artistas, que forman una pareja muy disimilar físicamente, realiza un número de acrobacias increíbles atravesando y saltando por cuadrados y rectángulos colocados a unas alturas y posiciones que parece que ni la gravedad ni la dureza de los huesos existiese para ellos.

Anneaux

Nos quedamos sin aliento y nos enamora la belleza, la agilidad, la elegancia y el riesgo generoso de la rusa Anna Kichtchenko, que ejecuta increíbles contorsiones mientras cuelga en el aire de una tela por la nuca, la cintura o las piernas, sin arnés y sin colchoneta salvavidas en el suelo.
Anna Tissu

Pero uno de los monólogos que creo que nos ha emocionado más hondamente a todos es el de Matías Plaul, que habla de la detención de su padre por la junta militar argentina cuando Matías era apenas un bebé, uno de los incontables “desaparecidos” de la historia argentina reciente. Y mientras nos cuenta su historia, Matías se expresa como mejor sabe, realizando increíbles acrobacias en el mástil. Es un momento realmente emocionante que dejó al público en un silencio respetuoso que además nos hizo darnos cuenta de que detrás de la belleza, la perfección del gesto o la impecable técnica acrobática, pueden ocultarse el dolor y la ausencia.

Matias

Y entremedias de todas estas acrobacias y monólogos, no dejan de cocinar, con la colaboración además en gran parte por el público, que, desde que se sienta esperando que comience el espectáculo, ayuda a Matías rompiendo huevos con una sola mano. También invitan en varias ocasiones a los espectadores, tanto a comerse una tortilla, la tortilla del amor, como a compartir mesa y conocerse (¿enamorarse, quizas?) y a batir huevos como locos, cosa que hace mucho mejor Pablo Pramparo en un número en el que usa batidoras en lugar de mazas.  La cuestión culinaria-circense culmina en un virtuoso cuadro acrobático coral cuando acaban los 36 minutos que requiere el pan de plátano para hornearse correctamente y los artistas invitan a degustarlo. Una maravilla de coordinación y, sobre todo, confianza en los otros, acompañado siempre de una deliciosa banda sonora en la que reconocí una curiosa versión del Bolero de Ravel.

Hace ya más de una semana que les he visto y creo que voy a intentar conseguir entrada para volver a verles. Pasa demasiado tiempo entre las visitas de esta maravillosa compañía y no hay que desperdiciar las ocasiones de maravillarse como niños. ¡Corran a verles y a compartir el pan de plátano con ellos!

Les 7 doigts de la Main, compañía canadiense célebre en el mundo entero, es uno de los mayores exponentes de circo actual. En el Price han cosechado desde 2009 explosivas muestras de entusiasmo con Traces, Psy, La vie, Patinoire y Sequence 8. El nombre de la compañía es un juego de palabras que surge de la expresión francesa ‘Les 5 doigts de la main’, que se utiliza para describir la unión férrea de distintas piezas que se coordinan en pos de una meta común y, en este caso, se refiere a los siete directores que la fundaron: Isabelle Chassé, Shana Carroll, Patrick Léonard, Faon Shane, Gypsy Snider, Sébastien Soldevila y Samuel Tétreault. Ellos describen su grupo como poseedor una “dexteridad bellamente torpe” cuyo “gol inicial era traer el circo a una escala humana.”

Algunas propuestas teatrales del #FrinjeMadrid15

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 3 y 4 de julio

Danzad malditos

En la época de la Gran Depresión, en Estados Unidos se organizaban concursos dónde parejas bailaban de manera continuada, día y noche, hasta acabar extenuados. Ganaban los que más resistían y recibían dinero en metálico. Basado en la célebre película de Sidney Pollack, esta propuesta reproduce aquellos maratones de resistencia donde los bailarines eran auténticos espectáculos de la miseria. La competición se desarrolla de manera real: cada función es un folio en blanco que se irá escribiendo con cada movimiento de sus participantes. DANZAD MALDITOS TEXTOFélix Estaire DIRECCIÓNAlberto Velasco AYUDANTE DE DIRECCIÓNLuis Ulzurrún DRAMATURGIAFélix Estaire, Alberto Velasco INTERPRETACIÓNGuillermo Barrientos, Carmen Del Conte, José Luis Ferrer, Rubén Frías, Karmen Garay, Nuria López, Ignacio Mateos, Sara Párbole, Rulo Pardo, Txabi Pérez, Verónica Ronda, Ana Telenti, Sam Slade ASESORÍA DE DIRECCIÓNCarlota Ferrer ESPACIO ESCÉNICOAlessio Meloni ESPACIO SONOROMariano Marín ILUMINACIÓNDavid Picazo VESTUARIOSara Sánchez de la Morena MÚSICA ORIGINALMariano Marín FOTOGRAFÍASPablo Rodrigo DISEÑOAdrián Novoa

PROCEDENCIA MadridHORARIO 20hDURACIÓN 90 minutosDÓNDE Sala Max Aub

OTROS ENFOQUES / 3, 4 y 5 de julio

El rastro

Después de dos años, Nora García regresa a su casa para asistir al velatorio de su exmarido, muerto de un infarto. El rastro –ganador de diversos premios en su país– adapta para la escena la novela homónima de la escritora mexicana Margo Glantz. Un montaje donde conviven armónicamente pensamiento, música y aquellos recuerdos recurrentes a los que siempre volvemos.


PROCEDENCIA Argentina HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


AUTORAMargo Glantz DIRECCIÓNAlejandro Tantanian AYUDANTE DE DIRECCIÓNIgnacio Bartolone, Ernesto Donegana ADAPTACIÓNAnalía Couceyro ─con la colaboración de Alejandro Tantanian─ INTERPRETACIÓNAnalía Couceyro MÚSICA EN ESCENARafael Delgado DISEÑO GRÁFICONicolás Lodigiani DISEÑO VISUALEsquipo EL RASTRO FOTOGRAFÍASErnesto Donegana PRODUCCIÓNMónica Paixao


Info www.alejandrotantanian.com.ar

ACTUALIDAD A ESCENA / 8 y 9 de julio

I’m sitting on top of the world (Karnaval)

Adaptación escénica de la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré a cargo del dramaturgo Antonio Rojano que se centra en la detención del entonces director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, tras abusar ─supuestamente─ de una camarera en un hotel de Nueva York. Un viaje alucinatorio a través de los excesos, los pecados y los males de la sociedad contemporánea. Una polifonía de voces que examinan el poder y el éxito como motores destructivos del hombre. Propuesta ganadora del Taller de técnicas audiovisuales en las narrativas contemporáneas impartido por Juan Francisco Ferré en el marco de Fringe14.

PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 45 minutos DÓNDE Plató Cineteca

TEXTO Juan Francisco Ferré, Antonio Rojano DIRECCIÓN Víctor Velasco AYUDANTE DIRECCIÓN Óscar Nieto INTERPRETACIÓN Mona Martínez, Alfonso Torregrosa ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO E ILUMINACIÓN Juan Sebastián Domínguez

OTROS ENFOQUES / 11 y 12 de julio

Desde aquí veo sucia la plaza

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Club Caníbal

En junio hay dos cosas que no fallan en Villanueva de la Faca: el calor y el lanzamiento de la cabra del campanario. Sin embargo, este año el gobierno, forzado por la Unión Europea, ha decidido prohibirlo en contra de los deseos del alcalde y de su pueblo. ¿Por qué lo que antes se veía como una tradición ahora es considerado barbarie? Club Caníbal desarrolla un humor negro neorrealista, absurdo y surreal enla primera obra que integra su trilogía Crónicas Ibéricas: una crítica descarnada de la idiosincrasia española.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 65 minutos DÓNDE Plató Cineteca

DIRECCIÓNChiqui Carabante INTERPRETACIÓNFont García, Vito Sanz, Juan Vinuesa ESPACIO ESCÉNICO Y FIGURINESSalvador Carabante MÚSICAPablo Peña

OTROS ENFOQUES / 14 y 15 de julio

La mujer del monstruo

Salva Bolta pone en escena los textos surgidos del taller impartido en el marco del festival por el dramaturgo Alberto Conejero. La mujer del monstruo explora la estrecha relación que existe entre el amor y el horror a través de la figura de cinco mujeres –Nadezhda Allilúyeva, Magda Goebbels, Margherita Sarfatti, Carmen Polo y Elena Ceaucescu– que mantuvieron relaciones sentimentales con criminales de guerra y dictadores del siglo XX.

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PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21 y 23h DURACIÓN 80 minutos DÓNDE Sala Hormigón

DIRECCIÓNSalva Bolta COORDINACIÓN DRAMATÚRGICAAlberto Conejero TEXTOS: Paola Iwasaki, Nieves Rodríguez, Sergio Martínez Vila, Carlos G. Otero, Xabier L. Askasibar. CON: Eva Rufo, Amparo Vega-León, Ana Wagener, Natalie Pinot, Isabelle Stoffel

ACTUALIDAD A ESCENA

SHOOT/GET TREASURE/REPEAT SHOOT/GET TREASURE/REPEAT

7, 8, 9 y 10 de julio
Shoot/ Get Treasure/ Repeat es un ciclo épico de teatro político que explora las consecuencias de los atentados del 11S, el 11M y el 7J en la sociedad actual: la primera guerra global entre Oriente y Occidente. NUDUS teatro presenta 14 piezas cortas y ofrece a cada espectador la posibilidad de configurar su propio recorrido eligiendo qué pieza ver y en qué orden, al ocupar diferentes espacios de manera simultánea durante los cuatro días del ciclo. ¿Libertad, Democracia, Verdad?
FICHA
Texto: Mark Ravenhill Dirección: Carlos Tuñón Ayte. Dirección / Dramaturgista: Luis Sorolla Traducción: Luis Sorolla y Viveka Rytzner Espacio Escénico / Iluminación: Antonio Jiménez Indumentaria: Paola de Diego
Asesoría Musical: Paula Iwasaki Regiduría Técnica: Javier de Pascual y Juan Antonio Rodríguez Montaje Audiovisual: Carlos Gorbe Fotografía: Álex Larumbe Diseño Gráfico: Vallivana Gallart
Compañía: NUDUS Teatro
Reparto: Irene Domínguez, Carlos Gorbe, Alejandro Pau, Kev de la Rosa, Viveka Rytzner, Nacho Sánchez

CREACIÓN / 9 y 10 de julio

Shell

Projecte NISU

Palabra e imagen se combinan en una dramaturgia potente que nos habla del mundo contemporáneo utilizando una narrativa fragmentada y repetitiva. El premio Adrià Gual del Institut del Teatre 2013 lleva el mito de Sísifo al área de descanso de una autopista. La vida os pasará ante los ojos si os sentáis en el banco de un área de descanso. O, cuando menos, fragmentos de vidas que posiblemente se repitan una y otra vez en una especie de suplicio mítico que, a veces, ni siquiera seréis capaces de percibir. Porque las vidas, las pasiones o los sentimientos parecen personales y exclusivos, pero quizá no son más que repeticiones o nuevas versiones de vidas, pasiones o sentimientos que alguien ya ha vivido o experimentado anteriormente y que se repiten una y otra vez hasta el infinito. En Shell, estas repeticiones tienen como escenario lo que el antropólogo francés Marc Augé definía como un «no lugar», uno de esos espacios sin importancia en sí mismos que se definen solo por el uso que se hace de ellos. Por ejemplo, la habitación de un hotel o el área de descanso de una autopista, que puede convertirse perfectamente en un infierno contemporáneo donde unos personajes que han perdido la identidad están condenados a repetir fragmentos de vidas.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 20h PRECIO 12€ DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


CONCEPTO, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓNAlbert Boronat, Nicolas Chevallier INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Nicolás Carbajal, Guillem Gefaell, David Menéndez, Albert Pérez Hidalgo, Xavier Torra, Sergi Torrecilla ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO Y ATREZZOMargherita Mantovani ILUMINACIÓNQuico Gutiérrez SONIDOLucas Ariel Vallejo DISEÑO DE VIDEOAlfonso Ferri CO-PRODUCCIÓNGrec 2014 Festival de Barcelona y Projecte NISU


INFO projectenisu.com

PAÍS

10 y 11 de julio
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Tomás se encuentra en una edad peligrosa, tiene un trabajo peligroso y vive en un país peligroso para desempeñar su trabajo. Tomás tiene 45 años, es actor y vive en España. ¿Cuánto va a tardar Tomás en asumir su realidad? Acaba de ser contratado para participar en la obra de Ibsen Cuando despertemos los muertos, su mujer se ha ido a Berlín, su socio a California y su padre a Galicia. ¿Y si Tomás, muerto, se despierta?
FICHA
Texto y dirección: Fefa Noia Inspirada en Cuando despertemos los muertos, de Henrik Ibsen Interpretación: David Luque Espacio escénico: Monica Boromello Iluminación: José Manuel Guerra, Pedro Yagüe Sonido: Javier Almela Vestuario: Alejandro Andújar, Ana López Fotografía: Jorge Yeregui Producción: Los Lunes

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 11 y 12 de julio

Potted

La Trócola

Una propuesta original y ambiciosa que surge de la investigación –mediante técnicas circenses– del espacio, los objetos, las estructuras y el ritmo. Su intención es poner en crisis el sentido del objeto para llegar a su esencia y buscar los puntos comunes entre la armonía y el caos, lo estático y lo dinámico, los límites del objeto y las personas.


PROCEDENCIA Alicante HORARIO 20h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


DIRECCIÓN ARTÍSTICA Lucas EscobedoDIRECCIÓN TÉCNICA ACROBÁTICAAntonio Segura, Vitaly Motouzka ACRÓBATASFederico Menini, Andrea Pérez Bejarano, Jon Sádaba San Martín MALABARISTASFederico Menini, Guillem Fluixa i Marti


Info www.latrocola.com _STR6595-2

CREACIÓN / 15 y 16 de julio

DÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Le Théâtre du Balèti

Cuatro años después de que se fundase Le Théâtre du Balèti, este colectivo dirigido por Maxime Franzetti ha conseguido que sus irreverentes propuestas sean imprescindibles para conocer la renovación de la escena europea. Le Théâtre du Balètiha llevado a cabo la utopía de dedicarse a la creación colectiva sin sacrificar el tiempo necesario para la búsqueda personal.

Además de presentar diferentes perfomances, el año pasado presentaron en Fringe14Amor Fati y este año, después de pasar por el Festival Impatience, el Be Festival y el Festival de Almada, vienen a Frinje15 los días 15 y 16 de julio para presentarDÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Expuestos entre las paredes esterilizadas de una caja blanca, once actores observan las relaciones que se crean entre ellos animados por una voluntad antropófaga de poder. A medio camino entre la realidad contemporánea y los mitos fundacionales, el nuevo espectáculo de Le Théâtre du Balèti confronta depredadores y víctimas, interroga la voracidad en su relación con el Otro y pone a prueba la famosa hipótesis de Cesare Pavese: con amor o con odio, pero siempre con violencia. Espectáculo en francés con sobretítulos en castellano.


PROCEDENCIA Francia
DURACIÓN 150 minutos
DÓNDE Sala Fernando Arrabal 1.1


CREACIÓN COLECTIVA CONCEBIDA Y DIRIGIDA POR Maxime Franzetti

INTERPRETACIÓN Y TEXTOSElise Arpentinier, Clémence Boucon, Florence Colbeau-Justin, Moïra Dalant, Maxime Franzetti, Dylan Ferreux, Martin Jaspar, Chloé Lavalette, Charles Meillat, Maya Outmizguine, Camille Voyenne
ILUMINACIÓNMaxime Franzetti
ESPACIO ESCÉNICOThéâtre du Balèti
TÉCNICA Gaëtan Thierry, Mathieu Genevois

INFO www.theatredubaleti.com

OTROS ENFOQUES / 18 y 19 de julio

Calderón cadáver

LaPita TEATRO y Escénate

CALDERON-CADAVERweb

Un cadáver exquisito a partir de La vida es sueño. Ocho dramaturgos, ganadores del Premio Calderón de la Barca, se han enfrentado a lo irracional y al libre albedrío del texto de Calderón para establecer un diálogo entre los siglos XVII y XXI.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 90 minutos DÓNDE Sala Max Aub

TEXTO A PARTIR DE LA VIDA ES SUEÑO DE CALDERÓNCarolina África, Zo Brinviyer, Blanca Doménech, Mar Gómez González, Víctor Iriarte, Emiliano Pastor, Antonio Rojano, Javier Vicedo Alós DIRECCIÓNErnesto Arias DIRECCIÓNMaría Moral INTERPRETACIÓNElena Tur, Paco Gámez ESPACIO ESCÉNICO Y VESTUARIOCarmen Abarca ILUMINACIÓNJorge Kent IMAGENEsther Gámez, Olga Iañez MÚSICAOlga Blanco

CREACIÓN / 18 y 19 de julio

Locus Amoenus

Atresbandes

LOCUS AMOENUS, etimológicamente “lugar idílico” o “lugar ameno”. Se trata de un tópico literario latino para referirse a un lugar idealizado de seguridad y confort. La pieza presenta una pequeña ficción en la que dos hombres y una mujer coinciden en el vagón de un tren con un destino incierto. Inspirada en el relato El Túnel de Friedrich Dürrenmatt y en la película Europa de Lars Von Trier, esta situación sirve de vehículo para poner en relieve los paraísos prometidos que ha tenido nuestra generación y, en consecuencia, sus contradicciones. El final siempre es trágico. Y, en muchas ocasiones, inesperado. No hay manera de predecir su llegada. Ninguna señal divina, ningún indicio. Se termina y punto. Y durante la espera una sucesión de paisajes que soñamos transformar en paraísos. Y el humano deseo de querer llegar a algún lugar. Y el humano deseo de querer llegar más lejos, hasta convertir en permanente el estado de tránsito. Durante este estado se suceden una serie de conversaciones y deseos, intentos de entender y hacerse entender dentro de una extraña arquitectura del día a día en la que el “carpe diem” de Horacio queda relegado a una valla publicitaria.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


CREACIÓN E INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Albert Pérez Hidalgo, Miquel SegoviaILUMINACIÓNAlberto Rodríguez SONIDOJoan Solé PRODUCCIÓNNúria Segovia, Sarah-Jane Watkinson CO-PRODUCCIÓN DEFestival TNT–Terrassa Noves Tendències / CAET, ATRESBANDES, Vesc S.L. y Departament de Cultura (ICEC) PROYECTO EN RESIDENCIA ENCC Can Felipa, CC Navas, Espai Maragall i MAC Birmingham con el soporte de Be Festival


INFOwww.atresbandes.com

AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS

23 y 24 de julio
Los Martínez intentan recuperarse del inesperado golpe asestado en su seno familiar. Pero sus vidas han quedado convertidas en añicos. Ahora el fantasma de aquello que les diezmó y creían alejado, irrumpe de nuevo en su propia casa. Añicos es un thriller claustrofóbico orquestado por cuatro personajes basado en el texto inédito del dramaturgo madrileño Carlos Be
Texto: Carlos Be Dirección: Pablo Martínez Bravo
Ayudante de dirección: Raúl Prados
Director de arte: Pier Paolo Álvaro

Con: Raquel Pérez, David González, Carlos López y Sara Moraleda .

Pingüinas, de Fernando Arrabal, dirigido por Juan Carlos Pérez de la Fuente, en las Naves del Teatro Español

Ayer las volví a ver, ayer volví a ver a las Cervantas, ayer volví a ver Pingüinas…

Llevaba acumulando expectación desde que me enteré de cuál iba a ser el primer montaje como director del Teatro Español de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Cuando entras en la nave, directamente bajo la tribuna, ya te sumerges en un mundo diferente, con una música inquietante, y con algunos de los “protagonistas silenciosos”, las gallinas y el gallo, esperando a un lado.

En Pingüinas, desde el primer instante, las actrices tienen que contar con la complicidad absoluta del público, es un todo o nada; como espectador entras o no entras en la función desde el momento en que aparecen enmarcadas en las puertas de la nave, se distribuyen entre el público, y una de ella, Sara Moraleda, invita a que nos levantemos y demos palmas al ritmo de la música Happy de Pharrell, mientras sus compañeras bailan (y el público hace lo que puede).

Desde ese momento la función es un sin parar de imágenes, “cae el elemento de una cosmonave” y aparecen en escena, las tres moteras Constanza (Marta Poveda), Torreblanca (María Hervás) y Luisa (Ana Torrent). Sobre estas tres actrices, junto con Sara Moraleda, que hace de Isabel, la hija natural de Cervantes, es donde se sustenta prácticamente todo el peso de la función, ya que, como dice Luisa en un momento determinado: “las únicas que hablamos aquí somos nosotras tres e Isabel. Pero somos diez mozas hechas y derechas. Os habéis quitado el derecho a la palabra vosotras seis”. Y éso a pesar de que con Miho, o Cervantes, “hasta los perros tienen derecho a la palabra”. Las cuatro son cañeras, irreverentes, deslenguadas, libres, libertinas, procaces, y hasta soeces, pero Constanza trata de remediar su confusión con racionalidad, Luisa con el conocimiento, y Torreblanca, en su ingenuidad, es el personaje más tierno. Isabel es rebelde, respondona, insolente, como corresponde con su condición de hija natural, o bastarda. Las cuatro desarrollan un trabajo especialmente físico de forma brillante, pero sin descuidar en ningún momento ese texto complicadísimo en su surrealismo absurdo, que defienden como su condición de pingüinas les obliga.

Miho, trasunto del propio Miguel de Cervantes, es curiosamente un personaje mudo, que solo habla por intermediación de la cosmonave, o internet, o interpretado por su hija Isabel. Miguel Cazorla es el actor que lo interpreta y lo hace también brillantemente, en un tour de force en el que se pasa un buen rato por las alturas, volando colgado del arnés, desde donde arroja perlas de sabiduría en forma de bombones baci en paracaídas, o con su prisión, arrastrado lejos del alcance de su madre, dolorosa y dolorida Leonor.

Lara Grube tiene una escena bellísima como la madre dolorosa de Miho, Leonor, que pasó años intentando rescatarle. La escena la inician las siete pingüinas encadenadas con Leonor a la cabeza, que se van acercanto a Cervantes encerrado y, cuando está a punto de rozarle,  Isabel, la hija natural, se despega de la cadena de pingüinas y tira de él, hasta que Miho emprende el vuelo en su cárcel, en una escena que me recordó a la también “prisión voladora” de la Antígona/Manuela Paso de Miguel del Arco en el Teatro de la Ciudad.

La coreografía de Marta Carrasco de preciosas escenas  corales, y el ambiente sonoro de Luis Miguel Cobo, afortunadamente prolífico en los escenarios madrileños, desde el pasodoble “Que viva España” hasta una jota manchega cantada por Badía Albayati. Todas estas escenas deben haber tenido un esfuerzo detrás increíble para que al final todo fluya por el inhóspito escenario que normalmente es esta nave del Matadero y hasta sea posible localizar, a pesar de los micrófonos obligados en esta sala, quién está hablando en cada momento. El trabajo de todas las actrices alcanza un nivel de brillantez y sincronía que para sí desearían muchas compañías de danza.

Esas motos quiméricas, que ruedan de forma infinita, un cruce entre animales mitológicos y de motos propias de la realidad virtual de TRON, así como el vestuario de las chicas, perdón nenas, perdón pingüinas, de vaquero y corpiño, simbolizan también ese viaje temporal, o bien, accidente en el que las Cervantas han caído en una singularidad cósmica en un lugar y en un tiempo diferentes y desconocidos a los que deberían estar.

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La cantidad de referencias son incontables, científicas, populares, históricas, literarias, tecnológicas, intercaladas en el texto como si tal cosa, y van desde Heidi, el coche fantástico, Stallone, EuroStar, Chewbacca, la medalla Fields, Avellaneda, el perro Paco, Espinete y Don Pimpón, Juan Palomo, Lady Gaga, Walter Press, Closer, Chotis, Dumbo, La abeja Maya, la Chita de Tarzán, Platón, Góngora, Tirso, Lope, Quevedo, las cuevas de Altamira, Gala, Dalí, Paul Eluard, Max Ernst, Alí Babá, Pavarotti, Pharrell, El puente sobre el río Kwai, Mazinger Z, las Tortugas Ninja, Dulcinea del Toboso, Sharon Stone, Mike Tyson, Microsoft Intel, Nokia, Mp4, Julio Verne, Jardiel Poncela, Disneylandia, Martin de Riquer, el botones Sacarino, Malambruno, Conde de Lautréamont, Pegaso, Belerofonte, Brilladoro, Orlando el furioso, Bucéfalo, Alejandro Magno, Drácula, Frankenstein, la torre Eiffel, Valérie Trierweiler, Marques de Sade, Marie Constance Renel, Pitágoras, Proust, Conchita Wurst, Merlín, Dama de Elche, Velázquez, Mariana de Austria, Felipe IV,.. Podría seguir hasta aburrir, y como he leído ya en algún lado, es increíble que alguien con 83 años esté al tanto no solo de las referencias eruditas, que sería normal, sino de las más actuales y pasajeras que hasta a mí, bastante más joven, me resulta difícil reconocer.

Pingüinas es un road trip espacio-temporal alucinado y alucinante, un viaje en el tiempo y en el espacio de unas mujeres independientes en constante búsqueda, un homenaje a las mujeres de la vida de Cervantes que, en contra de todas las convenciones de su época, eligieron la libertad personal frente al enclaustramiento que significaban las opciones de las mujeres en ese momento, el matrimonio o hacerse monjas. Dependientes siempre de un hombre, trátese del marido, del padre o del padre/dios. Cervantes admiraba a sus parientes tanto como ellas le admiraban a él y Arrabal convierte esta obra en un homenaje a ese feminismo avant la lettre, sin prejuicios, que se observa también en las obras de teatro de Cervantes.

Arrabal ha cambiado la escena del teatro mundial. Su teatro tiene episodios disparatados del teatro del absurdo y la crueldad o del dadaísmo tardío. El resultado es una ceremonia con todo su valor ritual, devolviendo al teatro su condición de espectáculo. Por debajo del caos aparente, de todas esas referencias que te pueden llegar a dejar estupefacto y en la incomprensión total,  laten inquietudes políticas, religiosas, filosóficas, científicas y humanas de verdadera trascendencia.

Creo recordar que Juan Carlos Pérez de la Fuente le encargó a Arrabal crear una obra para conmemorar el cuarto centenario de la publicación del segundo volumen del Quijote y el único requisito fue que el Quijote fuera mujer. Como se ha podido ver, y como era casi esperable de Arrabal, el escritor se salió por la tangente con este texto sobre las mujeres de Cervantes en el contexto de un capítulo del Quijote, el de Clavileño, con el que los duques engañan al Quijote y Sancho, tras taparle los ojos, diciéndoles que van a viajar a la luna en ese caballo de madera.

Tras haber visto el montaje dos veces, haberme leído el texto y asistido al encuentro con el público del equipo artístico, “credo quia confusum”: creo en él porque es confuso. El texto de Arrabal es brillante, confuso, bizarro, coñón, tierno, absurdo, abstracto. Pero tiene todavía una mirada de niño hacia el mundo y todas sus maravillas, un acto de amor a la vida, a la libertad, a la existencia, a las mujeres, a Cervantes y a las mujeres de Cervantes. Y tampoco me quiero meter en muchos berenjenales porque Miguel Pérez Valiente ha hecho un bello y muy interesante análisis en su crónica que debería leerse antes y después de asistir a la función.

“No vinimos al mundo

ni para ser más ricas

ni más influyentes,

ni más famosas,

sino para confortarnos y confortar

con palabras

de poesía,

de libertad,

de tolerancia,

de ciencia,

y de amor.”

E independientemente de que se llegue o no a entender el bello texto de Fernando Arrabal, no hay duda de que la función entra con prácticamente todos los sentidos, con esa ambientación sonora de Luis Cobos, las proyecciones en el techo y el suelo, además de en la columna central, ese ala de avión estrellado, y la bellísima iluminación, la pirotecnia, y hasta el choque olfativo del incienso que Miho trae en la bacía en el tramo final, en otra escena para el recuerdo en la que Miho aparece iluminado a contraluz, entre el humo del incienso, desde la oscuridad de la entrada de la nave.

Todo este crescendo emocional y lírico tiene su culminación en la danza de la boda comunitaria de las dervichAs giratorias, la danza de la transformación.

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Pérez de la Fuente, con esa sintonía tan especial que parece compartir con los escritores más surrealistas, ha creado un espectáculo total, desde el punto de vista estético también, lleno de imágenes bellísimas en donde las actrices y el único actor brillan. Además, y hay que decirlo ¿en dónde hay ahora mismo en cartel una función en dónde haya diez actrices en escena? Ha arriesgado todo con su primer montaje como director del Teatro Español, con un texto nuevo de un escritor contemporáneo considerado controvertido, en vez de montar por enésima vez a un autor reconocido (y bien muerto) y es muy de agradecer, porque el resultado es fascinante.

De: Fernando Arrabal

Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

Del 23 de abril al 14 de junio 2015

Reparto por orden de intervención

María Hervás Torreblanca (la abuela)

Ana Torrent Luisa de Belén (la hermana monja)

Marta Poveda Constanza (la sobrina carnal)

Lara Grube Leonor (la madre)

Ana Vayón María (la tía paterna)

María Besant Andrea (la hermana mayor)

Lola Baldrich Magdalena (la hermana menor)

Alexandra Calvo Martina (la prima paterna)

Badia Albayati Catalina (la esposa)

Sara Moraleda Isabel (la “hija natural”)

Miguel Cazorla Miho (“¿quién cómo Dios? o incluso ¿quién cómo Pan?”)

Pedro Tena Voz en off

Equipo artístico

Movimiento Escénico y Coreografía Marta Carrasco

Diseño Escenografía Emilio Valenzuela

Diseño de Vestuario Almudena Huerta

Diseño de Luces José Manuel Guerra

Composición Musical y espacio sonoro Luis Miguel Cobo

Diseño Audiovisuales Joan Rodón y Emilio Valenzuela

Ayudante Dirección Pilar Valenciano

Ayudante de escenografía Alessio Meloni

Ayudante de vestuario Liza Bassi

Asistente de Dirección Pablo Martínez

Asistente de Gestión Artística Cristina Bertol

Asesoramiento Acrobático Escuela de Circo Carampa

Fotografía cartel Chema Conesa

Fotografías promoción y escena Javier Naval

Realizaciones

Escenografía Escénica Integral, Scenik, Bungy Jumping, Peroni y

Equipo del Teatro Español

Confección Vestuario Sastrería Cornejo

Ambientación Vestuario María Calderón

Efectos Pirotécnicos Pirotecnia Almudena

Encuentro público Pingüinas

Foto del encuentro con el público del equipo artístico el 20 de mayo.

Algunas propuestas teatrales del #FringeMadrid14 ordenadas cronológicamente

La ceguera no es trampolín

Legeste Teatro / Teatro / México

4, 5 y 6 de julio / 21 horas / Nave 1.1

90 minutos. Aforo: 144 personas. 8 euros

LACEGUERANOESTRAMPOLÍN

Dramaturgia y dirección: David Gaitán

Con: Anna Gesewsky, Hauke Diekamp y Peter Posniak

Escenografía e iluminación: Matías Gorlero

Vestuario: Ricardo Loyola

Diseño de sonido: Xicoténcatl Reyes

Videoarte: Claudio Durán

Producción ejecutiva y asistencia de dirección:Mariana Tejeda

Tres personas tienen pánico a tener una buena idea. Temerosos de no poder cambiar de opinión, están convencidos que la parálisis les otorgará libertad. ¿Cuánto tiempo se puede habitar un hueco antes de civilizarlo? ¿Es preferible el placer de la neutralidad ante la angustia de la responsabilidad?

Segismundo sueña

Ensamble Bufo (de Teatro de Acción Candente s.l.) / Teatro / Madrid

8 y 9 de julio / 20 horas / Nave 1.1

70 minutos. Aforo: 144 personas. 12 euros

Segismundo-Sueña_2

Dirección: Hugo Nieto

Intérpretes: Jorge Basanta, Jorge Muñoz, Félix Estaire, Diego Morales, Chete Lera

Música Original: Miguel Magdalena

Versión/Dramaturgia: Alberto Gálvez y Hugo Nieto

Versificación: Alberto Gálvez

Vestuario: Ana López

Escenografía: Israel Muñoz y Fernando Figueroa

Video Arte: Edu López, Marina Alberch

Iluminación: Chiqui Ruiz

Dirección Técnica: Chiqui Ruiz y Antonio Serrano

Producción: María Rey

Ayudante de Dirección: Álvaro Lizarrondo

Segismundo es un príncipe heredero que lleva encerrado desde su nacimiento en una caverna/nube donde el único contacto social que tiene es a través de Internet. Se le liberará y su contacto con una realidad no virtual será el reality Gran Basilio. Esto le llevará a interactuar en contra de los principios de su padre el Rey Basilio que le volverá a encerrar. Su reencierro se convertirá rápidamente en un Trending Topic mundial lo que favorecerá su liberación y posterior toma de poder.

Katiuskas, de Antonio Rojano

Actoral Lab / Clínica del montaje / Madrid

10 de julio / 20h / Sala Madera

90 minutos. Aforo: 80 personas. 5 euros.

KATIUSKAS

Dirección: Paco Montes

Intérpretes: Ana Busons, Ana López, Ana Otero, Ana Petite, Angie López, Carmen García-Rivera, Esther d’Andrea, Maia Sur y Natalia Erice.

Meses después del grave accidente en una planta química cercana, una pequeña comunidad vuelve a la normalidad. Diana ha vuelto a casa con Zurich, su hija adolescente, aunque la familia aún tiene una herida abierta. Durante el escape tóxico, el marido de Diana, bombero de profesión, participó en la evacuación de la planta química y sufrió una misteriosa intoxicación. Desde aquél fatídico día, nada volvió a ser lo mismo. Ni siquiera para el cielo, que quedó cubierto por una caprichosa nube gris que presagia lluvia pero que, al mismo tiempo, la niega.

Current location, by Toshiki Okada 

Fellswoop Theatre / Teatro, música electrónica en vivo / Reino Unido

10 y 11 de julio / 21 horas / Nave 1.2

60 minutos. Aforo: 96 personas. 10 euros

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Tres mujeres están al borde de un acantilado mirando a su pueblo; un pueblo que pronto desaparecerá. “A veces tenemos que hacer cosas como esta”, dice una de ellas, “tenemos que caminar lejos de nuestra vida cotidiana, y mirarla desde lejos”. Usando un elenco de seis intérpretes femeninas, la obra explora cómo los rumores y el miedo al cambio inevitable quebranta familias, amigos y comunidades. Es respuesta alegórica de la compañía a los recientes desastres ecológicos.

La supervivencia de las luciérnagas

LAminimAL / Texto / Barcelona

11, 12 y 13 de julio / 20:30 horas / Sala Taller

90 minutos. Aforo: 80 personas. 10 euros

LA SUPERVIVENCIA DE LAS LUCIERNAGAS

Dramaturgia y dirección: Daniela De Vecchi

Intérpretes y músicos: Eloi Benet, Anna Berenguer, Cris Codina, Esperança Crespí, Toni Figuera, Xantal Gabarró, Andrea Hernández, Joan Martínez, Xesco Pintó y Carla Rovira

Colabora: Nuevo Teatro Fronterizo

Producción: LAminimAL Teatre Sistèmic

Participación especial: DJ Leumas

Ayudante de dirección: Marina Rojo

Espacio sistémico: Joan Fortuny

Iluminación: Ignasi Bosch

Espacio sonoro: Daniela De Vecchi

Vestuario: Marianne Benny Perron

Diseño gráfico: Carles Murillo

Fotografías: Eduard Ruezga

Jefe técnico: Ignasi Bosch

Coordinación del proyecto: Carla Rovira

Jefa de producción: Marina Rojo

Partiendo de textos de Juan Mayorga y José Sanchis Sinisterra esta propuesta reflexiona sobre cual es el momento de pasar a la acción, hasta dónde puede aguantar el ser humano y cómo funcionan sus mecanismos de supervivencia. Invita a pensar sobre el lugar del teatro en la sociedad, su inserción en la topografía real y simbólica de la ciudad y sobre el lugar que cada uno ocupa en ella. Los asistentes son conducidos por un itinerario pasando de un ambiente íntimo a un espacio que funciona como escenario de la acción y lugar de reflexión colectiva.

ULTRAinocencia

Loscorderos.sc / Teatro bastardo / Girona

12 y 13 de julio / 20 horas / Nave 1.1

60 minutos. Aforo: 144 personas. 12 euros

ULTRAINOCENCIA 1

Creación, dirección e interpretación: David Climent y Pablo Molinero

Partituras físicas: Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, loscorderos.sc.

Colaboración artística: Alessandro Sciarroni, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola

Maniobras escénicas: La Zaranda

Asistente de dirección: Leo Castro

Espacio sonoro: Pablo Rega

Diseño y construcción espacio escénico: Kike Blanco

Diseño iluminación: Cube.bz

Vestuario: Laia Muñoz Carol

Fotografía: Rojobarcelona

Management y producción: Pilar López

ULTRAinocencia indaga en el ancestral ímpetu del ser humano por buscar más allá del mundo material, por buscar lo trascendente, lo sublime, mediante las creencias, las religiones o el arte. ULTRAinocencia disecciona uno de los mecanismos más antiguos e inherentes del reino animal, los más bellos, los más terribles o los más absurdos.

Todos queremos creer en algo. Crear algo. Crear algo en lo que creer. Creer que podemos crear algo que nos haga creer. Pero no es fácil, no sólo es cuestión de voluntad.

“Entre el sí y el no, entre el bien y el mal, allá nos encontraréis”

20 de noviembre

Rayuela Producciones Teatrales / Teatro contemporáneo / Valladolid

15 y 16 de Julio / 20 horas / Nave 2

70 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

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Dramaturgia y Dirección: Nina Reglero

Intérpretes: Sebastian Bosse y Raúl Escudero

Coro de jóvenes: Álvaro Rodríguez., Alejandro Pérez, Miguel Ramírez, Miguel las Heras, Gonzalo Martínez, Gabriel González, Víctor Villazán y Santiago Blaco

Escenografía y diseño general: Carlos Nuevo.Iluminación: José Montero. Sonido: Nina Reglero.Video-creación: Carlos Nuevo. Vestuario:Rayuela. Administración: Verónica Garzón.Producción y distribución: Jacinto Gómez

http://www.rayuela.nu/

La obra 20 de noviembre de Lars Norén nos sumerge en la historia de estos jóvenes criminales, inestables, que llevan a cabo el acto más horrible: matar para gritar su desamparo. El escritor sueco ha utilizado un incidente que tuvo lugar en noviembre de 2006 en el colegio de Emsdetten, en Alemania. Sebastian Bosse abrió fuego e hirió a 37 personas antes de suicidarse. Un largo grito desde el corazón.

Tres en coma

Canódromo Abandonado y Juan Cavestany / Espectáculo multimedia / Madrid

15 y 16 de julio / 22 horas / Espacio Nave 1.1

45 minutos. Aforo: 144 personas. 8 euros

COMICO EN COMA

Un hombre en coma empieza a comunicarse con el exterior para contar chistes y se convierte en un famoso monologuista, hasta que entra en declive y su rutinas empiezan a deteriorarse progresivamente.

 

El estanque de los mártires

En shock escena / Teatro/ Madrid

15 y 16 de julio / 21:30 h / Sala Madera + Sala Hormigón

90 minutos. Aforo: 80. 12 euros

estanque de los martires

Actores: Fran Arráez y Carmen Mayordomo

Dirección y autoría: Zoilo Carrillo

Ayte. de dirección: Pablo M. Bravo

Diseño de iluminación: Jesús Antón

Diseño de vestuario: Myriam Jarillo

Producción ejecutiva: Sara Luesma y Deme Naranjo

Producción: En Shock Escena y Tinglao Producciones

Aza Kashmir y Jaco Mav, o así se hacen llamar, son snobs alimentadores de su propio ego, tienen una vivienda de ensueño, copan portadas de revistas y los excesos de la fama les han hecho olvidar formas de expresión como el afecto o la compasión. Ella, mujer todoterreno, modelo esclava de su cuerpo, éxtasis y desenfreno de todas la fiestas. Él, huraño, hacker virtuoso y misántropo abstraído en teorías conspiranoicas y ciencias ocultas. Es quimera de mitómanos y demás freaks de internet. 
La compra de unos muebles gigantes traídos de Indonesia marca la debacle de la pareja, ahogada por el capitalismo. Los muebles son sólo la primera carta del castillo de naipes que se derrumba. El sistema les da la espalda dejándoles en bancarrota, obligados a enclaustrarse en la casa y con pánico a que los paparazzi les sigan la pista. Mientras tanto, la casa comienza a florecer misteriosamente hasta mutar en una espesa arboleda. Aislados e incapaces de hablar sin herirse, la vuelta al primitivismo parece la mejor opción.

La norma de la extinción (Platónov)

Adaptación contemporánea de la primera obra de Antón Chéjov

Compañía Ignífuga / Teatro de texto / Barcelona

17 y 18 de julio / 20 horas / Sala Madera

110 minutos. Aforo: 80 personas. 8 euros

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Intérpretes:  Júlia Rodón, Toni Guillemat, Cristina Arenas, Eduard Autonell, Aleix Melé, Marina Congost, Gerard Nel·lo y Pau Masaló

Dramaturgia y dirección: Pau Masaló

Espacio, iluminación y vestuario: Mireia Cardús, Mireia Celma, Alba Mcfarlane

Fotografías: Clara Visa, Irena Visa

Agradecimientos: Institut del Teatre de Barcelona, Karolina Rychlik, Carlos Gallardo

Fiesta en casa de Ana Petrovna. Entre los invitados está Platónov, quien sobrevive desorientado entre los escollos de una vida diferente a la que hubiese deseado para si mismo. Para escapar de esta desazón ironiza sobre todo y sobre todos, arrastrando a los invitados a la imprudencia. Esta versión contemporánea del clásico se centra en la dialéctica entre diversión y responsabilidad. ¿Tienen derecho los jóvenes a divertirse en un contexto de crisis? ¿Se los puede culpar de pasividad por preocuparse más del presente de sus vidas que por un futuro que llegará sin avisar?

Holy peep show

Lucido Sottile/ Performance, teatro / Cerdeña

17 y 18 de julio / 19, 20:30 horas / Perímetro nave 1

50 minutos. Aforo: 40 personas. 8 euros

IN SU CHELO SIAT

El espectáculo es una fusión de estas cuatro dimensiones: la cultura religiosa “popular” estereotipada y enclavada en la conciencia colectiva de occidente; la fábula de Pinocho de Collodi, rica en simbolismo y fuertemente ligada a los arquetipos más cercanos a la sociología actual; la reinterpretación provocativa e irreverente de los Lucido Sottile, que elige jugar con los arquetipos de los personajes de los cuentos italianos más famosos en el mundo, para conectarlos a algunas de las figuras más notables de la espiritualidad sagrada  cristiano-católica;  y, por último, la magia y el poder evocador de la lengua sarda, que manteniendo la fuerza de la tradición arcaica, encuentra en estos textos una asombrosa actualización, así como una verdadera renovación.

La costumbre de vestirse (sí, yo maté a una muñeca inflable)

Centro de Investigación Escénica del Instituto Potosino de Bellas Artes y Circuito Liquen / Teatro / México

18 y 19 de julio / 21:30 horas / Sala Hormigón

75 minutos. Aforo: 50 personas. 10 euros

LA COSTUMBRE DE VESTIRSE

Dirección y Dramaturgia: Saeed Pezeshki

Música original: MANIMAL y Vishlai Pineda

Intérpretes: Irma Hermoso Luna, Ricardo Moreno, Daniela Saldierna, Rafael Becerra, Pablo Nieto y Darío Álvarez

Estudio escénico sobre la condición del hombre respecto a la justicia que construye, através del movimiento y la palabra, el mundo interior de un condenado a muerte y el de su víctima. Así como las alegorías ylos fantasmas que habitan en el pensamiento de ambos.Un asesinato desencadena la tragedia. Nada es lo que parece.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar

Vaca 35 Teatro en Grupo/ Teatro contemporáneo / México

18, 19, 20, 22, 23, 24 de julio / 20 horas / Sala Taller

60 minutos. Aforo: 50 personas. 10 euros

ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR

Dirección: Damián Cervantes

Intérpretes: Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, Gabriela Ambriz, José Rafael Flores y Héctor Hugo de la Peña

Un grupo de personas/actores reunidas para ejecutar la rutina que desprecian y de la que, sin embargo no saben escapar. Esta es una indagación profunda sobre el tedio que nos rodea, el reflejo del alcohol, en las relaciones frustradas del cotidiano.

Los desvaríos del veraneo

Venezia Teatro / Teatro / Madrid

20 y 22 de julio / 20:30 horas / Nave 2

90 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

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Dirección: José Gómez

Escenografía y vestuario: Sara Roma

Iluminación: Marta Cofrade

Intérpretes: Antonio Lafuente, Ana Mayo, Andrés Requejo, Macarena Sanz, Helena Lanza, Vicente León, Borja Luna, Kevin de la Rosa y Juanma Navas

Dos familias vecinas en la ciudad de Livorno se preparan para ir de verano a Montenero, siendo vecinos también en su lugar de veraneo. Queda mucho por hacer: compras de última hora, preparativos para las fiestas nocturnas que tendrán lugar en las noches de verano, y un vestido nuevo que nunca llegará a aparecer… La necesidad de aparentar, de ser más que tu vecino (claro espejo de la sociedad contemporánea en la que vivimos) de ir a la última moda porque sí, son las ideas que Goldoni plasma en esta primera parte de La Trilogía del Veraneoy que conectan sin duda con la manera de vivir que nos caracteriza hoy en día.

El beso

Todas las fiestas del mañana / Teatro / México

22, 23 y 24 de julio / 19 y 22:30 horas, el jueves 24 solo a las 19 horas / Nave 1.2

105 minutos. Aforo: 27 personas. 12 euros

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El beso es una pieza teatral para cinco actores y un piano que, mezclando teatro del cuerpo con grabaciones documentales, explora lo que hay detrás del insondable acto de juntar las bocas. Los actores y el público (tan sólo 25 personas) se sientan alrededor de un piano de 8 metros en una atmósfera de completa intimidad para compartir la historia, con una taza de té. Tomando como punto de partida el cuento homónimo de Anton Chéjov – que narra la historia de un oficial del ejército cuya vida es transformada al recibir un beso accidental- nos adentramos en el mundo de la milicia para explorar cómo algo tan frágil como un beso puede sobrevivir en un mundo hostil.

Waiting

Mokhallad Rasem / Teatro, performance / Irak, Bélgica

23 y 24 de julio / 20 y 21.30 horas / Nave 16

30 minutos. Aforo: 150 personas. 6 euros

WAITINGPEQUEÑO

Intérpretes: Bassim Altayeb, Lore Uyttendaele, Jessa Wildemeersch

Puede ser una interrupción, una pausa o un obstáculo para un futuro que aún no ha empezado. Esperamos por una percepción o por un bus. Hasta que el dolor disminuya. Por la palabra de un ser querido, por el papel higiénico, el dinero o una visa. Diferentes mundos chocan en silencio a través de los rastros de la danza, la performance y el cine en una meditación sobre la experiencia humana fundamental de la espera.

Cuatro Confesiones

Bárbara Santa Cruz / Teatro, instalación, performance / Madrid

23, 24, 25 y 26 de julio / 20, 20:30, 21, 21:30 horas / Callejón

15 minutos. Aforo: 4 personas. 2,5 euros

CUATROCONFESIONES CARTEL BAJA

Dirección y producción: Bárbara Santa-Cruz

Ayudante de dirección: Javier García Ballesteros

Director de fotografía-cartel: Sergio de Arrola

Arquitecto/ escenógrafo: Jorge Álvarez-Builla

Guionista y dramaturgia: Borja Cobeaga, Víctor García León, Daniel Castro y Juan Cavestany

Actores: Manuel Morón, María Morales, Jorge Suquet y Nadia de Santiago

Cuatro “Confesionarios-Cubículos” para cuatro actores con cuatro historias escritas por cuatro autores para cuatro espectadores.

Montaldo

Fundación ColladoVanHoestenberghe / Falso documental, Road Tale / Girona

22 y 23 de julio / 21 horas / Nave 1.1

65 minutos. Aforo: 144 personas. 10 euros

MONTALDO

Dirección, idea, creación e interpretación:Ernesto Collado

Ayudante de dirección y colaboración en la dramaturgia: Piero Steiner

Dibujos: Dennis Tyfus

Espacio escénico: Cube.b.z / Ernesto Collado

Elementos escenográficos y diseño de luces:Cube.b.z.

Música: Pony Bravo

A caballo entre el documental y la road-taleMontaldo es una historia de indios sin vaqueros,con armadillos comprometidos, gasolineras, utopias, catalanes autistas y fabricantes de alambradas. Un viaje real explicado en primera persona por un maestro de la exageración.Un intento, poco académico, de cuestionar la siempre difícil relación entre el individuo y la colectividad. Un montón de palabras para elogiar el silencio. Una deliciosa contradicción.

Blancanieves

Compañía CTC / Teatro / Portugal

23 y 24 de julio / 21:30 horas / Sala Madera

50 minutos. Aforo: 80 personas. 8 euros

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Dirección: Antonio Aguiar

Intérpretes: Filipa Duarte, Nuno Miranda, Cátia Terrina, Elmano Sancho, Diogo Dória, Andre Tomás

Locución: Luciana Ribeiro

Producción: Paulo Lage

De las ficciones

Ficticia / Experiencia teatral / Madrid
24 y 25 de julio / 23 horas / Sala Hormigón
150 minutos. Aforo: 70 personas. 12 euros con consumición

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Dirección y dramaturgia: Arturo Sánchez

Asistente de Dirección y Director de Actrices:Darío Sigco

Elenco: Leonor Martín, Patricia Reche, Cristina Subirats, Ana Oviedo, Katarina Daucik, Abel Ferris

Música: Ander García

Escenografía: Jacobo G. Fouz

Vestuario: Claudia Pérez

Maquillaje y caracterización: CajaNegra TAM

Músicos: Ana Granados, Mario Muñoz, Itziar Bajo

Tras la dura y fina tela de la realidad vive Ficciones: el no-lugar; un espacio parecido al limbo; un cabaret que hace de hogar y de refugio para todos aquellos seres que decidieron prender fuego, de forma literal, a sus realidades. Dentro se reúne y convive un carnaval de personajes, que llegaron para ficcionar su existencia. Para ser, de una vez por todas, todo aquello que siempre esperaron de si mismos. Y esta noche hay fiesta en Ficciones, a la que quedas invitado. Nuestras mujeres de hilo al fin reencontrarán su libertad ¡Bienvenidos!

Los nadadores nocturnos

Draft.inn / Teatro performance/ Madrid

24, 25 y 26 de julio / 20 horas / Nave 2

80 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

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Autor: José Manuel Mora

Dirección y coreografía: Carlota Ferrer

Audiovisuales: Eduardo López

Vestuario: Ana López

Iluminación: Raúl Alonso/ José Espigares

Canto: Javier Bastías

Intérpretes: Óscar de la Fuente, Markos Marín , Miranda Gas y Esther Ortega

Los Nadadores Nocturnos  retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja margen para la inocencia. En él, aparecen los dos temas que me obsesionan y atraviesan en este momento: uno, íntimo y personal, la paternidad; y otro de índole política (y pública) como es el terrorismo o la legitimación de la violencia para lograr el verdadero cambio social. Se trata, pues, de conectar estas dos esferas (la íntima y la pública). En el texto no aparecen personajes teatrales, tal y como lo entendemos convencionalmente, porque en el mundo que inspira esta pieza ya no quedan personajes “enteros” ni “compactos” que puedan reflejar lo que acontece en él; se trata de un tejido textual compuesto por voces fragmentadas de múltiples historias abortadas que componen el paisaje humano de una ciudad (un grupo de seres humanos) golpeada.

Coloquio de los perros

Laboratorio Escénico Univalle / Comedia filosófica / Colombia

26 y 27  de julio / 20:30 horas / Plató Cineteca

110 minutos. Aforo: 100 personas. 10 euros

EL COLOQUIO DE LOS PERROS

Dramaturgia y dirección: Ma Zhenghong -Alejandro González Puche

Intérpretes: Diana María Valencia, Johanna Robledo, Jesús David Valencia, Felipe Andrés Pérez, Alexander Buitrón, Nathaly Vargas, Tatiana Toro

Escenografía y Vestuario: Pedro Ruiz

Música: Paulo Gutiérrez

Producción general: Nathaly Vargas Aguado

Logística: Tatiana Toro

Asistencia de dirección: Julián Mauricio Gómez

Fotografía: Tony D´fabrici, David Valencia

Costurera: Magola Hernández

Tramoya y Luces: Robinsón Achinte

Zapatería: Horacio Bastidas

Marioneta: Nelson León, Daisy Watkiss

Marroquinería: Elsy Olave, Edinson Gaviria

En el Coloquio de los perros encontramos un curioso sujeto, donde los protagonistas son dos perros que dialogan entre sí;es un espectáculo pensado para todos los públicos en una representación que mantiene la profundidad de los diálogos cervantinos, alternados con imágenes y situaciones que trasmiten, sin mayores palabras, las peripecias por las que atraviesa la vida de un perro. Es un espectáculo pensado para que el espectador se familiarice con diferentes estilos teatrales, puesto que la parodia cervantina requiere de soluciones que rebasan el naturalismo.

 

‘Les 7 Doigts de la Main’ en el Teatro Circo Price con ‘Sequence 8′

“The meeting of two personalities is like the contact of two chemical substances: if there is any reaction, both are transformed.”  C. G. Jung

“El encuentro de dos personalidades es como el contacto de dos substancias químicas: si se produce una reacción, ambos se transforman”. C.G.Jung

Our 8th and newest creation carries emotional dynamics to a point of explosion and propulsion.

In this show we find emotions so heightened they spring into action, relationships that transform and evolve until they create actual velocity. Set not in a specific time or place but rather on a vertical canvas of sorts, this acrobatic dance and theatre piece contemplates the role of the “other”, and how we define ourselves through and against it.

Nuestra octava y más reciente creación lleva la dinámica emocional a un punto de explosión y propulsión.

En este espectáculo encontramos emociones tan elevadas que saltan a la acción, relaciones que se transforman y evolucionan hasta que crean auténtica  velocidad. Situado no en un lugar o tiempo determinados, sino en algo así como un lienzo vertical, esta danza acrobática y obra de teatro contempla el papel del “otro”, así como cómo nos definimos nosotros a través y contra él.

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En Séquence 8, la dirección y la coreografía corren a cargo de Shana Carroll y Sébastien Soldevila, mientras que los intérpretes son Eric Bates, Ugo Dario, Colin Davis, Devin Henderson, Maxim Laurin, Camille Legris, Tristan Nielsen, a quienes acompaña la música original de Seth Stachowski. También Alexandra Royer forma parte de este espectáculo de la compañía, pero por lo menos el día que asistí (4 de octubre) estaba lesionada.

Se trata de una coproducción entre Les Nuits de Fourviere/Départament du Rhone de Lyon, Francia, y el TOHU de Montreal, uno de los centros de producción, distribución, entrenamiento y creación de las artes circenses mayores del mundo.

El nombre de la compañía, ‘Los 7 dedos de la mano’, es un juego de palabras que surge de la expresión francesa ‘Les 5 doigts de la main’, que se utiliza para describir la unión férrea de distintas piezas que se coordinan en pos de una meta común y en este caso se refiere a los siete directores que la fundaron, Isabelle Chassé, Shana Carroll, Patrick Léonard, Faon Shane, Gypsy Snider, Sébastien Soldevila y Samuel Tétreault. Ellos describen su grupo como poseedor una “dexteridad bellamente torpe” cuyo “gol inicial era traer el circo a una escala humana.”

En Sequence 8, la combinación de circo clásico, precisamente coreografiado,  danza y unas capacidades acrobáticas increíbles de los ocho (siete durante estos días en el Circo Price) jóvenes artistas, todos maestros en sus respectivas disciplinas, simplemente nos abre a un nuevo futuro. La troupe, llamada Les 7 doigts de la main, se basa en la fuerza personal, enfoque y alegría sin fin de cada uno de los artistas tomado individualmente y en la colaboración de unos con los otros, sin artificios. Los instrumentos circenses que utilizan han sido empleados durante siglos en los circos y teatros de calle, y un diseño de escenografía muy simple es capaz de crear una velada de ilusión para todos.

Muchos de los números que vemos en Sequence 8 son similares a los que ya han visto antes: una elástica joven realizando milagros circenses en un ring sobre el suelo, elásticos acróbatas  arrojándose a sí mismos a través de aros de diámetro imposible, jóvenes subiendo por mástiles tan fácilmente como los simples mortales respiramos…

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Pero hete aquí lo que es distinto: esta troupe nos lleva en sus corazones mientras juegan. La velada empieza con un moderador (Colin Davies) agradeciéndonos estar allí en español. No habría, nos dice, ninguna actuación sin el público. Y, añade, nosotros no seríamos un gran público sin los artistas. Estaríamos mirando un escenario vacío, ¿o no?

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El sentido de intimidad y familiaridad está profundamente imbuído en la actuación de cada artista. Realmente no estás observando a estos artistas, sino que experimentas esta conexión con ellos mientras se giran, se agarran, se sueltan, vuelan y se cuestionan el sentido común. Colgando boca abajo en un trapecio sólo por el empeine de un pie es algo que ya hemos visto antes, pero cuando uno de la troupe lo hace, la audiencia entera está arqueando sus pies con él y sintiendo la brisa en su pelo cuando se balancea. Y respiramos todos a la vez aliviados cuando aterriza. Los artistas reconocen la existencia de todo el público y de repente te encuentras a uno de ellos chocando manos contigo a pesar de que estás en la última fila del circo.

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Pero al finalizar, algo ha cambiado. Hemos visto la fuerza de ensayar un número una y otra vez hasta que tu cuerpo puede recoger a una colega que cae desde 3 metros y arrojarla a los brazos de otro que la está esperando sin que ninguno se pierda ni un latido del corazón. Hemos visto cómo un grupo de artistas no sólo crea y habita un mundo de interdependencia total, sino cómo juega sin esfuerzo aparente y generosamente dentro de él. Y también les hemos visto equivocarse y repetir un nùmero una y otra vez hasta que saliera perfecto. Y les hemos sentido abrirse a nosotros como compañeros de juegos.

De verdad que merece la pena ir a verles al Price, tanto los adultos que somos como los niños que seguimos siendo.

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Artistas: Eric Bates, Ugo Dario, Colin Davis, Devin Henderson, Alexandra Royer*, Maxim Laurin, Camille Legris, Tristan Nielsen

(*)No participó en la función del 4 de octubre

Calendario teatral de Septiembre y Octubre

Tras una intensa temporada teatral 2012-2013 y la pausa veraniega, la temporada 2013-2014 en los escenarios madrileños ofrece de nuevo maravillosas propuestas en la que resulta muy difícil para cualquier amante del teatro quedarse sòlo con unas pocas.

Nuestro hermano, de Alejandro Melero, con Raquel Pérez, Cecilia Freire y Javier Ruiz de Somavía, da el salto desde La Casa de la Portera al Teatro Fernán Gómez, del 4 al 29 de septiembre.

La temporada de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en el Teatro Pavón empieza con

La verdad sospechosa, de Ruiz de Alarcón, CNTC dirigido por Helena Pimenta. Tras su exitazo con La vida es sueño  la temporada pasada (que volverá en marzo 2014), Helena Pimenta vuelve a arriesgar con  esta “comedia amarga” protagonizada por Marta Poveda y Rafa Castejón, estrenada en el Festival de Almagro.  A partir del 17 de septiembre, Teatro Pavón.

PG- La verdad sospechosa

Dentro del Ciclo Una mirada al mundo, del Centro Dramático Nacional:

El duelo, de A Chejov. Teatro Valle-Inclán, 19 a 22 de septiembre de 2013. El Teatro de Arte de Moscú, fundado por Stanislavski, trae un montaje basado en El Duelo, un cuento poco conocido y de madurez de Chéjov.

Ubu Roi, de Alfred Jarry por Cheek by Jowl. Teatro María Guerrero.

Seuls, El libanés Wajdi Mouawad, autor de la tragedia Incendies, uno de los mejores textos dramáticos de los últimos años, nos presenta Seuls, que viene precedido de gran éxito en Francia. Del 4-6 octubre Valle-Inclán.

Y también en el CDNNada tras la puerta. José Manuel Mora, Borja Ortiz de Gondra, Yolanda Pallín y Laila Ripoll, abren otras puertas para hablarnos de los ciclos del odio, del racismo, de la violencia sexual, con la figura de la mujer como eje central. Del 20 de septiembre al 20 de octubre.

En en Teatro Español:

El teatro rinde homenaje a Miguel Narros con su último montaje como director, La dama duende, de Calderón de la Barca, que cuenta con Luís Luque como asistente.  Estará en el Teatro Español del 4-15 septiembre.

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Roberto Zucco, de Bernard-Marie Koltès, dirigido por Julio Manrique con Pablo Derqui junto a Laia Marull, Andrés Herrera, Maria Rodríguez, Xavier Boada, Rosa Gàmiz, Xavier Ricart y Oriol Guinart. Está basada en la historia de un joven asesino en serie italiano, que con 19 años mató a sus padres y a un policía. Huyó de la prisión cinco años después y se escondió en Francia, donde continuó con sus incomprensibles crímenes. Este montaje se estrenó en el Teatro Romea de Barcelona, y estará en las Naves del Teatro Español del 20 de septiembre al 13 de octubre.

Quince montajes teatrales para el arranque de la temporada madrileña

Los amantes suicidas de Sonezaki de Chikamatsu Monzaemon. Teatro Español 27 y 28 septiembre. Para conocer más sobre este montaje y el mundo del bunraku, es muy recomendable la lectura del blog de Miguel Pérez Valiente.

Y mucha curiosidad por Marranadas, la adaptación al teatro que Alfredo Arias hace de la aclamada novela homónima de Marie Darrieussecq, con Pepa Charro y la colaboración de Agustí Villaronga.

En el Teatro Conde Duque, del 19 septiembre al 20 octubre, Comedia y Sueño, dirigido por Juan Carlos Corazza, está basada en el Sueño de una noche de verano, de Shakespeare, y Comedia sin Título de Lorca. El elenco lo componen: Jan Cornet, Raúl De La Torre, Alba Flores, Ana Gracia, Pepe Lorente, Manuel Morón, Tamar Novas, Violeta Pérez, Xenia Reguant y Oscar Velado.

A La Casa de la Portera vuelven:

Cerda, de y dirigido por Juan Mairena, con Inma Cuevas, Dolly, David Aramburu, Soledad Rosales y María Velesar. Tras el éxito obtenido, Cerda sigue los lunes de Octubre.

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La Visita, un impactante texto sobre el abuso de menores por la Iglesia de Antonio Muñoz de Mesa, dirigido también por él e interpretado por Rosa Mariscal e Iván Villanueva.

Ahora empiezan las vacaciones, de Paco Bezerra dirigido por Luís Luque, con  Lola Casamayor, Juan Codina, Raquel Pérez y Raúl Tejón.

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Secundario, de Mon Hermosa. Interpretado por Antonio Velasco y dirigido por Fran Calvo, los días 6, 8 y 19 de septiembre.

Animal, de Rubén Ochandiano, La Antesala, Un pasado un venta, Por un infierno con fronteras, y otros exitazos más de la sala off más in.

Y en los Teatros del Canal

A solas, Magdalena Project. Festival de solos teatrales de mujeres. 3 al 8 de septiembre. A Solas es un festival de artes escénicas (teatro, danza, música, cuentos y performances) donde hay 37 mujeres de 3 continentes, A SOLAS en escena. Mujeres solas en escena que muestran o dicen lo que necesitan. Su objetivo es dar visibilidad a las creaciones femeninas y propiciar el intercambio, la crítica, el diálogo y la enseñanza.

En el Teatro Circo Price del 10-29 septiembre: Capitalismo, hazles reir. Una experiencia teatral. De Juan Cavestany dirigido por Andrés Lima. Un grupo de artistas multidisciplinares haciéndose preguntas sobre el mundo en que vivimos. Un espectáculo de riesgo, de compromiso estético, de belleza perturbadora. Con Aitana Sánchez-Gijón, Nathalie Poza, Andrés Lima, Luis Bermejo, Óscar del Pozo, Eva Boucheritte, Alba Sarraute, Marta Megías,Silvia Marsó, Irene Escolar, Edu Soto, Rulo Pardo, Nacho Vera, María Mira, Marilén Ribot, Martí Soler.

La Fiebre, de Wallace Shawn, con Israel Elejalde dirigido por Carlos Aladro. Sala Cuarta Pared, del 6 al 15 de septiembre, de viernes a domingo.

La realidad, de Denise Despeyroux con la gran Fernanda Orazi vuelve a la Sala Triángulo, sábados y domingos.

La nieta del dictador, de David Desola, dirigido por Roberto Cerdá, con Inma Cuevas y Ramón Pons. La nieta del dictador es un monólogo que cuenta los últimos días de la vida de un agonizante dictador y de las visitas que realiza su nieta para despedirse de él después de muchos años sin verle. Durante las visitas, ésta va descubriendo la verdad de su abuelo, su pasado y los asesinatos que perpetró, ocultos ante la sociedad. En la Sala Kubik Fabrik del 19 al 22 de septiembre.

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En El Sol de York, podrá verse Júbilo terminal con Valery Tellechea y Juan Pedro Carrión, un encuentro nocturno en un teatro vacío. Un conflicto entre generaciones, que conviven en el tiempo, pero que no llegan a entenderse. La cama, teatro de los sentidos, de la compañía Teatro en el Aire. La tigresa y otros cuentos, de Darío Fo, interpretado por Julián Ortega. Y Música de balas, de Hugo Salcedo, un espectáculo mexicano sobre la guerra contra el narco, que aunque se estrena el 26 de septiembre, seguirá en octubre como programación principal de la Sala.

En la Sala Mirador, Fuenteovejuna, ensayo desde la violencia, dirigido por César Bario, de Alma Viva Teatro. Y Perdidos en Nunca Jamás, segunda obra de Cross Border Project, dirigidos por Lucía Miranda, que convierte al personaje de Peter Pan en el reflejo de la generación perdida en España.

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En la Sala Guindalera, Masked, de Ilan Hatsor con dirección de Iria Márquez, plantea la situación de conflicto que viven tres hermanos palestinos durante la Primera Intifada (1987-1993).

En la joven Sala Tú, en el corazón de Malasaña, continúa La otra voz, de Manuel De,  basado en La voz humana de Cocteau, e interpretado por Georbis Martínez e Iván Ugalde.

Por ùltimo, en la Nave 73, la compañía 300 Pistolas, tras haber hecho una “versión de cámara” del Perro del Hortelano, se atreve ahora con Mihura:  Tres Sombreros de Copa, 24 y 25 de septiembre. También parece interesante El Rayo Colgado y Peste de Amor Loco, de Francisco Nieva,  28 y 29 de septiembre.

Para Octubre:

La susodicha Seuls, de Wadji Mouawad, en el ciclo “Una mirada al mundo” del CDN, y algunas más a las que esperamos con codicia teatral, como “Las palabras. Una historia de amor” de Pablo Messiez, con Alicia Calot, Fernanda Orazi, Estefanía de los Santos, Javivi Gil Valle, Marianela Pensado y  en la Sala Cuarta Pared.

En el Centro Dramático Nacional y también dentro del ciclo Una Mirada al Mundo, Julia, adaptación de La señorita Julia de August Strindberg, da continuidad a la investigación de la directora Christiane Jatahy, con la integración de teatro y cine en escena.

Y en los Teatros del Canal, Todo el cielo sobre la tierra, de Angélica Liddell/Atra Bilis Teatro, del 3 al 6 de octubre, que inaugura el Festival de Otoño a Primavera. Y Master Class, de  Terrence McNally, protagonizada por Norma Aleandro. Del 9 al 27 de octubre.

Diario de un loco, de Gogol, en versión de José Luís García Pérez y Luís Luque,  que fue sin duda lo mejor del Fringe 13 volverá a los escenarios de Madrid pronto, concretamente el 18 de octubre a las Naves del Teatro Español.

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En la CNC Sala Mirador, no se pierdan El Rey Tuerto, de Marc Creuhet con Ruth Llopis, Alain Hernández, Betsy Túrnez y Miki Esparbet y Xesc Cabot centrada en la insólita relación entre un policía antidisturbios y el manifestante al que el policía dejó tuerto durante una manifestación.

En La Casa de la Portera, aparte de que continúan las magníficas La Visita, Secundario y Cerda, se anuncia el estreno de Ustedes perdonen, de Salva Bolta con Natalie Pinot, Rocío Marín, Juan Antonio Lumbreras y textos de Esteve Soler, Durang y Yubera. También en las paredes de la portería se estrena su primer espectáculo de danza, Cenizas, de Chevi Muraday con Alberto Velasco.

A la Nave 73 se repone Barrocamiento de Fernando Sansegundo con Rocío, Marín, Zaloa Zamarreño y Alicia Lobo. La historia presenta el encuentro mágico de tres magníficas escritoras del Barroco: Sor Juana Inés de la Cruz, María de Zayas y Feliciana Enríquez en una noche de ánimas de la actualidad.

También en la Nave 73 tendrá lugar durante todo octubre el IV Festival La Americana de Teatro Iberoamericano-Celcit, con obras y companías de teatro provenientes de Ecuador, Chile, Uruguay y Argentina, que en su mayoría actúan también en el Festival de Teatro Iberoamericano de Almagro y que nos brinda una vez más en Madrid la oportunidad de abrir la mirada al teatro que se hace en otros países.

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En El Sol de York, Música de balas, de Hugo Salcedo, un espectáculo mexicano sobre la guerra contra el narco, que aunque se estrena el 26 de septiembre, seguirá en octubre como programación principal de la Sala.

En la Sala Guindalera, como celebración de su décimo aniversario, se presenta su nueva producción, Duet for One, de Tom Kempinski, sobre la violonchelista Jaqueline Du Pré, con María Pastor y Juan Pastor, dirigido por este último, desde el 9 de octubre.

En el Teatro Lara, se repone también, tras el éxito obtenido en el hall, La Llamada, dirigido y escrito por Javier Ambrossi y Javier Calvo, con Macarena García, Gracia Olayo, Andrea Ros, Belén Cuesta y Richard Collins-Moore, esta vez en la sala principal.

En el Teatro Cofidis de Madrid, Los hijos de Kennedy.  Con Emma SuárezAriadna Gil, Maribel Verdú, Álex García y Fernando Cayo. De nuevo, Pou versiona y también se encarga de dirigir este cuento de un desencanto generalizado que invadió los Estados Unidos en los 70. ¿Cómo no decaer tras todo lo vivido en la década anterior? Desde el 11 de octubre.

En la Sala La Usina, Pessoa teje futuros posibles e imposibles con Las hilanderas. Un texto a partir de O marinheiro, que trata de profundizar en su poesía dramática. Teatro La Usina. Autor: adaptación de la obra O marinheiro, de Fernando Pessoa.  Dirección: Maria Fernanda Laudicina. Con Belén Zaba, Cachito Noguera, Catalina Salom, Coral Igualador, Patricia Almohalla, Silvina Rodríguez, Yolanda Andújar. Compañía Teatral Femenina MareTerra.

En la Sala Tú recuperan para la cartelera madrileña el cabaret metafísico del israelí Hanoch Levin, Yaacobi y Leidental , los viernes de octubre.

En el Teatro Español, Tirano Banderas es el primer espectáculo del proyecto internacional de co-realización teatral entre países latinoamericanos y la ciudad de Madrid desde el Teatro Español: el proyecto Dos Orillas:  Del 10 octubre al 1 diciembre.

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Best of Be Festival: BE FESTIVAL (Birmingham European Festival) se ha convertido en la plataforma de referencia del Reino Unido presentando nuevas propuestas interdisciplinares de las artes escénicas más innovadoras de toda Europa. Los tres espectáculos que podremos ver son: Al Cubo by Betti Combo (Francia) Tres bufones se ayudan y desafían para alcanzar la construcción más alta y el equilibrio perfecto. Circo magistral, teatro travieso y encanto al cubo.   Tao Te by Ferenc Feher (Hungría) Winner: ACT-Arriaga International Touring Prize, BE FESTIVAL 2013 Una fusión única de danza contemporánea, acrobacias y artes marciales. En busca de una vida armoniosa, dos hombres se ven arrastrados a través de una serie de conflictos y luchas.   Next Door by Out of Balanz (Dinamarca) Winner: 1st Prize and Audience Prize, BE FESTIVAL 2013 Cuando de repente fallece el vecino de Ivan Hansen, éste se da cuenta que no sabe nada de él. Una narración íntima en clave de humor de lo que realmente conecta a los seres humanos.

En el Teatro Circo Price, el último trabajo de  Les 7 doigts de la main, Sequence8, del 2 al 27 de octubre.

El dramaturgo y Premio Nacional de Teatro Juan Mayorga aterriza en el Teatro Galileo con El chico de la última fila, un montaje que profundiza en la relación entre profesor y alumno, y por el que la compañía La Fila de al Lado ha recibido el aplauso de la crítica, y también una versión cinematográfica de la mano de Francois Ozon, Dans la Maison.

En el Círculo de Bellas Artes tendrá lugar el I Festival Iberoamericano de Teatro de Madrid, FITMadrid, encuentro que reúne a compañías españolas e iberoamericanas con espectáculos en torno a las artes escénicas.

Y la incombustible compañía catalana La Cubana regresa por fin a Madrid con Campanadas de boda, una fiesta paródica con actuaciones descacharrantes, coplas y Bollywood, con dirección de Jordi Milán, al Teatro Nuevo Apolo.