Pingüinas, de Fernando Arrabal, dirigido por Juan Carlos Pérez de la Fuente, en las Naves del Teatro Español

Ayer las volví a ver, ayer volví a ver a las Cervantas, ayer volví a ver Pingüinas…

Llevaba acumulando expectación desde que me enteré de cuál iba a ser el primer montaje como director del Teatro Español de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Cuando entras en la nave, directamente bajo la tribuna, ya te sumerges en un mundo diferente, con una música inquietante, y con algunos de los “protagonistas silenciosos”, las gallinas y el gallo, esperando a un lado.

En Pingüinas, desde el primer instante, las actrices tienen que contar con la complicidad absoluta del público, es un todo o nada; como espectador entras o no entras en la función desde el momento en que aparecen enmarcadas en las puertas de la nave, se distribuyen entre el público, y una de ella, Sara Moraleda, invita a que nos levantemos y demos palmas al ritmo de la música Happy de Pharrell, mientras sus compañeras bailan (y el público hace lo que puede).

Desde ese momento la función es un sin parar de imágenes, “cae el elemento de una cosmonave” y aparecen en escena, las tres moteras Constanza (Marta Poveda), Torreblanca (María Hervás) y Luisa (Ana Torrent). Sobre estas tres actrices, junto con Sara Moraleda, que hace de Isabel, la hija natural de Cervantes, es donde se sustenta prácticamente todo el peso de la función, ya que, como dice Luisa en un momento determinado: “las únicas que hablamos aquí somos nosotras tres e Isabel. Pero somos diez mozas hechas y derechas. Os habéis quitado el derecho a la palabra vosotras seis”. Y éso a pesar de que con Miho, o Cervantes, “hasta los perros tienen derecho a la palabra”. Las cuatro son cañeras, irreverentes, deslenguadas, libres, libertinas, procaces, y hasta soeces, pero Constanza trata de remediar su confusión con racionalidad, Luisa con el conocimiento, y Torreblanca, en su ingenuidad, es el personaje más tierno. Isabel es rebelde, respondona, insolente, como corresponde con su condición de hija natural, o bastarda. Las cuatro desarrollan un trabajo especialmente físico de forma brillante, pero sin descuidar en ningún momento ese texto complicadísimo en su surrealismo absurdo, que defienden como su condición de pingüinas les obliga.

Miho, trasunto del propio Miguel de Cervantes, es curiosamente un personaje mudo, que solo habla por intermediación de la cosmonave, o internet, o interpretado por su hija Isabel. Miguel Cazorla es el actor que lo interpreta y lo hace también brillantemente, en un tour de force en el que se pasa un buen rato por las alturas, volando colgado del arnés, desde donde arroja perlas de sabiduría en forma de bombones baci en paracaídas, o con su prisión, arrastrado lejos del alcance de su madre, dolorosa y dolorida Leonor.

Lara Grube tiene una escena bellísima como la madre dolorosa de Miho, Leonor, que pasó años intentando rescatarle. La escena la inician las siete pingüinas encadenadas con Leonor a la cabeza, que se van acercanto a Cervantes encerrado y, cuando está a punto de rozarle,  Isabel, la hija natural, se despega de la cadena de pingüinas y tira de él, hasta que Miho emprende el vuelo en su cárcel, en una escena que me recordó a la también “prisión voladora” de la Antígona/Manuela Paso de Miguel del Arco en el Teatro de la Ciudad.

La coreografía de Marta Carrasco de preciosas escenas  corales, y el ambiente sonoro de Luis Miguel Cobo, afortunadamente prolífico en los escenarios madrileños, desde el pasodoble “Que viva España” hasta una jota manchega cantada por Badía Albayati. Todas estas escenas deben haber tenido un esfuerzo detrás increíble para que al final todo fluya por el inhóspito escenario que normalmente es esta nave del Matadero y hasta sea posible localizar, a pesar de los micrófonos obligados en esta sala, quién está hablando en cada momento. El trabajo de todas las actrices alcanza un nivel de brillantez y sincronía que para sí desearían muchas compañías de danza.

Esas motos quiméricas, que ruedan de forma infinita, un cruce entre animales mitológicos y de motos propias de la realidad virtual de TRON, así como el vestuario de las chicas, perdón nenas, perdón pingüinas, de vaquero y corpiño, simbolizan también ese viaje temporal, o bien, accidente en el que las Cervantas han caído en una singularidad cósmica en un lugar y en un tiempo diferentes y desconocidos a los que deberían estar.

11427176_10153326872730126_1979559111070714711_n

La cantidad de referencias son incontables, científicas, populares, históricas, literarias, tecnológicas, intercaladas en el texto como si tal cosa, y van desde Heidi, el coche fantástico, Stallone, EuroStar, Chewbacca, la medalla Fields, Avellaneda, el perro Paco, Espinete y Don Pimpón, Juan Palomo, Lady Gaga, Walter Press, Closer, Chotis, Dumbo, La abeja Maya, la Chita de Tarzán, Platón, Góngora, Tirso, Lope, Quevedo, las cuevas de Altamira, Gala, Dalí, Paul Eluard, Max Ernst, Alí Babá, Pavarotti, Pharrell, El puente sobre el río Kwai, Mazinger Z, las Tortugas Ninja, Dulcinea del Toboso, Sharon Stone, Mike Tyson, Microsoft Intel, Nokia, Mp4, Julio Verne, Jardiel Poncela, Disneylandia, Martin de Riquer, el botones Sacarino, Malambruno, Conde de Lautréamont, Pegaso, Belerofonte, Brilladoro, Orlando el furioso, Bucéfalo, Alejandro Magno, Drácula, Frankenstein, la torre Eiffel, Valérie Trierweiler, Marques de Sade, Marie Constance Renel, Pitágoras, Proust, Conchita Wurst, Merlín, Dama de Elche, Velázquez, Mariana de Austria, Felipe IV,.. Podría seguir hasta aburrir, y como he leído ya en algún lado, es increíble que alguien con 83 años esté al tanto no solo de las referencias eruditas, que sería normal, sino de las más actuales y pasajeras que hasta a mí, bastante más joven, me resulta difícil reconocer.

Pingüinas es un road trip espacio-temporal alucinado y alucinante, un viaje en el tiempo y en el espacio de unas mujeres independientes en constante búsqueda, un homenaje a las mujeres de la vida de Cervantes que, en contra de todas las convenciones de su época, eligieron la libertad personal frente al enclaustramiento que significaban las opciones de las mujeres en ese momento, el matrimonio o hacerse monjas. Dependientes siempre de un hombre, trátese del marido, del padre o del padre/dios. Cervantes admiraba a sus parientes tanto como ellas le admiraban a él y Arrabal convierte esta obra en un homenaje a ese feminismo avant la lettre, sin prejuicios, que se observa también en las obras de teatro de Cervantes.

Arrabal ha cambiado la escena del teatro mundial. Su teatro tiene episodios disparatados del teatro del absurdo y la crueldad o del dadaísmo tardío. El resultado es una ceremonia con todo su valor ritual, devolviendo al teatro su condición de espectáculo. Por debajo del caos aparente, de todas esas referencias que te pueden llegar a dejar estupefacto y en la incomprensión total,  laten inquietudes políticas, religiosas, filosóficas, científicas y humanas de verdadera trascendencia.

Creo recordar que Juan Carlos Pérez de la Fuente le encargó a Arrabal crear una obra para conmemorar el cuarto centenario de la publicación del segundo volumen del Quijote y el único requisito fue que el Quijote fuera mujer. Como se ha podido ver, y como era casi esperable de Arrabal, el escritor se salió por la tangente con este texto sobre las mujeres de Cervantes en el contexto de un capítulo del Quijote, el de Clavileño, con el que los duques engañan al Quijote y Sancho, tras taparle los ojos, diciéndoles que van a viajar a la luna en ese caballo de madera.

Tras haber visto el montaje dos veces, haberme leído el texto y asistido al encuentro con el público del equipo artístico, “credo quia confusum”: creo en él porque es confuso. El texto de Arrabal es brillante, confuso, bizarro, coñón, tierno, absurdo, abstracto. Pero tiene todavía una mirada de niño hacia el mundo y todas sus maravillas, un acto de amor a la vida, a la libertad, a la existencia, a las mujeres, a Cervantes y a las mujeres de Cervantes. Y tampoco me quiero meter en muchos berenjenales porque Miguel Pérez Valiente ha hecho un bello y muy interesante análisis en su crónica que debería leerse antes y después de asistir a la función.

“No vinimos al mundo

ni para ser más ricas

ni más influyentes,

ni más famosas,

sino para confortarnos y confortar

con palabras

de poesía,

de libertad,

de tolerancia,

de ciencia,

y de amor.”

E independientemente de que se llegue o no a entender el bello texto de Fernando Arrabal, no hay duda de que la función entra con prácticamente todos los sentidos, con esa ambientación sonora de Luis Cobos, las proyecciones en el techo y el suelo, además de en la columna central, ese ala de avión estrellado, y la bellísima iluminación, la pirotecnia, y hasta el choque olfativo del incienso que Miho trae en la bacía en el tramo final, en otra escena para el recuerdo en la que Miho aparece iluminado a contraluz, entre el humo del incienso, desde la oscuridad de la entrada de la nave.

Todo este crescendo emocional y lírico tiene su culminación en la danza de la boda comunitaria de las dervichAs giratorias, la danza de la transformación.

Enlace permanente de imagen incrustada

Pérez de la Fuente, con esa sintonía tan especial que parece compartir con los escritores más surrealistas, ha creado un espectáculo total, desde el punto de vista estético también, lleno de imágenes bellísimas en donde las actrices y el único actor brillan. Además, y hay que decirlo ¿en dónde hay ahora mismo en cartel una función en dónde haya diez actrices en escena? Ha arriesgado todo con su primer montaje como director del Teatro Español, con un texto nuevo de un escritor contemporáneo considerado controvertido, en vez de montar por enésima vez a un autor reconocido (y bien muerto) y es muy de agradecer, porque el resultado es fascinante.

De: Fernando Arrabal

Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

Del 23 de abril al 14 de junio 2015

Reparto por orden de intervención

María Hervás Torreblanca (la abuela)

Ana Torrent Luisa de Belén (la hermana monja)

Marta Poveda Constanza (la sobrina carnal)

Lara Grube Leonor (la madre)

Ana Vayón María (la tía paterna)

María Besant Andrea (la hermana mayor)

Lola Baldrich Magdalena (la hermana menor)

Alexandra Calvo Martina (la prima paterna)

Badia Albayati Catalina (la esposa)

Sara Moraleda Isabel (la “hija natural”)

Miguel Cazorla Miho (“¿quién cómo Dios? o incluso ¿quién cómo Pan?”)

Pedro Tena Voz en off

Equipo artístico

Movimiento Escénico y Coreografía Marta Carrasco

Diseño Escenografía Emilio Valenzuela

Diseño de Vestuario Almudena Huerta

Diseño de Luces José Manuel Guerra

Composición Musical y espacio sonoro Luis Miguel Cobo

Diseño Audiovisuales Joan Rodón y Emilio Valenzuela

Ayudante Dirección Pilar Valenciano

Ayudante de escenografía Alessio Meloni

Ayudante de vestuario Liza Bassi

Asistente de Dirección Pablo Martínez

Asistente de Gestión Artística Cristina Bertol

Asesoramiento Acrobático Escuela de Circo Carampa

Fotografía cartel Chema Conesa

Fotografías promoción y escena Javier Naval

Realizaciones

Escenografía Escénica Integral, Scenik, Bungy Jumping, Peroni y

Equipo del Teatro Español

Confección Vestuario Sastrería Cornejo

Ambientación Vestuario María Calderón

Efectos Pirotécnicos Pirotecnia Almudena

Encuentro público Pingüinas

Foto del encuentro con el público del equipo artístico el 20 de mayo.

Anuncios

Ensayo abierto al público de Pingüinas, de Fernando Arrabal, en el día Mundial del Teatro en Plató Cineteca del Matadero Madrid

Con motivo de la celebración del Día Mundial del Teatro y en pleno proceso de los ensayos de Pingüinas, obra escrita por Fernando Arrabal y dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, el Teatro Español abre las puertas al público interesado en compartir  la experiencia de asistir a un ensayo. Pingüinas es la primera obra que dirige el actual director artístico del Teatro Español, Juan Carlos Pérez de la Fuente, desde que tomó posesión del cargo el pasado mes de septiembre del 2014. Se estrenará de forma absoluta el próximo mes de abril en la Sala Fernando Arrabal de las Naves del Español. proxy Reparto: María Hervás, Ana Torrent, Marta Poveda, Lara Grube, Ana Vayón, María Besant, Lola Baldrich, Alexandra Calvo, Badia Albayati, Sara Moraleda y Miguel Ángel Cazorla

Ficha artística

Dirección de escena Juan Carlos Pérez de la Fuente
Movimiento Escénico y Coreografía Marta Carrasco
Diseño Escenografía Emilio Valenzuela
Diseño de Vestuario Almudena Huerta
Diseño de Luces José Manuel Guerra
Composición Musical y Espacio Sonoro Luis Miguel Cobo
Diseño Audiovisuales Joan Rodón y Emilio Valenzuela
Ayudante Dirección Pilar Valenciano
Ayudante de escenografía Alessio Meloni
Ayudante de vestuario Liza Bassi
Asistente de Dirección Pablo Martínez
Asistente de Gestión Artística Cristina Bertol
Asesoramiento Acrobático Escuela de Circo Carampa
Fotografía y diseño de cartel Chema Conesa

A propósito de…

Dice Arrabal que a nuestras moteras o pingüinas., los de más alcance las llaman CervantAs o QuijotAs. Constanza, sobrina de Miguel, de Miho, su ojito derecho, le pregunta a su tía Luisa, (sí, Luisa de Belén, la monja): ¿Por qué nos toman por tipos de textos clásicos a las diez pingüinas? Buena pregunta la que hace esta “muchachita… ¿de Valladolid? Cuidado con los dichos y las frases hechas, que las carga el diablo. Lo que si es cierto es que estas chicas, perdón, estas nenas, son de armas de tomar y de padre y muy señor mío. Esto si es una afirmación precisa. Hay que ser rigurosos en el caos. Permítanme presentarles a estas pingüinas libres e insobornables, a estas dervichas, a estos ángeles de las motoqueras, a estas giróvagas. La abuela Torreblanca, la hermana monja Luisa, la sobrina carnal Constanza, la madre Leonor, la tía paterna María, la hermana mayor Andrea, la hermana menor Magdalena, la prima paterna Martina, la esposa Catalina y “la hija natural” Isabel. Falta la estrella invitada. El vértice sobre el que pivotan todas las palabras: Miho. (“Quién como Dios” o incluso “¿Quién cómo Pan?”). Les queda claro, ¿no? Ustedes son un público inteligente, un público del siglo XXI. Las edades de ellas y la de él no vamos a desvelarlas. Desvelar la edad de una mujer o de un hombre es absolutamente impúdico e innecesario. ¡Y es que eso del tiempo y del espacio es tan subjetivo! Les diré, eso sí, que Arrabal, que es viejo, sabio y niño; un niño terrible a veces, y cabroncete casi siempre, ha encontrado en estas nenas y en este iluminado la horma de su zapato. ¡Y la que han armado entre todos: Miho, las CervantAs, las PingüinAs, Quijote, Arrabal, Cervantes y la Biblia en verso, ni se lo imaginan! Y no digo más, no sean ansiosos y esperen. Estamos en la cocina, preparando unas suculentas gachas. Esta aventura teatral quijotesca-cervantina-arrabalaica tiene su génesis en la doble conmemoración del Cuarto Centenario de la publicación de la segunda parte del Quijote, y el año próximo del también Cuarto Centenario de la ocultación que diría Arrabal, de Cervantes.

Fecha Del 23 de abril al 14 de junio de 2015 Sala Naves del Español – Sala Fernando Arrabal

DSC_0091 DSC_0094 DSC_0099 DSC_0101 DSC_0076 DSC_0083DSC_0078 DSC_0082 DSC_0085 DSC_0095

En junio seguimos con la racha de buen teatro en Madrid

Tras el mes de mayo, en la que la ya abundante programación habitual de las salas estuvo acompañada de las propuestas del Surge Madrid, el mes de junio se presenta algo más tranquilo,  a la espera de que el Fringe Madrid y los festivales de teatro del verano como Almagro, Mérida, Olmedo y Alcalá puedan también agobiarnos un poco en julio.

Dentro del Festival de Otoño a Primavera, hay dos propuestas muy interesantes: en el Teatro de la AbadíaLebensraum (Espacio vital), del 5 al 8 de junio. Dirección: Jakop Ahlbom y Producción: Jakop Ahlbom Theater.  “Ves ocurrir cosas en el escenario que en la realidad no pueden ocurrir”. Una cama-piano y una librería-frigorífico. Un delirio de saltos, caídas y golpes, un juego vertiginoso de puertas que se abren, se cierran y giran… como en una película de Buster Keaton. Se trata de un espectáculo teatral inspirado en la tradición del slapstick, traída a nuestros días, lleno de ingenio, dinamismo y humor. Lebensraum (Espacio vital) muestra la historia de dos hombres que conviven en un espacio reducido y deciden incorporar a su mundo a una criada mecánica. Pero el robot adquiere vida propia, de modo que la confusión y la tensión van en aumento. El artista sueco afincado en Amsterdam Jakop Ahlbom ha desarrollado su propio lenguaje escénico sin palabras, en el que se juntan el teatro gestual, el amplio abanico del movimiento entre danza y acrobacia, la música en directo, el teatro de objetos y el  ilusionismo. Una “clownerie” surrealista, que está recorriendo Europa entera. Con Lebensraum (Espacio vital), teatro y mimo se dan la mano en un refinado slapstick basado en el movimiento y en el tempo físico del cine mudo. A través de la mímica, el ejercicio físico y la magia, los intérpretes logran conquistar a la audiencia con impresionantes acrobacias ejecutadas sobre el escenario y fuera de él. El estreno absoluto de la obra tuvo lugar el 23 de marzo de 2012 en Toneelschuur, Harlem (Holanda).

Y en la Sala Cuarta Pared, el colectivo belga tg Stan presenta Trahisons, de Harold Pinter. El colectivo belga tg STAN (que apuntala su filosofía teatral en el actor, la huida de los dogmas y el compromiso social)  regresa a Cuarta Pared, donde ya presentaron su inolvidable The monkey trial en el FOP de 2008. En esta ocasión presentan Traición, una de las piezas más celebradas del Nobel de Literatura Harold Pinter.

“Nuestra puesta en escena es simple y directa. Por supuesto, al no estar dispuestos a interpretar la pieza de una forma realista, hemos tenido que examinar a fondo cómo hacer frente a las situaciones realistas de la obra.” comenta el actor y miembro fundador de la compañía Frank Vercruyssen.

En los Teatros del Canal, y también dentro del Festival de Otoño, la esperada colaboración entre Israel Galván y Akram Khan, TOROBAKA, los días 27, 28 y 29 de junio de 2014. Israel Galván y Akram Khan se reúnen por primera vez para aproximar sus mundos, tal vez distantes geográficamente pero próximos en sus universos, que aúnan tradición y vanguardia. Uno ayudará al otro con las visiones comunes de sus pasados y de sus maestros y referencias.

La Biblioteca Nacional de España en colaboración del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha convocado, por medio del ciclo Voz y Palabra, a algunos de nuestros mejores profesionales del teatro, para que nos expliquen cómo viven y resuelven esa relación de voz y palabra en sus trabajos. Miércoles 4 de junio. Conferencia Calderón y La vida es sueño. Del texto al escenario, a cargo de Helena Pimenta, Marta Poveda y Fernando Sansegundo, algunos de los artífices del inolvidable montaje de la cía Nacional de Teatro Clásico del que ya hemos hablado con anterioridad. Y el Lunes 9 de junio. Confedrama Oraciones de María (Guerrero), conferencia dramatizada escrita y dirigida por Ernesto Caballero e interpretada por Ester Bellver y Elena González. DSC_0088

En la Sala Tú, Instantes de Paloma Pedrero, Sandro Cordero y Néstor Villazón, dirigido por Roberto Cerdá. “Un taxista, una camarera, un escritor, un parado, una funcionaria…una mudanza, la parada de un autobús, una estación de metro, encuentros normales en lugares comunes, la necesidad de huir del aburrimiento, gritar, reír, soñar, amar ¿ vivirás ese instante?, una comedia llena de humor y de humanidad.” Con Sergio Otegui, Mélida Molina, Carlos Lorenzo y Ana Blanco.  7, 8, 14, 15, 21, 22, 28, 29 Junio 
  • Un cielo

Preso en la cárcel, Jeannot se encuentra con dos antiguos colonos del correccional donde pasó su adolescencia. Este encuentro será el desencadenante de una serie de recuerdos de la infancia de Jeannot. El director de La rendiciónSigfrid Monleón, regresa al teatro con Un cielo. El escritor francés Jean Genet pasó parte de su infancia en un correccional de menores. A través de la lectura de la obra de Genet, un programa radiofónico y de algunas entrevistas, Sigfrid Monleón construye esta pieza que reflexiona sobre el testigo y el testimonio de la palabra poética,, con Francesco Carril como protagonista único. Estará en la Sala Tú, pasada ya la vorágine del Surge Madrid, los miércoles 4, 18 y 25 de Junio.

También en la Sala Tú continúa en junio Matadero 36/39 , escrita y dirigida por Ramón Paso, que narra la historia de un grupo de militares, principalmente africanistas, curtidos en las terribles campañas de represión en Marruecos que se alzan contra el gobierno elegido por el pueblo de España.

 Matadero 36/39

Matadero 36-39 cuenta las terribles situaciones a las que se vieron sometidos millones de ciudadanos, especialmente las mujeres, durante los tres años que duró la Guerra Civil. Esta obra es, principalmente, una historia de víctimas. Víctimas que, a lo largo de todo el territorio español, sufrieron asesinatos, violaciones, robos, torturas… a manos del bando rebelde. Injusticias que, a día de hoy, aún siguen impunes. Está formado por tres escenas, “Resistencia 36”, “Depuración 38” y “Supervivencia 39”, las cuales se centran en tres momentos concretos durante el transcurso de la guerra. La acción se desarrolla en tres espacios: un centro de detención en el Sur de España, un manicomio en Oviedo y una zona de la sierra de los Pirineos. Está interpretada por Ana Azorín, Inés Kerzan, Guillermo López-Acosta, Nala Fernández y Zoraida Monje.

También a la Sala Tú vuelve El difícil Equilibrio (concierto íntimo) de Jorge Calvo.

También dentro del Festival de Otoño, pero en el Teatro Pradillo llega Amar, del director argentino Alejandro Catalán. Una propuesta de actuación cruda y real, donde todos los procedimientos espaciales, lumínicos y sonoros son ejecutados de manera manual y visible a los ojos del espectador, sin que esto atente contra la ficción de la escena. El juego actoral se desarrolla de la mano de seis intérpretes que, durante una noche, deambulan por el bosque, una pista de baile, un bar y el mar. ¿Por la vida, quizás? Amar es un malabarismo actoral y una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada.

En 2010, Amar obtuvo el Premio Florencio Sánchez al Mejor Director (Alejandro Catalán), los Premios Teatro del Mundo a la Mejor Iluminación (Matías Sendón y Alejandro Catalán) y al Diseño Sonoro y Musicalización (Bruno Luciani y Sergio Catalán). La puesta en escena de la obra en el Teatro Pradillo supondrá su estreno no sólo en España, sino también en Europa. El montaje llega a nuestras salas abalado por las calurosas críticas que ha recibido en las páginas de la prensa de su país. Así, Radar, el suplemento del diario argentino Página 12, elogiaba: “Amar es una obra para gozar de la actuación”, mientras que, por su parte, Territorio Teatral remarcaba: “El amor es sólo la excusa para desnudar miserias, puntos de vista y filosofías enfrentadas”.
Alejandro Catalán. Buenos Aires, 1971. Maestro de actores, director y creador teatral cuya práctica se centra en la capacidad específicamente actoral de generar ficción escénica. En todas sus piezas busca el protagonismo y la responsabilidad de la actuación para producir las identidades y los relatos que desea sacar a escena. Como actor, ha trabajado a las órdenes de directores como Hugo Midón, Daniel Veronese o Ricardo Bartis, entre otros. Como director, ha creado las obras Foz(2003), Solos (2005), Dos minas (2007) y Amar (2010).
En la Nave 73, Terror y miseria en el primer franquismo, de José Sanchis Sinisterra. Al acabar la Guerra Civil Española, todos y cada uno de aquellos que sobrevivieron entraron en una realidad totalmente distinta a la que había tenido hasta el momento. Se generaron dos tipos de españoles: los vencedores y los vencidos. Se instauró una nueva moral basada en los valores de unos pocos y que afectó, en mayor o menor medida, a todos. Hubo que empezar a vivir, salir adelante en un mundo distinto con un nuevo punto de partida común para todos: el terror y la miseria instaladas en la sociedad civil. Ante la necesidad de supervivencia y con este cambio en el sistema de valores, ¿Qué pasa con la ética? ¿Cómo nos afectan nuestros orígenes? ¿Qué seremos capaces de hacer? Y, sobre todo, ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar?  16 y 17 de junio.

Afortundamente y con nuevas oportunidades para verlos, también continuarán en la Nave 73 tras el Surge, Manlet, Sobre Julieta y El último vuelo de Saint-Exupery, de las que hemos hablado ya con anterioridad

En la Sala Guindalera también continúa durante todo junio, de jueves a domingo, La Bella de Amherst (Emily Dickinson) interpretado por María Pastor con Juan Pastor como director, obra de la que también hemos hablado con anterioridad. El sincerismo de Los cuatro de Düsseldorff de José Padilla, que surgió de la primera residencia creativa en El Sol de York, vuelve a la cartelera de Madrid. Estará todos los viernes de junio, en el Teatro Arlequín. En la Kubik Fabrik se ha prorrogado también las Constelaciones de Nick Payne con Inma Cuevas y Fran Calvo, los sábados.

Antes de su vuelta al Shakespeare´s The Globe, en donde Lope “debutará” como el primer dramaturgo de habla no inglesa, la compañía Rakatá/Fundación Siglo de Oro vuelve a traernos sus dos últimos montajes, El perro del hortelano y El castigo sin venganza, esta vez al Teatro La Latina del 11 al 29 de junio.

También regresa, el próximo 12 de junio, MBIG (Mc Beth International Group) a La Pensión de las Pulgas, versión de Macbeth de Shakespeare escrita y dirigida por José Martret. Esta obra estrenó e inauguró este singular espacio el pasado noviembre del 2013, y desde entonces ha tenido una gran acogida tanto del público como de la crítica. .

En el Centro Dramático Nacional, la segunda y última de los Escritos en la escena plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desarrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un director y un grupo de intérpretes durante un plazo de tiempo determinado. Esta iniciativa nos ha dejado ya un gran trabajo de José Padilla, Haz clic aquí. Esta vez el texto elegido es Boomerang de , que será interpretado por  Juan CalotJorge MachínMona MartínezPaco Ochoa y, Ana Rodriguez. Y estará del 18 al 29 de junio

El festival Una mirada diferente celebra este año su segunda edición con el objetivo declarado de mejorar la visibilidad y la inclusión de los artistas con discapacidad en la vida cultural, como parte del proyecto de la actual dirección del Centro Dramático Nacional. Para esta edición han seleccionado distintas compañías nacionales e internacionales con el fin de enriquecer la programación y mostrar la realidad de otros países en materia de arte y discapacidad. A cantora careca (La cantante calva) Crinabel Teatro (Portugal). 21 de junio  The Freak & the Showgirl Mat Fraser (Reino Unido). 21 y 22 de junio  Todo me dice algoAlteraciones/Danza Mobile (España). 26 de junio Cuerpos dejan cuerposLos Hedonistas (España). 27 de junio  L´assenza (La Ausencia)Teatro Buffo (Italia). 28 de junio Just a DancerThomas Noone Dance (España).  29 de junio 

El día 6 de junio se estrena por fin en Madrid, en el Teatro Fernán Gómez, La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, de la cía Teatro Defondo. Un musical en torno al samba y a la Bossa Nova con un cuarteto de música brasileña en directo y con nueve actores: Mar Álvarez, Nuria Benet, Juan Bey, Lola Dorado, Pablo Huetos, Ángel Ramón Jiménez, Andrés Navarro, Muriel Sánchez  y Antonio Villa .  Una comedia llena de crítica a la corrupción y al abuso de poder, basada en “La ópera de tres centavos” de Bertold Brecht y dirigido por Vanessa Martínez, una de las mayores especialistas en combinar texto y música.
Al Círculo de Bellas Artes vuelve El Banquete, del 11 al 27 de junio. 
Desde la mesa de este banquete, se lanza un paralelismo entre el amor y la comida, terrenos donde el deseo y el castigo conviven con el relato autobiográfico.  La dirección es de Sonia Sebastián y texto de María Velasco, Alberto Conejero, Anna R. Costa, Sergio Martínez Vila y Elena Lombao

Y el reparto lo componen Huichi Chiu, Miquel Insua, Aarón Lobato, Carlos Lorenzo, Natalie Pinot y Julio Rojas 

En la Pensión de las Pulgas se podrá disfrutar los lunes, martes y miércoles del debut directorial de Israel Elejalde con el gran texto de Josep M Benet i Jornet, Sótano, que cuenta con unas matizadísimas interpretaciones de Juan Codina y Víctor Clavijo. A La Pensión de las Pulgas vuelve también Un hombre con gafas de pasta, de Jordi Casanovas, 23 de junio, los lunes y martes, durante cuatro semanas, según cuenta en esta entrevista que le ha hecho Marcos Ordóñez.  En La Casa de la Portera, continúa ahora los lunes la exitosa Cerda, de Juan Mairena, y vuelve The Room, trabajando para el diablo, de May Ríos, un impresionante monólogo sobre un sicario de los carteles de la droga en México. The Zombie Company y Carlos Bé tiene en junio nada menos que tres funciones de carácter muy diferente, desde la impresionante Peceras, pasando por Elepé (ambas en La Casa de la Portera)y acabando con La Toñi Unplugged, una spin-off de Elepé en Selectos Puraenvidia. 

Enlace permanente de imagen incrustada

En La Casa de la Portera también hay un estreno de danza, Pieles con coreografía e interpretación de Paula Quintana.

En La Puerta Estrecha, los viernes podremos seguir disfrutando de Alma Viva Teatro dirigido por César Barló interpretado por José Gonçalo Pais con el texto de Koltés, La noche justo antes de los bosques.  Los viernes, hasta el 27 de junio.

Y, por supuesto, una obra que afortunadamente continúa en cartel hasta el 22 de junio y que hay que ver, si puede ser más de una vez, es el Misántropo dirigido por Miguel del Arco en el Teatro Español. Cualquier cosa buena que oigan o lean de esta función, créanme, se queda corta. Vayan a verla y juzguen por ustedes mismos.

 

 

Algunas cosas increíbles que ocurrirán en Teatro en Madrid en Mayo

Es imposible (afortunadamente) en Madrid abarcar todo lo que se nos ofrece en los distintos aspectos de las artes escénicas en las salas ya consolidadas y en las que no paran de abrir. Así que, a modo de recordatorio, quiero señalar aquí unas cuantas que ofrecen muchas garantías de que nos van a dejar más que satisfechos.

Para empezar, el ciclo Pablo Messiez en la CNC Mirador, compuesto por: Los Ojos, del 8  al 18 de mayo. Sumérgete en este conmovedor melodrama sobre el amor, la tierra y la vista. O la falta de todas ellas. Descubre Los Ojos, pieza inspirada en el clásico de Galdós MarianelaLas Plantas, con Estefanía de los Santos, del 11 mayo al 1 de junio. Alicia está sola en su casa, hablando con sus plantas. Les habla desde que descubrió que están vivas. Desde el día en que después de regarlas las vio moverse. Y Muda, 22  al 31 de mayo. ¿Qué es real y que es imaginación? El director Pablo Messiez nos sorprende con un espectáculo que se mueve entre la ficción y la realidad. Con: Fernanda OraziMarianela Pensado y Óscar Velado

Sin duda, uno de los reestrenos más esperados es el del Teatro de la AbadíaTras el triunfo de La función por hacer, el director Miguel del Arco se embarcó en la aventura de dirigir a Nuria Espert en un espectáculo que mostrara lo más arriesgado de su ya señalada capacidad interpretativa. El texto elegido fue La violación de Lucrecia, una de las composiciones más difíciles de Shakespeare, que narra el origen de la república en la antigua Roma. Ahora, Del Arco y Espert vuelven bajo la cúpula de La Abadía para revivir en escena este encuentro poético. Por desgracia para muchos, los precios bastante elevados de esta función y la falta de descuentos nos van a dejar a muchos aficionados con ganas de verlo en la calle.  Del 8 de mayo al 1 de junio. 

En los Teatros del Canal, Alfredo Sanzol y T de Teatre, el tándem que hizo posible el gran éxito Delicadas, vuelve a unirse para estrenar Aventura!, la historia de seis socios que reciben una oferta de compra por una empresa china y que, en lugar de vender su empresa… acaban vendiendo a una socia. Del 8 y el 25 de mayo.

Dentro del Festival de Otoño, y también en los Teatros del Canal, la nueva colaboración entre el Piccolo Teatro di Milano y Teatro d’Europa, Teatro di Roma y Teatri Uniti di Napoli es Le voci di dentro (Las voces de dentro), de Eduardo De Filippo, dirigida y protagonizada por el gran Toni Servillo. Del 15 al 18 de mayo. 

A la Sala Kubik Fabrik, llega Constelaciones, el exitazo de Nick Payne en Londres, que llega de la mano de Inma Cuevas y Fran Calvo dirigidos por Fernando Soto. Constelaciones habla de dos seres humanos. Ella es Marianne, una física cuántica, él es Roland, apicultor, se encuentran en una barbacoa, a partir de ahí las posibilidades en su relación son infinitas. Surgirán situaciones en las que se pondrán en juego el amor, la amistad y el libre albedrío. Se desarrollarán historias en universos paralelos, donde cada decisión tomada nos lleva a un futuro diferente.El estreno será el jueves 8 de mayo y luego estará en la Kubik los sábados 10, 17, 24, 31 de Mayo.

En La Pensión de las Pulgas destacan dos estrenos:

Carne Viva, escrita y dirigida por Denise Despeyroux, supone un nuevo reto para todo el equipo creativo que ha puesto en marcha este proyecto, porque la obra transcurre en las tres habitaciones de La Pensión de las Pulgas de manera simultánea, con público en cada uno de los espacios y con personajes que interactúan unos con otros cambiando de espacios constantemente. El reto dramatúrgico y actoral es de alto voltaje. La obra se repite tres veces para que el público vaya rotando y vea lo que sucede en cada una de las habitaciones. La recepción de la obra será distinta para cada grupo de espectadores en función de la sala donde comience y termine su periplo. Estreno el 9 de mayo, estará los viernes, sábados y domingos. Con Agustín Bellusci, Victoria Facio, Font García, Carmela Lloret, Fernando Nigro, Marta Rubio, Joan Carles Suau, Sara Torres, Juan Vinuesa.

EQUIPO CARNE VIVA

Sótano. Escrita por Josep María Benet i Jornet, dirigida por Israel Elejalde y protagonizada por Victor Clavijo y Juan Codina.

Una obra que pretende llegar a lo más hondo de esa violencia irracional que se manifiesta en cada uno de nosotros, debido a las frustraciones que vamos acumulando a lo largo de los años. Intriga y misterio conducen al espectador a un desenlace inesperado.

SÓTANO es una obra protagonizada por dos hombres, por sus conversaciones y por la falsa apariencia de las cosas. Escrita por el dramaturgo barcelonés Josep Maria Benet i Jornet -Premio Nacional de Literatura, autor de más de cuarenta piezas teatrales y guionista de televisión-, y dirigida por Israel Elejalde actor con un sólido camino en teatro, cine y televisión. 26, 27 y 28 de mayo. 

VICTOR CLAVIJO Y JUAN CODINA

En la programación de La Casa de la Portera en mayo, que acaba de cumplir su segundo aniversario,  no hay ningún estreno, pero sí la vuelta de alguno de sus éxitos recientes, entre ellos la Cerda de Juan Mairena, con varios premios, entre ellos el de mejor actriz secundaria de la Unión de Actores para Inma Cuevas.

En cuando al Teatro Clásico, un nuevo Lopeuna de las obras menos conocidas de este prolífico autor, Las dos bandoleras, viene al Teatro Pavón tras el exitazo de la reposición de La vida es sueño, con escenografía de Paco Azorín, dramaturgia de Marc Rosich y Carme Portaceli y dirección de esta última. Es un homenaje a todas las mujeres fuertes, heroínas ejemplares en sagacidad, fuerza y determinación, que transitan por toda la obra de Lope y que son una de las irrefutables aportaciones del dramaturgo al teatro del Siglo de Oro. Entre los intérpretes están Helio Pedregal, David Fernández “Fabu”, Macarena Gómez, Carmen Ruiz, Llorenc González, Gabriela Flores, David Luque, Álex Larumbe y Albert Pérez. Del 7 de mayo al 8 de junio.

Enlace permanente de imagen incrustada

En el Centro Dramático Nacional, el esperadísimo estreno de la versión “gallega” de Macbeth, llamada Los Mácbez, de Juan Cavestany dirigida por Andrés Lima con Carmen Machi y Javier Gutiérrez en los papeles de la pareja protagonista. Del 30 de abril al 15 de junio.

Y también en el Centro Dramático Nacional, pero en el Teatro Valle-Inclán, Como gustéis, una versión musical del clásico de Shakespeare, dirigido por Marco Carniti y dirección musical de Miguel Tubía sobre la versión de María Fernández Ache.

Una comedia sobre el amor y sobre la búsqueda de la identidad. Un texto ambiguo, mimético, evanescente, filosófico, musical y poético. Con un reparto muy extenso para lo que se ve últimamente en nuestros teatros, formado por Beatriz ArgüelloCarmen BarrantesAlberto Castrillo-FerrerMaria Victoria Di PaceRoberto EnríquezAlberto FríasPedro G. de las HerasKarina GarantiváIván HermesCarlos Jiménez AlfaroPedro Miguel MartínezManu Mencía CalvoSergio RequesVerónica RondaMitxel SantamarinaEdu SotoVíctor Ullate Roche, estará del 8 de mayo a 15 de junio 

Y la última obra del Ciclo José Ricardo Morales de la programación del CDN, Oficio de tinieblasJosé Ricardo Morales es un destacado dramaturgo que se vio obligado a abandonar nuestro país en 1939, al término de la Guerra Civil. Se instaló en Chile donde ha escrito y publicado la mayor parte de su amplísima producción. Oficio de tinieblas estará dirigida por Salva Bolta, e interpretada por Manuel de Blas y Amparo Pamplona. Sala de la Princesa (Teatro María Guerrero), del 14 a 25 de mayo.

¿Cómo piensas que analizarías y valorarías las sensaciones de la vida si pudieras verlas, vivirlas y sentirlas desde fuera, desde la distancia del desaparecido? Eso es lo que explora Emily Dickinson como personaje del texto escrito por el dramaturgo William Luce en una de sus obras más intensamente alegóricas, poéticas, filosóficas y existenciales, La bella de Amherst, un texto vívido, doloroso, muy intenso y apasionante, que ha convertido la vis de la poetisa estadounidense más grande de la historia de la literatura en un auténtico tratado emocional que encarnará María Pastor en el montaje, dirigido por Juan Pastor, que aterrizará en el madrileño Teatro Guindalera, uno de los más exquisitos a la hora tanto de escoger textos como de encarnarlos.  A partir del 7 de mayo, de jueves a domingo.

LA BELLA DE AMHERST<br />
Estreno próximo Miércoles 7 de Mayo.</p>
<p>María Pastor como Emily Dickinson</p>
<p>Foto de David Benito

También en la Guindalera, una única función el 15 de mayo de Tres Años, a partir de la novela de Chejov, con Raúl Fernández, María Pastor, José Maya, José Bustos Alicia González, dirigidos por Juan Pastor. 

En la Nave 73, que este mes cumple su primer aniversario, tenemos unos cuantos estrenos que tienen una buenísima pinta: el primero es Manlet, de María Velasco. Manlet contrasta dos ejemplos de familia deficitaria ubicados en la actualidad. Por un lado están Hamlet y Gertrudis (con Ofelia muerta) como representación de la Vieja Europa y de los que están atrapados en el mundo de las ideas y lo formal. La decadencia de un mundo que ya sólo produce parásitos. Jóvenes sin futuro ni capacidad de decisión, atados a la tecnología, a las tetas de sus madres y completamente desafectivizados con su entorno. Y por otro lado, Medea y Jasón (con sus hijos muertos-asesinados) como representación de los bárbaros, de los que están instalados sólo en la acción, en el impulso, en lo irracional. Donde no hay ley, orden, fórmula ni protocolo. Donde la vida tiene otro valor y no existe La Declaración Universal de los Derechos Humanos. Está interpretado por Laura Aparicio, Kike Guaza, Diana Lázaro, Paco Manzanedo y Mabel del Pozo, y dirigido por Inés Piñole. Jueves de mayo, desde el 8.

Y por otra parte, en la Nave 73 también, y dentro del Festival Surge MadridEl último vuelo de Saint-Exupéry presenta el último viaje (vuelo) en la vida de Antoine de Saint-Exupéry, después de que su avión sea derribado en un misterioso desierto. Durante esas horas el piloto y escritor pasa revista a toda su vida, así como a sus relaciones más importantes con las personas a las que amó. La obra, de Antonio Velasco, está dirigida por Iria Márquez e interpretada por el propio Velasco y Ana Parra. Domingos 11, 18 y 25 de mayo.

Y, afortunadamente para muchos que podremos repetir, tripitir y cuatripitir, el Misántropo de Miguel del Arco con su compañía Kamikaze al completo,  con un Israel Elejalde más grande que nunca, y Raúl Prieto, Bárbara Lennie, Cristóbal Suárez, Manuela Paso y Miriam Montilla, junto con José Luis Martínez, que no se quedan atrás, se ha estrenado ya en el Teatro Español y estará en él hasta junio.

Regresa también a las Naves del Teatro Español la exitosa Un trozo invisible de este mundo de Juan Diego Botto dirigida por Sergio Peris-Mencheta.

Siguiendo con la tendencia que parece que afecta a nuestros teatros públicos, de la traslación libro-cine-teatro, y en la Sala Pequeña del Español tenemos Novecento de Alessandro Baricco Del 14 de mayo al 29 de junio 2014 con Miguel Rellán dirigido por Raúl Fuertes. Y también en el Español, pero en las Naves del Matadero, La Venus de las pieles de David Ives, dirigido por David Serrano y con Clara Lago y Diego Martín. Del 7 de mayo al 15 de junio 2014

Tampoco podemos olvidar a La Joven Compañía, que trae a España por primera vez la versión teatral de El Señor de las moscas, de William Golding, adaptado por Nigel Williams y dirigido por José Luis Arellano García y versión de José Luis Collado, al teatro del Centro Cultural Conde Duque, del 28 de abril hasta el 17 de mayo.

La guerra ha estallado. Un avión lleno de niños se estrella en una isla inhabitada. Son los únicos supervivientes tras el accidente. Se encuentran sin hogar, sin escuela, sinadultos ni reglas. Pronto construyen una microsociedad, cuya frágil estabilidad se destruye con el hallazgo de “La bestia”. La aventura se convierte en una situación límite que pone a los niños contra las cuerdas para encontrarse con lo más hondo de su naturaleza.

El jovencísimo reparto lo forma: Alejandro Chaparro, Víctor de la Fuente, Samy Khalil, Jesús Lavi, Alberto Novillo, Raúl Pulido, Álvaro Quintana, María Romero y Álex Villazán

Algunas de las salas alternativas han apostado este mayo por el Festival Surge Madrid, por eso es mejor echarle un vistazo a su programación y ver las posibilidades que, según los gustos de cada cual, este ofrezca. Por ejemplo, no me pienso perder, en el Teatro del Barrio, Últimos golpes, de José Sanchis Sinisterra. Y, de pronto, un buen día, un día cualquiera, el cuerpo vulnerado de una mujer dice: basta. No más golpes. Y con un pequeño gesto de la mano, tan pequeño como girar una llave, decide poner fin a un largo itinerario de violencias y sumisiones. El hogar de Mónica, gradualmente convertido en un gulag doméstico, ¿podría ser, en “este día cualquiera”, la tumba de su enemigo: el hombre que ha maltratado durante años su dignidad y su carne de mujer? Un dilema que habita y despliega Marta Poveda, actriz para quien Sanchis Sinisterra escribió este monólogo de un yo fragmentado que aspira a unificarse. Esta propuesta del Nuevo Teatro Fronterizo, con este súper-tándem teatral Poveda/Sanchis Sinisterra estará en el Teatro del Barrio los días 15, 16, 17, 18 y 20 de mayo.

Enlace permanente de imagen incrustada

 

Además, también en estas mismas salas del off, algunos retornos y sorpresas, como el regreso de Secundario de Antonio Velasco y Dos en la Ciudad, de Antonio de Cos, al Umbral de Primavera.

De “La vida es sueño” y el sueño de la vida y el teatro.

Poco puedo añadir ya que no se haya dicho antes sobre “La vida es sueño”, el montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico dirigido por Helena Pimenta que se ha repuesto durante un mes más en el Teatro Pavón durante marzo y abril. Simplemente quisiera plasmar para mi propio recreo (y el de algún despistado lector) las sensaciones, emociones y recuerdos que me ha producido el haber tenido el privilegio de haberla visto  cinco veces, tres en su primer pase en el Pavón en el 2012 y otras dos en esta última tanda.

Con esta obra, Helena Pimenta inició su andadura  como directora de la cía Teatro Clásico corriendo, además, grandes riesgos al ser “La vida es sueño” una de las obras más representadas, queridas, leídas y admiradas del repertorio dramático, no solo español, sino del universal. Se arriesgó, además, eligiendo a varios de los actores  que harían los personajes más emblemáticos; me refiero en concreto a los de Segismundo y Rosaura, interpretados por Blanca Portillo y Marta Poveda, respectivamente. En el primero de los casos, ya sabemos que el riesgo era el que una mujer interpretara a un personaje masculino; y en el segundo caso, el de escoger a una actriz que nunca antes había interpretado papeles de teatro clásico en verso (con una excepción, en sus propias palabras, la de una versión algo “gamberra” de El burlador de Sevilla en el Teatro de la Abadía). Prácticamente desde su estreno en Almagro, se ha visto que esos riesgos que corrió Helena Pimenta fueron las elecciones más apropiadas y cualquiera que haya podido asistir a este montaje lo ha podido comprobar por sí mismo.

Múltiples son los temas y los niveles de lectura en una de las más gloriosas obras de nuestra literatura dramática (si no, la mejor): la predestinación, el libre albedrío, las relaciones paterno-filiales, la cárcel del alma en el cuerpo, el tiranicidio, etc. Estos temas se ven encarnados en las figuras de estos dos personajes, ejemplos y símbolos de muchas tramas y metáforas, filosofía y teología, envuelto todo ello en uno de los textos más bellos que se pueden escuchar o leer.

Helena Pimenta ha conseguido expresar notablemente este mundo humano y filosófico de Calderón en una escenografía y una puesta en escena que ha sido ya muy bien descrita y analizada. Esta caja de colores madera clara que simbolizan a la vez la cárcel-cueva de Segismundo y el palacio del rey Basilio, su padre.  Esa escenografía junto con la siempre magistral iluminación de  Juan Gómez Cornejo, la música de la época interpretada en vivo, y ese vestuario hacen que plásticamente nos situemos en el interior de escenas de Velázquez.

Las historias de Segismundo y de Rosaura corren en paralelo y Calderón pareciera que intentara hacernos creer, o hacerse creer a sí mismo, que su encuentro pudiera ser posible; aunque supongo que esa es la perspectiva romántica que podemos tener ahora. Ambos han sido abandonados por sus padres y, como en el caso de Segismundo, dejados prácticamente en la más inhumana de las soledades, a sus propios recursos.

Hay varias escenas que, si pudiera confiar en mi memoria, se me quedarían grabadas. Pero creo, no, sé que mi memoria no es demasiado fiable, así que lo escribo y describo, sin mucho orden ni concierto.

No me voy a extender en la increíble interpretación de Blanca Portillo como Segismundo, porque ha sido ya tan alabada, con razón, que cualquier cosa que diga yo no sería más que pobre repetición de palabras y opiniones mucho más sabias. A mí no deja de asombrarme lo fácilmente que te olvidas de su persona para ver a Segismundo y todo su mundo interior, en sus soliloquios (en uno de los cuales en esta última función a la que asistí el público estalló en un aplauso espontáneo) y luego, en todas las interacciones con el mundo exterior que se le echa encima de repente, todo ese flujo de reacciones y emociones, la rabia, la soberbia, la brutalidad, el amor, la bondad, la duda, etc.

Ese primer encuentro entre Segismundo y Rosaura vestida de hombre…. ¡cómo las dos actrices son capaces de expresar en sus caras, movimientos y voces todas las emociones que para ambos personajes supone ese encuentro!

Y esas maravillosas escenas paterno-filiales entre Clotaldo (un magnífico Fernando Sansegundo) y Rosaura, ambos ignorantes de muchas cosas, primero con un Clotaldo que no sabe que su hijo es, en realidad, hija ni cual fue el agravio de Astolfo (Rafa Castejón) y en la que Rosaura ignora que Clotaldo es su padre.

Y esa otra importante, emotiva y desgarradora escena entre Rosaura y Clotaldo, en la que esta le pide que vengue su honra dando muerte a Astolfo, y él duda entre su agradecimiento a Astolfo, que le salvó la vida, y el deber hacia Rosaura.

Y ese segundo encuentro entre Rosaura y Segismundo, ya con Rosaura vestida de mujer, pero haciéndose pasar como una dama de Estrella (Pepa Pedroche). Segismundo vuelve a enamorarse de Rosaura sin reconocerla como el joven al que vio en su cárcel y Rosaura no sabe qué hacer para proteger su honra de los ataques de Segismundo, que pasa de los piropos iniciales a la más absoluta brutalidad al ver que Rosaura no cede a sus deseos. Miedo daba solo ver la cara de Blanca Portillo/Segismundo en esos momentos en el que lo único que le para de violar a Rosaura es la intervención de Clotaldo, al que casi asesina.

Otra escena que me fascina y que demuestra muy bien la astucia de Rosaura y la habilidad de Marta Poveda para mostrarla, es la del encuentro de Astolfo y Rosaura/Astrea en la que Estrella (también magníficamente interpretada por Pepa Pedroche) manda a la que cree ser Astrea a recuperar el medallón que llevaba Astolfo para identificar así cuál es el sujeto real de sus amores, que no es otro que la propia Rosaura, como sabemos. Rosaura consigue salir de este enredo muy airosamente, dejando a Astolfo completamente en ridículo.

Y desde luego ese supuesto “final feliz” ya que, a diferencia de las tragedias de Shakespeare, en donde el final suele ser sangriento, aquí nadie muere (bueno, a excepción del pobre Clarín y del criado al que Segismundo arroja por el balcón) y todos alcanzan el fin que buscaban… o más o menos. Rosaura, revelada ya públicamente su condición de hija del noble Clotaldo, recupera su honor mediante el casamiento con Astolfo.

En fin, que son innumerables las escenas que quedarán fijadas en nuestras retinas para la eternidad, desde la ya casi icónica, por figurar en el póster del montaje, de Blanca Portillo bajando con un arnés haciendo del Segismundo inconsciente que es llevado de la cárcel al palacio, haciéndosele creer que vive en un sueño, hasta el cómico hasta en su muerte accidental, David Lorente como Clarín. Sin olvidar, desde luego, al rey Basilio de Joaquín Notario y sus encuentros y desencuentros con Segismundo. Podría estar describiéndolas una por una, pero no haría más que excederme en mi propia intención inicial al escribir esto de rendir un pequeño homenaje a este montaje.

Para mí Marta Poveda ha sido en esta obra un descubrimiento. Afortunadamente, y a pesar de su veteranía sobre las tablas, Marta es todavía muy joven y si sigue eligiendo tan bien los trabajos en los que interviene y tiene suerte, creo que no me equivoco en pensar que tenemos ya a una de nuestras mejores actrices bien aposentada en nuestros teatros y con un futuro que, si hay justicia, debería serle muy sonriente. Lo espero por ella, pero sobre todo y egoístamente, para el disfrute y goce del público, porque es tan buena en los registros cómicos como en los dramáticos y así lo han visto todos los directores con los que ha trabajado y lo ha visto también Helena Pimenta. Yo he tardado en descubrirla, es verdad (creo que sólo debí verla antes en “Cruel y tierno” en el Centro Dramático), pero desde luego ya no me pienso perder nada más de lo que haga y así, deshacer el entuerto.

Fantaseando hace unos días sobre el tema, se me ocurrió pensar en un futuro montaje de “La vida es sueño” en el que todos sus intérpretes fueran actrices, al modo del muy reciente montaje de “Julius Caesar” británico, dirigido por Phillida Lloyd en el Donmar Warehouse.

Después de haber visto este montaje por quinta vez, y también asistido a la “lectura en vida” de “La vida es sueño” en el Teatro Abadía dentro del ciclo Cómicos de la Lengua organizado  por José Luis Gómez para la RAE, no me resulta muy difícil imaginarme a Blanca Portillo en el papel del rey Basilio y a Marta Poveda en el de Segismundo en ese supuesto “La vida es sueño, versión todo actrices”. Desde el punto de vista actual,  Calderón es un feminista avant la lettre y en “La vida es sueño” veía ya a las mujeres como pares de los hombres, tanto para lo bueno como para lo malo; de esa forma, Estrella es tan “malvada” y ambiciosa como lo pueda ser su primo Astolfo y, desde luego, Rosaura es tan incansable en su lucha por recuperar su honor como lo es Segismundo en vencer su destino, y mediante la prudencia y la templanza, conseguir el triunfo de la bondad.

Ojalá que una mínima parte de lo que Calderón transmite en “La vida es sueño” llegara a tocarnos un poco el corazón, aunque, por qué no, a mí me hubiera gustado que hubiera triunfado el amor… (bueno, aquí la cosa está ya degenerando).

En cualquier caso, probablemente veré más “La vida es sueño” en los escenarios, pero esta versión quedará para siempre en mi memoria. Desde luego, que quede aquí constancia de mi agradecimiento eterno a Helena Pimenta y a todo el equipo artístico y técnico de la CNTC por hacer posible esta maravilla.

La RAE, con motivo de la conmemoración de su III Centenario, pone en marcha el proyecto «Cómicos de la lengua», dirigido por el académico, actor y director teatral José Luis Gómez.

Cómicos de la lengua

En «Cómicos de la lengua» participarán doce intérpretes, dirigidos por José Luis Gómez.

La Real Academia Española (RAE), con motivo de la conmemoración de su III Centenario, pone en marcha el proyecto «Cómicos de la lengua», dirigido por el académico, actor y director teatral José Luis Gómez.

En esta iniciativa, que se celebrará del 10 de marzo al 19 de mayo próximos, participarán cinco teatros madrileños, en los que se representará un total de diez espectáculos con una duración de una hora cada uno.

En su preparación y puesta en escena intervendrán diez miembros de número de la RAE, que enmarcarán cada obra en su contexto histórico, literario y filológico, y doce actores y actrices, que darán vida a una antología de textos de clásicos españoles escritos entre los siglos xiii y xx.

José Luis Gómez define este conjunto de actuaciones, la primera de las cuales estará dedicada al Cantar de mio Cid y será interpretada por él mismo en el salón de actos de la Academia, como un ciclo de «lecturas en vida, situadas por un comentario académico».

El proyecto, cuyas entradas se pondrán a la venta próximamente, se desarrollará de acuerdo con el siguiente calendario:

10 de marzo. El Cantar de mio CidCon el académico y actor José Luis Gómez y la académica Inés Fernández-Ordóñez. En el salón de actos de la Real Academia Española.

17 de marzoEl libro del buen amor, de Juan Ruiz, el arcipreste de Hita. Con el actor Carlos Hipólito y el académico José Antonio Pascual. En el teatro María Guerrero.

24 de marzoLa Celestina, de Fernando de Rojas. Con las actrices Carmen Machi y Beatriz Argüello, y el actor Israel Elejalde. Interviene el académico José Antonio Pascual. En el teatro Español.

Enlace permanente de imagen incrustada

 

31 de marzoEscrito por Teresa de Ávila. Con la actriz Julia Gutiérrez Caba y el académico Víctor García de la Concha. En el teatro María Guerrero.

Enlace permanente de imagen incrustada

 

7 de abrilEl Quijote, de Miguel de Cervantes. Con el actor Ernesto Arias y el académico Francisco Rico. En el teatro Pavón.

Enlace permanente de imagen incrustada

 

14 de abrilLa vida es sueño, de Calderón de la Barca. Con la actriz Blanca Portillo y el actor José Luis Gómez, junto a la académica Aurora Egido. En el teatro La Abadía.

Enlace permanente de imagen incrustada

 

28 de abrilDuelo de plumas: Góngora y Quevedo. Con los actores José Sacristán y Helio Pedregal, junto al académico y director de la RAE José Manuel Blecua. En el teatro Español.

5 de mayoCartas marruecas, de José Cadalso. Con el actor Pedro Casablanc y el académico Pedro Álvarez de Miranda. En el teatro La Abadía.

12 de mayoLa Regenta, de Leopoldo Alas, Clarín. Con el actor Emilio Gutiérrez Caba y la académica Carme Riera. En el teatro Pavón.

19 de mayoValle Inclán: Visión estelar de un momento de guerra. Con el académico y actor José Luis Gómez y el académico y secretario de la RAE Darío Villanueva. En el salón de actos de la Real Academia Española.

http://www.rae.es/la-institucion/iii-centenario/comicos-de-la-lengua