Amnesia, con María Hervás, dentro de la experiencia teatral teatroSOLO de Matías Umpierrez en el Teatro María Guerrero

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La verdad es que no sabía qué pensar al asistir a Amnesia, con María Hervás, en el Teatro María Guerrero. Soy tímida y mi costumbre de asistir como público devoto y teatrófilo casi siempre se limita a sentarme en la primera fila e intentar no perderme nada de lo que ocurre en el escenario. A veces, algunos actores en compañías de teatro más o menos “interactivas” han tenido la mala suerte de invitarme a que me uniera a ellos en el escenario, pero mi timidez y un terror de alta intensidad a hacer el ridículo, me ha empujado en todas esas ocasiones a rechazar esas ofertas, creo que para beneficio de las funciones correspondientes.

Semejante prólogo viene a cuento para indicar que me he resistido a esta experiencia sabiendo que iba a estar yo completamente sola con la actriz, cara a cara y sin poderme escabullir de su mirada. En este tipo de ocasiones sociales soy yo la que se puede quedar “frozen” y era lo que quería evitar.

Afortunadamente, la realidad de esta experiencia de teatro solo, o sólo teatro, con María Hervás de huésped y protagonista absoluta, o co-protagonista contigo, y en el mágico escenario del Teatro María Guerrero es mucho más fácil que todo éso y, sobre todo, ha resultado mágica en todos los sentidos. He salido del teatro prácticamente flotando y con una sonrisa de felicidad de oreja a oreja.

María, en Amnesia, es una actriz que va a hacer una prueba y te va contando, en este encuentro “fortuito”, recuerdos de su pasado, preciosos recuerdos de su formación relacionados con el teatro, que no voy a desvelar aquí porque desvirtuarían en gran parte el impacto de la experiencia. Mientras te cuenta esta preciosa historia, vas acompañando a la actriz por los pasillos y recovecos, camerinos y salones del María Guerrero, y también acabas con ella en el lugar más mágico de todos los lugares míticos que podrías soñar en pisar como teatroadicta. Y tampoco digo qué lugar es porque ya os lo podréis imaginar a estas alturas. Pero, creedme, contarlo y vivirlo son dos cosas muy distintas.

Y he alucinado una vez más con el talento de la Hervás, incluso en esta distancia ultracorta, contando esa historia y haciéndola suya, viviéndola, cara a cara con un solo espectador, yo, acostumbrada a la pasividad del público sentado entre la masa protectora. Ya la seguía desde Confesiones a Alá y Pingüinas, pero ahora ya me he hecho súperfan y espero con ansia volver a ver a María Hervás por los teatros.

No he ido a las otras experiencias del teatroSOLO aquí en Madrid, pero os invito a que disfrutéis, corrijo, viváis durante media hora en un mundo diferente, en una vida paralela y mágica.

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Localización: TEATRO MARÍA GUERRERO – Madrid

Sinopsis
¿Qué hay entre los telones de la mente? La amnesia temporal de una mujer hace emerger el sentido de su presencia en el teatro.

Performer
María Hervás
Foto

Cristobal Prado
Música

Rafael Sucheras
Meritorio de Producción

Raquel Palomero
Producción General

Mariano Piñeiro
Concepto, Dramaturgia y Dirección

Matías Umpierrez

TeatroSOLO (LONEtheater) reúne cinco piezas performáticas desarrolladas en cinco sitios específicos de Madrid para el ingreso de un solo espectador a la vez. Estas 5 locaciones mantienen un diálogo con las problemáticas emergentes de la ciudad intervenida. Por medio de esta experiencia individual, el espectador redescubre una nueva perspectiva tomando como llave de acceso distintas piezas teatrales que subsisten ocultas en medio del funcionamiento habitual de las locaciones intervenidas.
Este proyecto interventivo retoma la metodología primaria de la representación, a partir de la práctica ancestral de la transmisión de historias y mitos de generación en generación, y la reconstruye en el presente. De esta manera, logra redescubrir esta metodología liberando al teatro de sus estructuras arquetípicas. Esta herramienta quita la teatralidad de la sala y desplaza el teatro a cualquier sitio de una población. Al intérprete lo aleja de su contexto plasmado de signos artificiales, y lo ubica en el centro de la escena real del relato. Al público, lo ayuda a escapar del sometimiento habitual de la platea, de su anonimato y le da un rol activo, e individual, dentro de la puesta.

En Madrid, además de Amnesia, las otras cuatro piezas son:

Retrato
Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Una mujer decide cambiar el rumbo de su vida. Esta es la historia de alguien que inventa encontrar una salida entre los muros de un museo.

Lejos
Localización: Plaza de Lavapiés

Un joven hombre descubre la vida de una misteriosa mujer de manera fortuita. El cumplir un favor, podrá cambiar la vida de ambos.

Éxodo
Localización: Apartamento

En tan solo un año, una familia completa se resquebraja, desaparece dejando dos cuerpos perdidos en el tiempo y en el espacio.

Testigo
Localización: Metro de Madrid

Observar la vida de los otros es estimulantes, pero ¿qué sucede cuando eses historias se vuelven un reflejo de nuestra propia vida?

Algunas propuestas teatrales del #FrinjeMadrid15

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 3 y 4 de julio

Danzad malditos

En la época de la Gran Depresión, en Estados Unidos se organizaban concursos dónde parejas bailaban de manera continuada, día y noche, hasta acabar extenuados. Ganaban los que más resistían y recibían dinero en metálico. Basado en la célebre película de Sidney Pollack, esta propuesta reproduce aquellos maratones de resistencia donde los bailarines eran auténticos espectáculos de la miseria. La competición se desarrolla de manera real: cada función es un folio en blanco que se irá escribiendo con cada movimiento de sus participantes. DANZAD MALDITOS TEXTOFélix Estaire DIRECCIÓNAlberto Velasco AYUDANTE DE DIRECCIÓNLuis Ulzurrún DRAMATURGIAFélix Estaire, Alberto Velasco INTERPRETACIÓNGuillermo Barrientos, Carmen Del Conte, José Luis Ferrer, Rubén Frías, Karmen Garay, Nuria López, Ignacio Mateos, Sara Párbole, Rulo Pardo, Txabi Pérez, Verónica Ronda, Ana Telenti, Sam Slade ASESORÍA DE DIRECCIÓNCarlota Ferrer ESPACIO ESCÉNICOAlessio Meloni ESPACIO SONOROMariano Marín ILUMINACIÓNDavid Picazo VESTUARIOSara Sánchez de la Morena MÚSICA ORIGINALMariano Marín FOTOGRAFÍASPablo Rodrigo DISEÑOAdrián Novoa

PROCEDENCIA MadridHORARIO 20hDURACIÓN 90 minutosDÓNDE Sala Max Aub

OTROS ENFOQUES / 3, 4 y 5 de julio

El rastro

Después de dos años, Nora García regresa a su casa para asistir al velatorio de su exmarido, muerto de un infarto. El rastro –ganador de diversos premios en su país– adapta para la escena la novela homónima de la escritora mexicana Margo Glantz. Un montaje donde conviven armónicamente pensamiento, música y aquellos recuerdos recurrentes a los que siempre volvemos.


PROCEDENCIA Argentina HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


AUTORAMargo Glantz DIRECCIÓNAlejandro Tantanian AYUDANTE DE DIRECCIÓNIgnacio Bartolone, Ernesto Donegana ADAPTACIÓNAnalía Couceyro ─con la colaboración de Alejandro Tantanian─ INTERPRETACIÓNAnalía Couceyro MÚSICA EN ESCENARafael Delgado DISEÑO GRÁFICONicolás Lodigiani DISEÑO VISUALEsquipo EL RASTRO FOTOGRAFÍASErnesto Donegana PRODUCCIÓNMónica Paixao


Info www.alejandrotantanian.com.ar

ACTUALIDAD A ESCENA / 8 y 9 de julio

I’m sitting on top of the world (Karnaval)

Adaptación escénica de la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré a cargo del dramaturgo Antonio Rojano que se centra en la detención del entonces director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, tras abusar ─supuestamente─ de una camarera en un hotel de Nueva York. Un viaje alucinatorio a través de los excesos, los pecados y los males de la sociedad contemporánea. Una polifonía de voces que examinan el poder y el éxito como motores destructivos del hombre. Propuesta ganadora del Taller de técnicas audiovisuales en las narrativas contemporáneas impartido por Juan Francisco Ferré en el marco de Fringe14.

PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 45 minutos DÓNDE Plató Cineteca

TEXTO Juan Francisco Ferré, Antonio Rojano DIRECCIÓN Víctor Velasco AYUDANTE DIRECCIÓN Óscar Nieto INTERPRETACIÓN Mona Martínez, Alfonso Torregrosa ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO E ILUMINACIÓN Juan Sebastián Domínguez

OTROS ENFOQUES / 11 y 12 de julio

Desde aquí veo sucia la plaza

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Club Caníbal

En junio hay dos cosas que no fallan en Villanueva de la Faca: el calor y el lanzamiento de la cabra del campanario. Sin embargo, este año el gobierno, forzado por la Unión Europea, ha decidido prohibirlo en contra de los deseos del alcalde y de su pueblo. ¿Por qué lo que antes se veía como una tradición ahora es considerado barbarie? Club Caníbal desarrolla un humor negro neorrealista, absurdo y surreal enla primera obra que integra su trilogía Crónicas Ibéricas: una crítica descarnada de la idiosincrasia española.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 65 minutos DÓNDE Plató Cineteca

DIRECCIÓNChiqui Carabante INTERPRETACIÓNFont García, Vito Sanz, Juan Vinuesa ESPACIO ESCÉNICO Y FIGURINESSalvador Carabante MÚSICAPablo Peña

OTROS ENFOQUES / 14 y 15 de julio

La mujer del monstruo

Salva Bolta pone en escena los textos surgidos del taller impartido en el marco del festival por el dramaturgo Alberto Conejero. La mujer del monstruo explora la estrecha relación que existe entre el amor y el horror a través de la figura de cinco mujeres –Nadezhda Allilúyeva, Magda Goebbels, Margherita Sarfatti, Carmen Polo y Elena Ceaucescu– que mantuvieron relaciones sentimentales con criminales de guerra y dictadores del siglo XX.

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PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21 y 23h DURACIÓN 80 minutos DÓNDE Sala Hormigón

DIRECCIÓNSalva Bolta COORDINACIÓN DRAMATÚRGICAAlberto Conejero TEXTOS: Paola Iwasaki, Nieves Rodríguez, Sergio Martínez Vila, Carlos G. Otero, Xabier L. Askasibar. CON: Eva Rufo, Amparo Vega-León, Ana Wagener, Natalie Pinot, Isabelle Stoffel

ACTUALIDAD A ESCENA

SHOOT/GET TREASURE/REPEAT SHOOT/GET TREASURE/REPEAT

7, 8, 9 y 10 de julio
Shoot/ Get Treasure/ Repeat es un ciclo épico de teatro político que explora las consecuencias de los atentados del 11S, el 11M y el 7J en la sociedad actual: la primera guerra global entre Oriente y Occidente. NUDUS teatro presenta 14 piezas cortas y ofrece a cada espectador la posibilidad de configurar su propio recorrido eligiendo qué pieza ver y en qué orden, al ocupar diferentes espacios de manera simultánea durante los cuatro días del ciclo. ¿Libertad, Democracia, Verdad?
FICHA
Texto: Mark Ravenhill Dirección: Carlos Tuñón Ayte. Dirección / Dramaturgista: Luis Sorolla Traducción: Luis Sorolla y Viveka Rytzner Espacio Escénico / Iluminación: Antonio Jiménez Indumentaria: Paola de Diego
Asesoría Musical: Paula Iwasaki Regiduría Técnica: Javier de Pascual y Juan Antonio Rodríguez Montaje Audiovisual: Carlos Gorbe Fotografía: Álex Larumbe Diseño Gráfico: Vallivana Gallart
Compañía: NUDUS Teatro
Reparto: Irene Domínguez, Carlos Gorbe, Alejandro Pau, Kev de la Rosa, Viveka Rytzner, Nacho Sánchez

CREACIÓN / 9 y 10 de julio

Shell

Projecte NISU

Palabra e imagen se combinan en una dramaturgia potente que nos habla del mundo contemporáneo utilizando una narrativa fragmentada y repetitiva. El premio Adrià Gual del Institut del Teatre 2013 lleva el mito de Sísifo al área de descanso de una autopista. La vida os pasará ante los ojos si os sentáis en el banco de un área de descanso. O, cuando menos, fragmentos de vidas que posiblemente se repitan una y otra vez en una especie de suplicio mítico que, a veces, ni siquiera seréis capaces de percibir. Porque las vidas, las pasiones o los sentimientos parecen personales y exclusivos, pero quizá no son más que repeticiones o nuevas versiones de vidas, pasiones o sentimientos que alguien ya ha vivido o experimentado anteriormente y que se repiten una y otra vez hasta el infinito. En Shell, estas repeticiones tienen como escenario lo que el antropólogo francés Marc Augé definía como un «no lugar», uno de esos espacios sin importancia en sí mismos que se definen solo por el uso que se hace de ellos. Por ejemplo, la habitación de un hotel o el área de descanso de una autopista, que puede convertirse perfectamente en un infierno contemporáneo donde unos personajes que han perdido la identidad están condenados a repetir fragmentos de vidas.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 20h PRECIO 12€ DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


CONCEPTO, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓNAlbert Boronat, Nicolas Chevallier INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Nicolás Carbajal, Guillem Gefaell, David Menéndez, Albert Pérez Hidalgo, Xavier Torra, Sergi Torrecilla ESPACIO ESCÉNICO, VESTUARIO Y ATREZZOMargherita Mantovani ILUMINACIÓNQuico Gutiérrez SONIDOLucas Ariel Vallejo DISEÑO DE VIDEOAlfonso Ferri CO-PRODUCCIÓNGrec 2014 Festival de Barcelona y Projecte NISU


INFO projectenisu.com

PAÍS

10 y 11 de julio
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Tomás se encuentra en una edad peligrosa, tiene un trabajo peligroso y vive en un país peligroso para desempeñar su trabajo. Tomás tiene 45 años, es actor y vive en España. ¿Cuánto va a tardar Tomás en asumir su realidad? Acaba de ser contratado para participar en la obra de Ibsen Cuando despertemos los muertos, su mujer se ha ido a Berlín, su socio a California y su padre a Galicia. ¿Y si Tomás, muerto, se despierta?
FICHA
Texto y dirección: Fefa Noia Inspirada en Cuando despertemos los muertos, de Henrik Ibsen Interpretación: David Luque Espacio escénico: Monica Boromello Iluminación: José Manuel Guerra, Pedro Yagüe Sonido: Javier Almela Vestuario: Alejandro Andújar, Ana López Fotografía: Jorge Yeregui Producción: Los Lunes

CUERPOS EN MOVIMIENTO / 11 y 12 de julio

Potted

La Trócola

Una propuesta original y ambiciosa que surge de la investigación –mediante técnicas circenses– del espacio, los objetos, las estructuras y el ritmo. Su intención es poner en crisis el sentido del objeto para llegar a su esencia y buscar los puntos comunes entre la armonía y el caos, lo estático y lo dinámico, los límites del objeto y las personas.


PROCEDENCIA Alicante HORARIO 20h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Sala Max Aub


DIRECCIÓN ARTÍSTICA Lucas EscobedoDIRECCIÓN TÉCNICA ACROBÁTICAAntonio Segura, Vitaly Motouzka ACRÓBATASFederico Menini, Andrea Pérez Bejarano, Jon Sádaba San Martín MALABARISTASFederico Menini, Guillem Fluixa i Marti


Info www.latrocola.com _STR6595-2

CREACIÓN / 15 y 16 de julio

DÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Le Théâtre du Balèti

Cuatro años después de que se fundase Le Théâtre du Balèti, este colectivo dirigido por Maxime Franzetti ha conseguido que sus irreverentes propuestas sean imprescindibles para conocer la renovación de la escena europea. Le Théâtre du Balètiha llevado a cabo la utopía de dedicarse a la creación colectiva sin sacrificar el tiempo necesario para la búsqueda personal.

Además de presentar diferentes perfomances, el año pasado presentaron en Fringe14Amor Fati y este año, después de pasar por el Festival Impatience, el Be Festival y el Festival de Almada, vienen a Frinje15 los días 15 y 16 de julio para presentarDÈVORATION (con amor o con odio, pero siempre con violencia)

Expuestos entre las paredes esterilizadas de una caja blanca, once actores observan las relaciones que se crean entre ellos animados por una voluntad antropófaga de poder. A medio camino entre la realidad contemporánea y los mitos fundacionales, el nuevo espectáculo de Le Théâtre du Balèti confronta depredadores y víctimas, interroga la voracidad en su relación con el Otro y pone a prueba la famosa hipótesis de Cesare Pavese: con amor o con odio, pero siempre con violencia. Espectáculo en francés con sobretítulos en castellano.


PROCEDENCIA Francia
DURACIÓN 150 minutos
DÓNDE Sala Fernando Arrabal 1.1


CREACIÓN COLECTIVA CONCEBIDA Y DIRIGIDA POR Maxime Franzetti

INTERPRETACIÓN Y TEXTOSElise Arpentinier, Clémence Boucon, Florence Colbeau-Justin, Moïra Dalant, Maxime Franzetti, Dylan Ferreux, Martin Jaspar, Chloé Lavalette, Charles Meillat, Maya Outmizguine, Camille Voyenne
ILUMINACIÓNMaxime Franzetti
ESPACIO ESCÉNICOThéâtre du Balèti
TÉCNICA Gaëtan Thierry, Mathieu Genevois

INFO www.theatredubaleti.com

OTROS ENFOQUES / 18 y 19 de julio

Calderón cadáver

LaPita TEATRO y Escénate

CALDERON-CADAVERweb

Un cadáver exquisito a partir de La vida es sueño. Ocho dramaturgos, ganadores del Premio Calderón de la Barca, se han enfrentado a lo irracional y al libre albedrío del texto de Calderón para establecer un diálogo entre los siglos XVII y XXI.


PROCEDENCIA Madrid HORARIO 21:30h DURACIÓN 90 minutos DÓNDE Sala Max Aub

TEXTO A PARTIR DE LA VIDA ES SUEÑO DE CALDERÓNCarolina África, Zo Brinviyer, Blanca Doménech, Mar Gómez González, Víctor Iriarte, Emiliano Pastor, Antonio Rojano, Javier Vicedo Alós DIRECCIÓNErnesto Arias DIRECCIÓNMaría Moral INTERPRETACIÓNElena Tur, Paco Gámez ESPACIO ESCÉNICO Y VESTUARIOCarmen Abarca ILUMINACIÓNJorge Kent IMAGENEsther Gámez, Olga Iañez MÚSICAOlga Blanco

CREACIÓN / 18 y 19 de julio

Locus Amoenus

Atresbandes

LOCUS AMOENUS, etimológicamente “lugar idílico” o “lugar ameno”. Se trata de un tópico literario latino para referirse a un lugar idealizado de seguridad y confort. La pieza presenta una pequeña ficción en la que dos hombres y una mujer coinciden en el vagón de un tren con un destino incierto. Inspirada en el relato El Túnel de Friedrich Dürrenmatt y en la película Europa de Lars Von Trier, esta situación sirve de vehículo para poner en relieve los paraísos prometidos que ha tenido nuestra generación y, en consecuencia, sus contradicciones. El final siempre es trágico. Y, en muchas ocasiones, inesperado. No hay manera de predecir su llegada. Ninguna señal divina, ningún indicio. Se termina y punto. Y durante la espera una sucesión de paisajes que soñamos transformar en paraísos. Y el humano deseo de querer llegar a algún lugar. Y el humano deseo de querer llegar más lejos, hasta convertir en permanente el estado de tránsito. Durante este estado se suceden una serie de conversaciones y deseos, intentos de entender y hacerse entender dentro de una extraña arquitectura del día a día en la que el “carpe diem” de Horacio queda relegado a una valla publicitaria.


PROCEDENCIA Barcelona HORARIO 22h DURACIÓN 60 minutos DÓNDE Plató Cineteca


CREACIÓN E INTERPRETACIÓNMònica Almirall, Albert Pérez Hidalgo, Miquel SegoviaILUMINACIÓNAlberto Rodríguez SONIDOJoan Solé PRODUCCIÓNNúria Segovia, Sarah-Jane Watkinson CO-PRODUCCIÓN DEFestival TNT–Terrassa Noves Tendències / CAET, ATRESBANDES, Vesc S.L. y Departament de Cultura (ICEC) PROYECTO EN RESIDENCIA ENCC Can Felipa, CC Navas, Espai Maragall i MAC Birmingham con el soporte de Be Festival


INFOwww.atresbandes.com

AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS AÑICOS. LAS MALAS INFLUENCIAS

23 y 24 de julio
Los Martínez intentan recuperarse del inesperado golpe asestado en su seno familiar. Pero sus vidas han quedado convertidas en añicos. Ahora el fantasma de aquello que les diezmó y creían alejado, irrumpe de nuevo en su propia casa. Añicos es un thriller claustrofóbico orquestado por cuatro personajes basado en el texto inédito del dramaturgo madrileño Carlos Be
Texto: Carlos Be Dirección: Pablo Martínez Bravo
Ayudante de dirección: Raúl Prados
Director de arte: Pier Paolo Álvaro

Con: Raquel Pérez, David González, Carlos López y Sara Moraleda .

Donde hay agravios no hay celos, de Rojas Zorrilla por la CNTC en el Festival de Almagro

Francisco de Rojas Zorrilla (Toledo, 1607 – Madrid, 1648), considerado como un seguidor de Calderón, fue el gran innovador de la comedia de figurón. Escribió en colaboración con autores como Vélez de Guevara, Luis Belmonte, Calderón y otros. Su obra presenta singularidades temáticas poco frecuentes en su tiempo, como el papel que desempeña la mujer como vindicadora de su propio honor (Cada cual lo que le toca). Escribió comedias mitológicas (Progne y FilomenaLos encantos de Medea), de santos (La vida en el ataúdLos trabajos de Tobías), históricas (Santa Isabel de Portugal) y de costumbres (Obligados y defendidos, Donde hay agravios no hay celos) y dramas de honor (Del rey abajo, ninguno). Sus comedias de figurón (Entre bobos anda el juego), caracterizadas por una trama compleja y por la profundidad psicológica con que trata a sus protagonistas o figurones, alcanzaron una enorme difusión.

Participó en academias y concurrió a certámenes poéticos, cuya parte satírica, denominada “vejamen”, provocaba frecuentes y vivas discusiones entre los escritores participantes; a consecuencia de uno de estos litigios, Rojas Zorrilla fue agredido y herido gravemente en 1638. Su muerte no debió de ser natural y, aunque no hay pruebas de ello, se contempla la posibilidad de que sufriera una muerte violenta, víctima de alguna enconada envidia proveniente de sectores enemigos del teatro.

Rojas destacó en dos géneros dramáticos: el de la tragedia y el de la comedia de “gracioso”, singularmente en la de carácter cómico. Américo Castro ha indicado como esencial en el drama de Rojas la importancia concedida a la mujer, que venga su propio honor (A cada cual lo que le tocaProgne y FilomenaLa traición busca el castigo e incluso Entre bobos anda el juego), o, por lo menos, tiene conciencia de su propio valor (Peligrar en los remediosLos bandos de Verona o Donde hay agravios no hay celos).

El extremismo barroco en el empleo de estos motivos se observa asimismo en el relieve que el autor concede en otros géneros a la comicidad o al ingenio. A Francisco de Rojas Zorrilla se le considera creador de la “comedia de figurón”, una variante de la comedia de carácter en la que se representa a un protagonista con algún vicio especialmente acusado.

La obra de Rojas se considera, en sus dos vertientes, cómica y dramática, como un avance importante en la mejora formal de la antigua comedia, a lo que hay que sumar la ampliación de la intensificación emocional de las situaciones trágicas, para las que siempre buscaba la innovación en el tratamiento y la originalidad en las resoluciones. Es notorio asimismo que sus comedias de costumbres contienen una capacidad humorística más compleja y honda que la de la mayoría de sus colegas, por el simple hecho de que su exposición de las idiosincrasias humanas está más cerca de la realidad y, por tanto, es más creíble y jocosa. El estilo de Rojas ofrece las mismas características que el de Calderón de la Barca, o sea un lenguaje culterano y conceptista con un lirismo y una construcción que modera el ímpetu de la acción con su despliegue retórico.


Francisco de Rojas Zorrilla

Aunque normalmente no lo hago, me he permitido empezar esta crónica de mi última visita al Festival de Almagro incluyendo una reseña biográfica de Francisco de Rojas Zorrilla, confesando a la vez mi ignorancia casi absoluta de su vida y su obra.

Fernando Sansegundo, autor de la versión, ha dicho en varias entrevistas que ha intentando que el público actual pueda sentir lo mismo que sentía el público del siglo XVII al ver la obra y que, para ello, ha tenido que “picar” en muchas escenas. Desde luego, su versión llega limpia y clara a nuestros oídos actuales, muy poco acostumbrados ya al verso.

Helena Pimenta ha dicho también que es una obra de segundas oportunidades, en la que muchos de sus protagonistas (al menos, los nobles) empiezan con un problemón muy gordo (y tan gordos, asesinatos y pérdidas del honor femenino que, en aquella época, era condenar a una mujer a la peor de las suertes).

Es una función eminentemente coral en donde prácticamente ninguno de los actores tiene un papel protagonista y todos, incluyendo los criados, tienen su propia historia que vivir y contar. Esto se refleja ya desde el principio, donde todos los intérpretes, incluyendo el acordeonista, Vadzim Yukhnevich, se unen en un precioso coro cantando una canción iluminados bellamente por la siempre mágica luz de Gómez Cornejo.

La función entera está llena de preciosas escenas, y los famosos y numerosos apartes están resueltos muy sabiamente, hasta con coreografía, cuya autora es Nuria Castejón.

Muchos son los temas que toca esta obra de Rojas Zorrilla, bajo la aparentemente inocente etiqueta de “comedia de enredos”: el honor, el amor, los celos, el libre albedrío, la inmovilidad social, la sexualidad femenina, e incluso el poder de la imagen, ya que casi todo el enredo que se organiza es consecuencia de que Don Lope llega a Madrid dispuesto a conquistar a Doña Inés, de la que lo único que ha visto es un retrato, y su criado, Sancho, se equivoca y manda su propio retrato en lugar del de su señor.

De esta forma, Rojas Zorrilla es, al mismo tiempo, un precursor del feminismo, y hasta de la “lucha de clases” o, al menos, del reflejo de la imposibilidad de la época de cambiar de situación social, aunque los criados actúen y sean más sabios que sus amos.

Creo que es a Miguel del Arco al que le he oído decir que para ser un buen director de teatro una de las cosas más importantes es saber elegir a los actores con los que trabajas. Con Helena Pimenta tengo que darle toda la razón, puesto que he visto en acción las decisiones actorales y artísticas que ha tomado en las tres obras que ha dirigido al frente de la CNTC y, a mi entender, no ha tenido más que felices aciertos.

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Esta vez han sido tres los actores invitados a unirse a la CNTC: Clara Sanchis, Jesús Noguero y Natalia Millán. A los tres los conocía de verles en anteriores ocasiones en teatro y, en todos los casos, no ha podido ser más opuesto lo que he visto al tono de comedia de Donde hay agravios no hay celos. A Jesús Noguero le vi como Kafka enamorado, en un papel sobrio y contenido que contrasta con el loco, impetuoso y gracioso Don Juan de Alvarado, aunque caballero de su época, al fin y al cabo, y por lo tanto, constreñido por el honor. De Clara Sanchis el último papel en la que la he visto actuar fue el de Teresa de Ávila en La lengua en pedazos de Juan Mayorga y en este registro de comedia está precisa y sutil, reclamando a su padre su derecho a la elección de marido, mientras rechaza por todos los medios el asedio al que se ve sometida por su primo Don Lope. Y a Natalia Millán, la pude ver en Cinco horas con Mario, y aquí está soberbia como doña Ana, hermana del protagonista, especialmente en el relato de sus desdichas amorosas, su deshonra y la tragedia familiar, pero también en el resto de las situaciones cómicas  y más dramáticas de todo el enredo posterior.

Tras la escena inicial del coro formado por todos los actores más el acordeonista, ya salen en la primera escena Don Juan y su criado Sancho, interpretado por un viejo conocido ya de Almagro y de la CNTC, David Lorente, que es aparecer y causar las carcajadas del público de forma inmediata. Desde luego, Lorente es, con razón, uno de nuestros grandes cómicos.

Fernando Sansegundo, además de la versión, actúa en el papel de Don Fernando de Rojas, padre de Doña Inés, que, como dice durante la representación, el de dar consejos a su edad es el único trabajo que le queda, aunque en la mayoría de los casos y de forma irónica, se limita a escuchar las cuitas de los otros personajes que llegan a sus propias conclusiones y soluciones, por sus propios medios, mediante el simple planteamiento de esos problemas. Desde luego, no es el padre más estricto de la literatura dramática y se deja engañar por la criada, manipular y se inhibe en el duelo entre Don Lope, su propio sobrino, y Don Juan, en una memorable escena.

De Marta Poveda, que aquí tiene el papel de la criada Beatriz, metomentodo, alcahueta, pizpireta y terriblemente sensual, un personaje que, incluso cuando no tiene texto, está en escena observando todo lo que ocurre e interaccionando con uno u otro de los personajes. Ya me he extendido sobre esta actriz en varias entradas anteriores en este blog, pero con este papel me refrendo en mi opinión de que está destinada a ser una de las grandes de nuestro teatro, en todos los registros, dramáticos y cómicos.

Los soliloquios tradicionalmente correspondían a los señores porque contenían reflexiones profundas y manifestaban sentimientos elevados. En muchos casos se recurría a esta forma para plantear cuestiones filosóficas (por ejemplo, el célebre monólogo de Segismundo en La vida es sueño). Rojas transgrede las convenciones genéricas y pone en boca del criado una profunda y crítica reflexión acerca del honor y los duelos. Si bien está presente el humor, es un pensamiento moderno para la época que relativiza ciertas cuestiones apelando al sentido común y al valor de la vida. En esta obra se respeta la adecuación de la métrica a la temática, situación y personaje. Sólo es atípica la presencia de estos soliloquios puestos en boca de criados: el segundo es el arriesgado y magníficamente interpretado por Marta Poveda como Beatriz, cargado de sensualidad en una escena memorable que empieza:

Yo solamente no tengo

A quien le cuente mis males

Pues vaya de soliloquio,

Que en cuantas comedias se hacen

No he visto que las criadas

Lleguen a soliloquiarse

Momento de la representación 'Donde hay agravios no hay celos'

Rafa Castejón interpreta en esta ocasión a uno de los personajes más antipáticos, el del seductor Don Lope, que no para en sus empeños por conseguir a la mujer que le apetezca en cada momento, causándoles la deshonra e, incluso, llegando a asesinar a su mejor amigo, aunque fuera por error. Deshonra a Doña Ana, que se enamora de él, y mata a su hermano menor, mientras intenta conseguir por todos los medios el amor de Doña Inés, que es su prima, y a la que pretende Don Juan. Todos estos enredos causan varios encontronazos verbales y físicos entre ambos, resueltos en preciosas escenas de esgrima (Jesús Esperanza) y lucha (Kike Inchausti) bellamente coreografiadas. Óscar Zafra interpreta a su criado Bernardo, que le saca de apuros en más de una ocasión, y le reprocha con mucho sentido común y sabiduría su comportamiento.

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Todos estos enredos que han podido acabar en varios momentos de la obra en tragedia y uno o varios de sus protagonistas haber acabado de forma violenta (como parece que acabó su propio autor) se resuelven felizmente en una triple boda y en un coro catárquico, al estilo da capo.

Esta vez, y a diferencia de las obras anteriores de la CNTC dirigidas por Helena Pimenta, La vida es sueño y La verdad sospechosa, la función no me ha evocado visualmente otras artes plásticas (la primera, a varios cuadros de Velázquez y la segunda a películas expresionistas), sino que mi imaginación y mis ojos veían teatro y puro teatro, con una acción trepidante en la que no se bajaba el ritmo en ningún momento.

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Han pasado ya unos cuantos días desde que vi la función a la fresca bajo el cielo estrellado de Almagro y todavía sigo pensando en los muchos temas, imágenes y reflexiones que esta “comedia” me ha causado. Son funciones así las que hacen que hacen que crezca la afición al teatro en las nuevas generaciones. El día que fui, un domingo, el Hospital de San Juan estaba lleno, con público de todas las edades aplaudiendo y divirtiéndose a rabiar. ¡Enhorabuena y gracias otra vez a Helena Pimenta y a la CNTC! Iba a añadir un ¡Viva el teatro! y, como no he podido contenerme, aquí lo dejo.

Algunas críticas aparecidas en prensa:

Almagro y el esclavo de su afrenta, por Javier Vallejo en El País

«Donde hay agravios no hay celos» en Almagro. Julio Bravo en su blog Una Butaca con Vistas.

Originalidad, talento y mucho trabajo: Pimenta y la CNTC enredan y atrapan. Mercedes Camacho en Lanza Digital

La risa contra viento y marea, por Esther Alvarado en El Mundo

 

 

 

 

En junio seguimos con la racha de buen teatro en Madrid

Tras el mes de mayo, en la que la ya abundante programación habitual de las salas estuvo acompañada de las propuestas del Surge Madrid, el mes de junio se presenta algo más tranquilo,  a la espera de que el Fringe Madrid y los festivales de teatro del verano como Almagro, Mérida, Olmedo y Alcalá puedan también agobiarnos un poco en julio.

Dentro del Festival de Otoño a Primavera, hay dos propuestas muy interesantes: en el Teatro de la AbadíaLebensraum (Espacio vital), del 5 al 8 de junio. Dirección: Jakop Ahlbom y Producción: Jakop Ahlbom Theater.  “Ves ocurrir cosas en el escenario que en la realidad no pueden ocurrir”. Una cama-piano y una librería-frigorífico. Un delirio de saltos, caídas y golpes, un juego vertiginoso de puertas que se abren, se cierran y giran… como en una película de Buster Keaton. Se trata de un espectáculo teatral inspirado en la tradición del slapstick, traída a nuestros días, lleno de ingenio, dinamismo y humor. Lebensraum (Espacio vital) muestra la historia de dos hombres que conviven en un espacio reducido y deciden incorporar a su mundo a una criada mecánica. Pero el robot adquiere vida propia, de modo que la confusión y la tensión van en aumento. El artista sueco afincado en Amsterdam Jakop Ahlbom ha desarrollado su propio lenguaje escénico sin palabras, en el que se juntan el teatro gestual, el amplio abanico del movimiento entre danza y acrobacia, la música en directo, el teatro de objetos y el  ilusionismo. Una “clownerie” surrealista, que está recorriendo Europa entera. Con Lebensraum (Espacio vital), teatro y mimo se dan la mano en un refinado slapstick basado en el movimiento y en el tempo físico del cine mudo. A través de la mímica, el ejercicio físico y la magia, los intérpretes logran conquistar a la audiencia con impresionantes acrobacias ejecutadas sobre el escenario y fuera de él. El estreno absoluto de la obra tuvo lugar el 23 de marzo de 2012 en Toneelschuur, Harlem (Holanda).

Y en la Sala Cuarta Pared, el colectivo belga tg Stan presenta Trahisons, de Harold Pinter. El colectivo belga tg STAN (que apuntala su filosofía teatral en el actor, la huida de los dogmas y el compromiso social)  regresa a Cuarta Pared, donde ya presentaron su inolvidable The monkey trial en el FOP de 2008. En esta ocasión presentan Traición, una de las piezas más celebradas del Nobel de Literatura Harold Pinter.

“Nuestra puesta en escena es simple y directa. Por supuesto, al no estar dispuestos a interpretar la pieza de una forma realista, hemos tenido que examinar a fondo cómo hacer frente a las situaciones realistas de la obra.” comenta el actor y miembro fundador de la compañía Frank Vercruyssen.

En los Teatros del Canal, y también dentro del Festival de Otoño, la esperada colaboración entre Israel Galván y Akram Khan, TOROBAKA, los días 27, 28 y 29 de junio de 2014. Israel Galván y Akram Khan se reúnen por primera vez para aproximar sus mundos, tal vez distantes geográficamente pero próximos en sus universos, que aúnan tradición y vanguardia. Uno ayudará al otro con las visiones comunes de sus pasados y de sus maestros y referencias.

La Biblioteca Nacional de España en colaboración del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) ha convocado, por medio del ciclo Voz y Palabra, a algunos de nuestros mejores profesionales del teatro, para que nos expliquen cómo viven y resuelven esa relación de voz y palabra en sus trabajos. Miércoles 4 de junio. Conferencia Calderón y La vida es sueño. Del texto al escenario, a cargo de Helena Pimenta, Marta Poveda y Fernando Sansegundo, algunos de los artífices del inolvidable montaje de la cía Nacional de Teatro Clásico del que ya hemos hablado con anterioridad. Y el Lunes 9 de junio. Confedrama Oraciones de María (Guerrero), conferencia dramatizada escrita y dirigida por Ernesto Caballero e interpretada por Ester Bellver y Elena González. DSC_0088

En la Sala Tú, Instantes de Paloma Pedrero, Sandro Cordero y Néstor Villazón, dirigido por Roberto Cerdá. “Un taxista, una camarera, un escritor, un parado, una funcionaria…una mudanza, la parada de un autobús, una estación de metro, encuentros normales en lugares comunes, la necesidad de huir del aburrimiento, gritar, reír, soñar, amar ¿ vivirás ese instante?, una comedia llena de humor y de humanidad.” Con Sergio Otegui, Mélida Molina, Carlos Lorenzo y Ana Blanco.  7, 8, 14, 15, 21, 22, 28, 29 Junio 
  • Un cielo

Preso en la cárcel, Jeannot se encuentra con dos antiguos colonos del correccional donde pasó su adolescencia. Este encuentro será el desencadenante de una serie de recuerdos de la infancia de Jeannot. El director de La rendiciónSigfrid Monleón, regresa al teatro con Un cielo. El escritor francés Jean Genet pasó parte de su infancia en un correccional de menores. A través de la lectura de la obra de Genet, un programa radiofónico y de algunas entrevistas, Sigfrid Monleón construye esta pieza que reflexiona sobre el testigo y el testimonio de la palabra poética,, con Francesco Carril como protagonista único. Estará en la Sala Tú, pasada ya la vorágine del Surge Madrid, los miércoles 4, 18 y 25 de Junio.

También en la Sala Tú continúa en junio Matadero 36/39 , escrita y dirigida por Ramón Paso, que narra la historia de un grupo de militares, principalmente africanistas, curtidos en las terribles campañas de represión en Marruecos que se alzan contra el gobierno elegido por el pueblo de España.

 Matadero 36/39

Matadero 36-39 cuenta las terribles situaciones a las que se vieron sometidos millones de ciudadanos, especialmente las mujeres, durante los tres años que duró la Guerra Civil. Esta obra es, principalmente, una historia de víctimas. Víctimas que, a lo largo de todo el territorio español, sufrieron asesinatos, violaciones, robos, torturas… a manos del bando rebelde. Injusticias que, a día de hoy, aún siguen impunes. Está formado por tres escenas, “Resistencia 36”, “Depuración 38” y “Supervivencia 39”, las cuales se centran en tres momentos concretos durante el transcurso de la guerra. La acción se desarrolla en tres espacios: un centro de detención en el Sur de España, un manicomio en Oviedo y una zona de la sierra de los Pirineos. Está interpretada por Ana Azorín, Inés Kerzan, Guillermo López-Acosta, Nala Fernández y Zoraida Monje.

También a la Sala Tú vuelve El difícil Equilibrio (concierto íntimo) de Jorge Calvo.

También dentro del Festival de Otoño, pero en el Teatro Pradillo llega Amar, del director argentino Alejandro Catalán. Una propuesta de actuación cruda y real, donde todos los procedimientos espaciales, lumínicos y sonoros son ejecutados de manera manual y visible a los ojos del espectador, sin que esto atente contra la ficción de la escena. El juego actoral se desarrolla de la mano de seis intérpretes que, durante una noche, deambulan por el bosque, una pista de baile, un bar y el mar. ¿Por la vida, quizás? Amar es un malabarismo actoral y una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada.

En 2010, Amar obtuvo el Premio Florencio Sánchez al Mejor Director (Alejandro Catalán), los Premios Teatro del Mundo a la Mejor Iluminación (Matías Sendón y Alejandro Catalán) y al Diseño Sonoro y Musicalización (Bruno Luciani y Sergio Catalán). La puesta en escena de la obra en el Teatro Pradillo supondrá su estreno no sólo en España, sino también en Europa. El montaje llega a nuestras salas abalado por las calurosas críticas que ha recibido en las páginas de la prensa de su país. Así, Radar, el suplemento del diario argentino Página 12, elogiaba: “Amar es una obra para gozar de la actuación”, mientras que, por su parte, Territorio Teatral remarcaba: “El amor es sólo la excusa para desnudar miserias, puntos de vista y filosofías enfrentadas”.
Alejandro Catalán. Buenos Aires, 1971. Maestro de actores, director y creador teatral cuya práctica se centra en la capacidad específicamente actoral de generar ficción escénica. En todas sus piezas busca el protagonismo y la responsabilidad de la actuación para producir las identidades y los relatos que desea sacar a escena. Como actor, ha trabajado a las órdenes de directores como Hugo Midón, Daniel Veronese o Ricardo Bartis, entre otros. Como director, ha creado las obras Foz(2003), Solos (2005), Dos minas (2007) y Amar (2010).
En la Nave 73, Terror y miseria en el primer franquismo, de José Sanchis Sinisterra. Al acabar la Guerra Civil Española, todos y cada uno de aquellos que sobrevivieron entraron en una realidad totalmente distinta a la que había tenido hasta el momento. Se generaron dos tipos de españoles: los vencedores y los vencidos. Se instauró una nueva moral basada en los valores de unos pocos y que afectó, en mayor o menor medida, a todos. Hubo que empezar a vivir, salir adelante en un mundo distinto con un nuevo punto de partida común para todos: el terror y la miseria instaladas en la sociedad civil. Ante la necesidad de supervivencia y con este cambio en el sistema de valores, ¿Qué pasa con la ética? ¿Cómo nos afectan nuestros orígenes? ¿Qué seremos capaces de hacer? Y, sobre todo, ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar?  16 y 17 de junio.

Afortundamente y con nuevas oportunidades para verlos, también continuarán en la Nave 73 tras el Surge, Manlet, Sobre Julieta y El último vuelo de Saint-Exupery, de las que hemos hablado ya con anterioridad

En la Sala Guindalera también continúa durante todo junio, de jueves a domingo, La Bella de Amherst (Emily Dickinson) interpretado por María Pastor con Juan Pastor como director, obra de la que también hemos hablado con anterioridad. El sincerismo de Los cuatro de Düsseldorff de José Padilla, que surgió de la primera residencia creativa en El Sol de York, vuelve a la cartelera de Madrid. Estará todos los viernes de junio, en el Teatro Arlequín. En la Kubik Fabrik se ha prorrogado también las Constelaciones de Nick Payne con Inma Cuevas y Fran Calvo, los sábados.

Antes de su vuelta al Shakespeare´s The Globe, en donde Lope “debutará” como el primer dramaturgo de habla no inglesa, la compañía Rakatá/Fundación Siglo de Oro vuelve a traernos sus dos últimos montajes, El perro del hortelano y El castigo sin venganza, esta vez al Teatro La Latina del 11 al 29 de junio.

También regresa, el próximo 12 de junio, MBIG (Mc Beth International Group) a La Pensión de las Pulgas, versión de Macbeth de Shakespeare escrita y dirigida por José Martret. Esta obra estrenó e inauguró este singular espacio el pasado noviembre del 2013, y desde entonces ha tenido una gran acogida tanto del público como de la crítica. .

En el Centro Dramático Nacional, la segunda y última de los Escritos en la escena plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desarrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un director y un grupo de intérpretes durante un plazo de tiempo determinado. Esta iniciativa nos ha dejado ya un gran trabajo de José Padilla, Haz clic aquí. Esta vez el texto elegido es Boomerang de , que será interpretado por  Juan CalotJorge MachínMona MartínezPaco Ochoa y, Ana Rodriguez. Y estará del 18 al 29 de junio

El festival Una mirada diferente celebra este año su segunda edición con el objetivo declarado de mejorar la visibilidad y la inclusión de los artistas con discapacidad en la vida cultural, como parte del proyecto de la actual dirección del Centro Dramático Nacional. Para esta edición han seleccionado distintas compañías nacionales e internacionales con el fin de enriquecer la programación y mostrar la realidad de otros países en materia de arte y discapacidad. A cantora careca (La cantante calva) Crinabel Teatro (Portugal). 21 de junio  The Freak & the Showgirl Mat Fraser (Reino Unido). 21 y 22 de junio  Todo me dice algoAlteraciones/Danza Mobile (España). 26 de junio Cuerpos dejan cuerposLos Hedonistas (España). 27 de junio  L´assenza (La Ausencia)Teatro Buffo (Italia). 28 de junio Just a DancerThomas Noone Dance (España).  29 de junio 

El día 6 de junio se estrena por fin en Madrid, en el Teatro Fernán Gómez, La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, de la cía Teatro Defondo. Un musical en torno al samba y a la Bossa Nova con un cuarteto de música brasileña en directo y con nueve actores: Mar Álvarez, Nuria Benet, Juan Bey, Lola Dorado, Pablo Huetos, Ángel Ramón Jiménez, Andrés Navarro, Muriel Sánchez  y Antonio Villa .  Una comedia llena de crítica a la corrupción y al abuso de poder, basada en “La ópera de tres centavos” de Bertold Brecht y dirigido por Vanessa Martínez, una de las mayores especialistas en combinar texto y música.
Al Círculo de Bellas Artes vuelve El Banquete, del 11 al 27 de junio. 
Desde la mesa de este banquete, se lanza un paralelismo entre el amor y la comida, terrenos donde el deseo y el castigo conviven con el relato autobiográfico.  La dirección es de Sonia Sebastián y texto de María Velasco, Alberto Conejero, Anna R. Costa, Sergio Martínez Vila y Elena Lombao

Y el reparto lo componen Huichi Chiu, Miquel Insua, Aarón Lobato, Carlos Lorenzo, Natalie Pinot y Julio Rojas 

En la Pensión de las Pulgas se podrá disfrutar los lunes, martes y miércoles del debut directorial de Israel Elejalde con el gran texto de Josep M Benet i Jornet, Sótano, que cuenta con unas matizadísimas interpretaciones de Juan Codina y Víctor Clavijo. A La Pensión de las Pulgas vuelve también Un hombre con gafas de pasta, de Jordi Casanovas, 23 de junio, los lunes y martes, durante cuatro semanas, según cuenta en esta entrevista que le ha hecho Marcos Ordóñez.  En La Casa de la Portera, continúa ahora los lunes la exitosa Cerda, de Juan Mairena, y vuelve The Room, trabajando para el diablo, de May Ríos, un impresionante monólogo sobre un sicario de los carteles de la droga en México. The Zombie Company y Carlos Bé tiene en junio nada menos que tres funciones de carácter muy diferente, desde la impresionante Peceras, pasando por Elepé (ambas en La Casa de la Portera)y acabando con La Toñi Unplugged, una spin-off de Elepé en Selectos Puraenvidia. 

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En La Casa de la Portera también hay un estreno de danza, Pieles con coreografía e interpretación de Paula Quintana.

En La Puerta Estrecha, los viernes podremos seguir disfrutando de Alma Viva Teatro dirigido por César Barló interpretado por José Gonçalo Pais con el texto de Koltés, La noche justo antes de los bosques.  Los viernes, hasta el 27 de junio.

Y, por supuesto, una obra que afortunadamente continúa en cartel hasta el 22 de junio y que hay que ver, si puede ser más de una vez, es el Misántropo dirigido por Miguel del Arco en el Teatro Español. Cualquier cosa buena que oigan o lean de esta función, créanme, se queda corta. Vayan a verla y juzguen por ustedes mismos.

 

 

De “La vida es sueño” y el sueño de la vida y el teatro.

Poco puedo añadir ya que no se haya dicho antes sobre “La vida es sueño”, el montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico dirigido por Helena Pimenta que se ha repuesto durante un mes más en el Teatro Pavón durante marzo y abril. Simplemente quisiera plasmar para mi propio recreo (y el de algún despistado lector) las sensaciones, emociones y recuerdos que me ha producido el haber tenido el privilegio de haberla visto  cinco veces, tres en su primer pase en el Pavón en el 2012 y otras dos en esta última tanda.

Con esta obra, Helena Pimenta inició su andadura  como directora de la cía Teatro Clásico corriendo, además, grandes riesgos al ser “La vida es sueño” una de las obras más representadas, queridas, leídas y admiradas del repertorio dramático, no solo español, sino del universal. Se arriesgó, además, eligiendo a varios de los actores  que harían los personajes más emblemáticos; me refiero en concreto a los de Segismundo y Rosaura, interpretados por Blanca Portillo y Marta Poveda, respectivamente. En el primero de los casos, ya sabemos que el riesgo era el que una mujer interpretara a un personaje masculino; y en el segundo caso, el de escoger a una actriz que nunca antes había interpretado papeles de teatro clásico en verso (con una excepción, en sus propias palabras, la de una versión algo “gamberra” de El burlador de Sevilla en el Teatro de la Abadía). Prácticamente desde su estreno en Almagro, se ha visto que esos riesgos que corrió Helena Pimenta fueron las elecciones más apropiadas y cualquiera que haya podido asistir a este montaje lo ha podido comprobar por sí mismo.

Múltiples son los temas y los niveles de lectura en una de las más gloriosas obras de nuestra literatura dramática (si no, la mejor): la predestinación, el libre albedrío, las relaciones paterno-filiales, la cárcel del alma en el cuerpo, el tiranicidio, etc. Estos temas se ven encarnados en las figuras de estos dos personajes, ejemplos y símbolos de muchas tramas y metáforas, filosofía y teología, envuelto todo ello en uno de los textos más bellos que se pueden escuchar o leer.

Helena Pimenta ha conseguido expresar notablemente este mundo humano y filosófico de Calderón en una escenografía y una puesta en escena que ha sido ya muy bien descrita y analizada. Esta caja de colores madera clara que simbolizan a la vez la cárcel-cueva de Segismundo y el palacio del rey Basilio, su padre.  Esa escenografía junto con la siempre magistral iluminación de  Juan Gómez Cornejo, la música de la época interpretada en vivo, y ese vestuario hacen que plásticamente nos situemos en el interior de escenas de Velázquez.

Las historias de Segismundo y de Rosaura corren en paralelo y Calderón pareciera que intentara hacernos creer, o hacerse creer a sí mismo, que su encuentro pudiera ser posible; aunque supongo que esa es la perspectiva romántica que podemos tener ahora. Ambos han sido abandonados por sus padres y, como en el caso de Segismundo, dejados prácticamente en la más inhumana de las soledades, a sus propios recursos.

Hay varias escenas que, si pudiera confiar en mi memoria, se me quedarían grabadas. Pero creo, no, sé que mi memoria no es demasiado fiable, así que lo escribo y describo, sin mucho orden ni concierto.

No me voy a extender en la increíble interpretación de Blanca Portillo como Segismundo, porque ha sido ya tan alabada, con razón, que cualquier cosa que diga yo no sería más que pobre repetición de palabras y opiniones mucho más sabias. A mí no deja de asombrarme lo fácilmente que te olvidas de su persona para ver a Segismundo y todo su mundo interior, en sus soliloquios (en uno de los cuales en esta última función a la que asistí el público estalló en un aplauso espontáneo) y luego, en todas las interacciones con el mundo exterior que se le echa encima de repente, todo ese flujo de reacciones y emociones, la rabia, la soberbia, la brutalidad, el amor, la bondad, la duda, etc.

Ese primer encuentro entre Segismundo y Rosaura vestida de hombre…. ¡cómo las dos actrices son capaces de expresar en sus caras, movimientos y voces todas las emociones que para ambos personajes supone ese encuentro!

Y esas maravillosas escenas paterno-filiales entre Clotaldo (un magnífico Fernando Sansegundo) y Rosaura, ambos ignorantes de muchas cosas, primero con un Clotaldo que no sabe que su hijo es, en realidad, hija ni cual fue el agravio de Astolfo (Rafa Castejón) y en la que Rosaura ignora que Clotaldo es su padre.

Y esa otra importante, emotiva y desgarradora escena entre Rosaura y Clotaldo, en la que esta le pide que vengue su honra dando muerte a Astolfo, y él duda entre su agradecimiento a Astolfo, que le salvó la vida, y el deber hacia Rosaura.

Y ese segundo encuentro entre Rosaura y Segismundo, ya con Rosaura vestida de mujer, pero haciéndose pasar como una dama de Estrella (Pepa Pedroche). Segismundo vuelve a enamorarse de Rosaura sin reconocerla como el joven al que vio en su cárcel y Rosaura no sabe qué hacer para proteger su honra de los ataques de Segismundo, que pasa de los piropos iniciales a la más absoluta brutalidad al ver que Rosaura no cede a sus deseos. Miedo daba solo ver la cara de Blanca Portillo/Segismundo en esos momentos en el que lo único que le para de violar a Rosaura es la intervención de Clotaldo, al que casi asesina.

Otra escena que me fascina y que demuestra muy bien la astucia de Rosaura y la habilidad de Marta Poveda para mostrarla, es la del encuentro de Astolfo y Rosaura/Astrea en la que Estrella (también magníficamente interpretada por Pepa Pedroche) manda a la que cree ser Astrea a recuperar el medallón que llevaba Astolfo para identificar así cuál es el sujeto real de sus amores, que no es otro que la propia Rosaura, como sabemos. Rosaura consigue salir de este enredo muy airosamente, dejando a Astolfo completamente en ridículo.

Y desde luego ese supuesto “final feliz” ya que, a diferencia de las tragedias de Shakespeare, en donde el final suele ser sangriento, aquí nadie muere (bueno, a excepción del pobre Clarín y del criado al que Segismundo arroja por el balcón) y todos alcanzan el fin que buscaban… o más o menos. Rosaura, revelada ya públicamente su condición de hija del noble Clotaldo, recupera su honor mediante el casamiento con Astolfo.

En fin, que son innumerables las escenas que quedarán fijadas en nuestras retinas para la eternidad, desde la ya casi icónica, por figurar en el póster del montaje, de Blanca Portillo bajando con un arnés haciendo del Segismundo inconsciente que es llevado de la cárcel al palacio, haciéndosele creer que vive en un sueño, hasta el cómico hasta en su muerte accidental, David Lorente como Clarín. Sin olvidar, desde luego, al rey Basilio de Joaquín Notario y sus encuentros y desencuentros con Segismundo. Podría estar describiéndolas una por una, pero no haría más que excederme en mi propia intención inicial al escribir esto de rendir un pequeño homenaje a este montaje.

Para mí Marta Poveda ha sido en esta obra un descubrimiento. Afortunadamente, y a pesar de su veteranía sobre las tablas, Marta es todavía muy joven y si sigue eligiendo tan bien los trabajos en los que interviene y tiene suerte, creo que no me equivoco en pensar que tenemos ya a una de nuestras mejores actrices bien aposentada en nuestros teatros y con un futuro que, si hay justicia, debería serle muy sonriente. Lo espero por ella, pero sobre todo y egoístamente, para el disfrute y goce del público, porque es tan buena en los registros cómicos como en los dramáticos y así lo han visto todos los directores con los que ha trabajado y lo ha visto también Helena Pimenta. Yo he tardado en descubrirla, es verdad (creo que sólo debí verla antes en “Cruel y tierno” en el Centro Dramático), pero desde luego ya no me pienso perder nada más de lo que haga y así, deshacer el entuerto.

Fantaseando hace unos días sobre el tema, se me ocurrió pensar en un futuro montaje de “La vida es sueño” en el que todos sus intérpretes fueran actrices, al modo del muy reciente montaje de “Julius Caesar” británico, dirigido por Phillida Lloyd en el Donmar Warehouse.

Después de haber visto este montaje por quinta vez, y también asistido a la “lectura en vida” de “La vida es sueño” en el Teatro Abadía dentro del ciclo Cómicos de la Lengua organizado  por José Luis Gómez para la RAE, no me resulta muy difícil imaginarme a Blanca Portillo en el papel del rey Basilio y a Marta Poveda en el de Segismundo en ese supuesto “La vida es sueño, versión todo actrices”. Desde el punto de vista actual,  Calderón es un feminista avant la lettre y en “La vida es sueño” veía ya a las mujeres como pares de los hombres, tanto para lo bueno como para lo malo; de esa forma, Estrella es tan “malvada” y ambiciosa como lo pueda ser su primo Astolfo y, desde luego, Rosaura es tan incansable en su lucha por recuperar su honor como lo es Segismundo en vencer su destino, y mediante la prudencia y la templanza, conseguir el triunfo de la bondad.

Ojalá que una mínima parte de lo que Calderón transmite en “La vida es sueño” llegara a tocarnos un poco el corazón, aunque, por qué no, a mí me hubiera gustado que hubiera triunfado el amor… (bueno, aquí la cosa está ya degenerando).

En cualquier caso, probablemente veré más “La vida es sueño” en los escenarios, pero esta versión quedará para siempre en mi memoria. Desde luego, que quede aquí constancia de mi agradecimiento eterno a Helena Pimenta y a todo el equipo artístico y técnico de la CNTC por hacer posible esta maravilla.

La RAE, con motivo de la conmemoración de su III Centenario, pone en marcha el proyecto «Cómicos de la lengua», dirigido por el académico, actor y director teatral José Luis Gómez.

Cómicos de la lengua

En «Cómicos de la lengua» participarán doce intérpretes, dirigidos por José Luis Gómez.

La Real Academia Española (RAE), con motivo de la conmemoración de su III Centenario, pone en marcha el proyecto «Cómicos de la lengua», dirigido por el académico, actor y director teatral José Luis Gómez.

En esta iniciativa, que se celebrará del 10 de marzo al 19 de mayo próximos, participarán cinco teatros madrileños, en los que se representará un total de diez espectáculos con una duración de una hora cada uno.

En su preparación y puesta en escena intervendrán diez miembros de número de la RAE, que enmarcarán cada obra en su contexto histórico, literario y filológico, y doce actores y actrices, que darán vida a una antología de textos de clásicos españoles escritos entre los siglos xiii y xx.

José Luis Gómez define este conjunto de actuaciones, la primera de las cuales estará dedicada al Cantar de mio Cid y será interpretada por él mismo en el salón de actos de la Academia, como un ciclo de «lecturas en vida, situadas por un comentario académico».

El proyecto, cuyas entradas se pondrán a la venta próximamente, se desarrollará de acuerdo con el siguiente calendario:

10 de marzo. El Cantar de mio CidCon el académico y actor José Luis Gómez y la académica Inés Fernández-Ordóñez. En el salón de actos de la Real Academia Española.

17 de marzoEl libro del buen amor, de Juan Ruiz, el arcipreste de Hita. Con el actor Carlos Hipólito y el académico José Antonio Pascual. En el teatro María Guerrero.

24 de marzoLa Celestina, de Fernando de Rojas. Con las actrices Carmen Machi y Beatriz Argüello, y el actor Israel Elejalde. Interviene el académico José Antonio Pascual. En el teatro Español.

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31 de marzoEscrito por Teresa de Ávila. Con la actriz Julia Gutiérrez Caba y el académico Víctor García de la Concha. En el teatro María Guerrero.

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7 de abrilEl Quijote, de Miguel de Cervantes. Con el actor Ernesto Arias y el académico Francisco Rico. En el teatro Pavón.

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14 de abrilLa vida es sueño, de Calderón de la Barca. Con la actriz Blanca Portillo y el actor José Luis Gómez, junto a la académica Aurora Egido. En el teatro La Abadía.

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28 de abrilDuelo de plumas: Góngora y Quevedo. Con los actores José Sacristán y Helio Pedregal, junto al académico y director de la RAE José Manuel Blecua. En el teatro Español.

5 de mayoCartas marruecas, de José Cadalso. Con el actor Pedro Casablanc y el académico Pedro Álvarez de Miranda. En el teatro La Abadía.

12 de mayoLa Regenta, de Leopoldo Alas, Clarín. Con el actor Emilio Gutiérrez Caba y la académica Carme Riera. En el teatro Pavón.

19 de mayoValle Inclán: Visión estelar de un momento de guerra. Con el académico y actor José Luis Gómez y el académico y secretario de la RAE Darío Villanueva. En el salón de actos de la Real Academia Española.

http://www.rae.es/la-institucion/iii-centenario/comicos-de-la-lengua

”La vida es sueño” en ”Escenarios de Buenos Aires” (Argentina).

Reportaje realizado durante la estancia de “La vida es sueño” de Calderón por la CNTC dirigido por Helena Pimenta en Buenos Aires.

Una pequeña muestra de los aplausos del público de Buenos Aires:

Por la entrevista que hizo Daniel Galindo a Marta Poveda y Rafa Castejón en La Sala de Radio 3, sabemos que “La vida es sueño” volverá a Madrid del 19 de marzo al 20 de abril del 2014, aunque seguimos con la incógnita de si será para reabrir el Teatro de la Comedia o en el Teatro Pavón.