Ciclo “Una Mirada al Mundo” 2015-16 en el Centro Dramático Nacional

Tras haber sido presentado en numerosos festivales internacionales entre los que destaca su presentación durante las Olimpiadas culturales con motivo de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 en el Globe de esa ciudad, por fin llega a España esta reputadísima versión del clásico shakespeariano, muy respetuosa con su espíritu tradicional y a la vez muy impregnada de la cultura oriental. Nos la presenta la compañía coreana Yohangza Theatre Company de la mano de su director Jung-Ung Yang.
Yohangza significa «viajero» y esta es la marca distintiva de la ya clásica compañía coreana fundada en 1997 que desde entonces ha estado presente en multitud de países con sus propuestas que entremezclan danza, percusión y voz. Una invitación a viajar a través del pasado y el futuro más experimental, anclados sin embargo en la más pura tradición del teatro oriental.

24 a 27 de septiembre de 2015
Teatro María Guerrero
Idioma: Coreano con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Jung-Ung Yang (Dirección), Eun-Kyu Lee (Escenografía), Yun-Jun Lee (Coreografía), Myoung-Ah Lee (Vestuario), Eun-Jung Kim (Música)

Producción Yohangza Theatre Company (Corea del Sur)

«Un grupo teatral que representa lo que ocurre hoy, aquí y ahora». Así se presenta a sí misma la joven compañía colombiana La Maldita Vanidad, nacida hace tan solo seis años en Bogotá pero que cuenta ya con un largo recorrido de presencia internacional. Presentamos la trilogía Sobre algunos asuntos de familia, formada por sus tres textos más emblemáticos escritos y dirigidos por el director artístico de la compañía, Jorge Hugo Marín. El autor intelectual indaga sobre el lado oscuro y disfuncional de la familia colombiana mientras que Los autores materiales exploran los grados de intolerancia y violencia en los que nos hemos acostumbrado a vivir. Por último, continuando su búsqueda sobre temas familiares, en Cómo quieres que te quiera, La Maldita Vanidad propone esta obra de humor negro, a partir de la celebración de los quince años de las mujeres en Colombia, construida desde el entorno colombiano del narcotráfico.

8 al 10 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
EQUIPO ARTÍSTICO

Jorge Hugo Marín (Texto y dirección)

Producción Compañía Teatral La Maldita Vanidad (Colombia)

Oskaras Koršunovas, director de OKT (Teatro Municipal de Vilna), firma esta magnífica versión de La gaviota de Chéjov, nacida del trabajo previo de laboratorio en el estudio medio vacío de OKT que la compañía lituana utiliza habitualmente como forma de experimentación teatral. Fue presentada con enorme éxito en el marco de la programación lituana del Festival Sirenos de Vilna el año 2013.

16 a 18 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Lituano, con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Oskaras Koršunovas (Dirección y escenografía), Dovile Gudaciauskaite (Vestuario), Gintaras Sodeika (Música), Aurelija Maknyte (Vídeo)

Producción Oskaras Koršunovas Theatre (OKT, Teatro Municipal de Vilna, Lituania)

La gaviota

Una mirada al mundo 2015 recupera la realización de ciclos de lecturas dramatizadas semimontadas de autores contemporáneos de diversos países. En esta ocasión con una gran ambición en cuanto a formato y selección de países participantes. En concreto serán tres los ciclos presentados, procedentes de países muy interesantes y activos en la dramaturgia contemporánea: Brasil, Grecia y Rusia. El ciclo dedicado a Rusia se enmarca en el contexto del ambicioso proyecto de intercambio con el Teatro del Arte de Moscú, denominado Por primera vez en español.

Textos: The illusions de Ivan Vyrypacv dirigida por Mikhail Rakhklin (20 y 21 de octubre), The hot line de Maxim Chertanov dirigida por Yuri Kravets (24 y 25 de octubre), Natsaha’s Dream de Yaroslava Pulinivich dirigida por Marina Brusnukina (6 y 7 de noviembre).

20 de octubre al 7 de noviembre de 2015

Sala El Mirlo Blanco (Teatro Valle-Inclán)

EQUIPO ARTÍSTICO

Mikhail Rakhklin, Yuri Kravets, Marina Brusnikina (Dirección)

Coproducción Centro Dramático Nacional y Teatro de Arte de Moscú en colaboración con AC/E y Embajada de España en Rusia

Steffano Ricci y Gianni Forte, representan lo más innovador y crítico de la nueva escena italiana. Con una sólida formación teatral y musical en los conservatorios de Arte Dramático y Música de Roma, alumnos predilectos de Luca Ronconi, Ricci e Forte formaron su equipo hace ya ocho años y se han consolidado como una de las compañías más internacionales e influyentes de Italia. Formados en la controversia berlusconiana, denuncian de manera cruda pero extremadamente bella todas las injusticias y vejaciones que, desde la «legalidad democrática», son permitidas por el poder: el miedo a la violencia, la represión por el empobrecimiento, la marginación de las minorías o el florecimiento de una cultura oficial.
Teatro eminentemente físico y performativo y visual, pero al mismo tiempo basado en textos, propios o ajenos, de una enorme riqueza literaria. La música es un elemento fundamental de sus creaciones. Sus trabajos son requeridos por los más prestigiosos festivales de Europa e imparten clases y talleres en las escuelas más reputadas.

23 a 25 de octubre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Italiano y francés, con sobretítulos en castellano.
REPARTO (por orden alfabético)
EQUIPO ARTÍSTICO

Stefano Ricci y Gianni Forte (Texto y dirección), Francesco Ghisu (Escenografía), Gianluca Falaschi (Vestuario), Marco Angelilli (Movimiento)

Producción Romaeuropa Festival e Snaporazverein en coproducción con Théâtre MC93 Bobigny/Festival Standard Ideal, CSS Teatro stabile di innovazione del FVG, Festival delle Colline Torinesi (Italia)

 

El director del Centro Dramático de Orleans, Arthur Nauzyciel nos presenta un Splendid’s en lengua inglesa en el que la obra de Genet es una sensual y espectral danza de la muerte, casi como una película de cine negro bañada de barrocas alucinaciones y fantasías homoeróticas.
Los gangsters atrincherados en el séptimo piso del lujoso hotel Splendid constituyen, en palabras del director del montaje, una especie de descendientes de los senadores romanos de Julio César, que comparten con ellos la misma melancolía, la misma elegancia y la misma fascinación por la muerte.

29 de octubre a 1 de noviembre de 2015
Teatro Valle-Inclán
Horario: de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Idioma: Inglés y francés, con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Arhur Nauzyciel (Dirección), Riccardo Hernández (Escenografía), Scott Zielinski(Iluminación), José Lévy (Vestuario), Xavier Jacquot (Espacio sonoro), Damien Jalet(Coreografía)

Producción Centre Dramatique National Orléans/Loiret/Centre (Francia)

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Tras varios años en los que el CDN ha presentado los trabajos de Declan Donnellan con compañías francesas y rusas en sus respectivos idiomas, tenemos ahora la ocasión de volver a disfrutar de Donnellan en su idioma original con su mítica compañía Cheek by Jowl, que nos presenta la tragicomedia de tintes pastoriles Winter’s Tale (Cuento de invierno). El CDN participa como coproductor en esta ambiciosa producción, como ya lo hizo en Measure for Measure (Medida por medida), la creación anterior de la compañía. Una de las grandes obras de Shakespeare, Cuento de invierno, aunque escrito en la misma época que La tempestad, rompe con todas las reglas aplicadas en esta última. Nos apartamos de la unidad de tiempo, lugar y acción para recorrer Europa y movernos de corte en corte y de país en país, de la alta tragedia a la farsa, a lo largo de un periodo de catorce años. Cuento de invierno nos habla de un rey delirante y paranoico que destruye a su familia. Pero éste es el nuevo Shakespeare, que acaba de terminar sus grandes tragedias y su dura lucha por la redención. La oscuridad inicial cede el paso a la alegría mientras el Tiempo arrastra a los personajes a una pasmosa conclusión. Hay atisbos de esperanza.

10 al 14 de febrero de 2016
Teatro María Guerrero
Idioma: Inglés con sobretítulos en castellano.
EQUIPO ARTÍSTICO

Declan Donnellan (Dirección)

Producción Cheek by Jowl en coproducción con The Barbican (Londres); Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale; Grand Théâtre de Luxembourg; Piccolo Teatro di Milano-Teatro d’Europa; Chicago Shakespeare Theater; Centro Dramático Nacional (Madrid)

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Tras el parón de agosto, septiembre y octubre vienen cargaditos de buen teatro a Madrid

Tras el parón de agosto, nos recuperaremos del mono teatral gracias a las grandes propuestas del otoño teatral madrileño, que viene cargadito, desde el ciclo Una mirada al mundo en el Centro Dramático Nacional, a Peter Brook en los Teatros del Canal, además de muchas recuperaciones de obras que o bien siguen en el circuito off, o han pasado a la nueva Sala Negra de los Teatros del Canal; así que sin mucho más prólogo, echad un vistazo a lo que se viene y empezad ya a salivar. Va sin mucho orden ni concierto.

Ciclo Una mirada al mundo del Centro Dramático Nacional, CDN

La sangre de Antígona  de José Bergamín. (Teatro María Guerrero)La ciudad de Tebas después de padecer un sitio angustioso ha visto huir por cada una de las siete puertas de sus murallas a sus sitiadores vencidos.
Pero en la victoria cayeron juntos los dos caudillos de su lucha, hermanos de una misma sangre, víctimas de un mismo destino. Para que se cumpliese en ellos la maldición paterna.
Murieron matándose: uno a manos del otro, en un solo abrazo de muerte. Su sangre se ha juntado en la tierra, pero sus cuerpos yacen separados para siempre por la voluntad de los vivos.
Érika de la Llave, Ana Isabel Esqueira, Rosenda Monteros, Arturo Beristáin, Álvaro Zúñiga, Israel Islas, Rocío Leal, Tony Marcín, Abril Mayett, Laura Padilla y Teresa Rábago. Fernando Bergamín Arniches (Versión), Ignacio García (Dirección, música y sonido).Producción de la Compañía Nacional de Teatro de México en colaboración con el Centro Dramático Nacional

Medida por medida  de William Shakespeare. (Teatro María Guerrero)

Medida por medida es una de las más grandes obras de Shakespeare. Como muchos grandes thrillers, no es pura comedia ni pura tragedia, sus cambios dramáticos de tono nos mantienen en vilo. Un gobierno corrupto, una novicia sumida en un dilema espantoso… Una ciudad asfixiante e imprevisible, policía, conventos, cárceles y burdeles. La justicia, Dios, el sexo, la muerte son los temas que se combinan en una mezcla sorprendente hasta llegar a un final extraordinario. Pero, como en los grandes thrillers, la obra plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida. E incluye escenas que figuran sin duda entre las mejores que Shakespeare haya escrito.

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Con Alexander Feklistov, Anna Khalilulina, Nicholas Kislichenko, Andrei Kuzichev, Sergei Lanbamin, Anastasia Lebedeva, Alexander Matrosov, Valery Pankov, Alexey Rakhmanov, Yury Rumyantsev, Peter Rykov, Igor Teplov, Olga Vecherik. Dirigido por Declan Donnellan.

Producción Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú y en coproducción con Centro Dramático Nacional, Barbican (Londres) y Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale

Ilíada de Homero (Teatro Valle-Inclán)Quince enormes actores llevan a escena, en clave profundamente contemporánea, la gran tragedia homérica que no es más que la tragedia del ser humano. Quince actores pertenecientes al grupo más próximo a Livathinos, que fue director de la sección de nuevas tendencias del Teatro Nacional de Grecia desde 2001 hasta 2007. Quince actores que conforman un conjunto capaz de encarnar a los más de treinta personajes presentes en la adaptación. Quince actores, en definitiva, y un director fuertemente comprometidos con la escena, con la labor actoral, con el teatro, en una situación – en su propio país– que hace aún más heroica su postura ética.
Con Argyro Ananiadou, Vasilis Andreou, Lefteris Angelakis, Dionysis Boulas, Giorgos Christodoulou, Dimitris Imellos, Nikos Kardonis, Nefeli Kouri, Gerasimos Michelis, Giannis Panagopoulos, Maria Savvidou, Christos Sougaris, Aris Troupakis, Amalia Tsekoura, Giorgos Tsiantoulas, y Manousos Klapakis (percusión).

La Ilíada del grupo de teatro de Stathis Livathinos se estrenó en coproducción con el Festival de Teatro de Atenas y Epidauro 2013

Gasoline Bill  de René Pollesch. (Teatro Valle-Inclán)Última creación de Pollesch para el Kammerspiele de Múnich redunda en estas características propias de su teatro: los grandes temas son algo del pasado; el texto es presentado como un proceso colectivo y como un mosaico sin orden aparente en el que cuatro actores en estado de gracia nos hacen transitar en clave de humor a veces desenfrenado, por todas las pequeñas obsesiones del hombre actual (y del actor actual), y que podríamos resumir en una frase del texto: «he salvado dos delfines gracias a mi voluntariado en Greenpeace, y aun así, no consigo dejar de estar triste…»
Con Katja Bürkle, Benny Claessens, Sandra Hüller, Kristof Van Boven.
Testamento  de Vickie Gendreau (Teatro Valle-Inclán)Vickie Gendreau nos sumerge en su universo loco, donde su reacción ante inminente muerte es múltiple, explosiva, auténtica. En todo su arrebato revela un fuerte deseo de vivir dando rienda suelta a todos esos locos impulsos de la existencia, propios de los últimos momentos, donde todo es todavía posible.
Con Marilyn Castonguay, Juliane Desrosiers-Lavoie, Simon Lacroix, Étienne Laforge, Hubert Lemire, Jean-Philippe Perras, Dominique Pétin, Jade-Mariuka Robitaille.
Producción Théâtre de Quat’Sous (Montreal)
Además de esta mirada internacional al teatro, en el CDN veremos también en octubre la última propuesta de Alfredo Sanzol, La calma mágica, un viaje iniciático que nos va a llevar a África, a los elefantes rosas, al amor, a la obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los manantiales de los que surge el agua de la vida. Con Sandra Ferrús, Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia, Iñaki RikarteDel 10 de octubre al 9 de noviembre.
Y también regresa al CDN el último exitazo de escritos en la escena, Haz clic aquí de José Padilla, con Pablo Béjar, Inma Cuevas, Gustavo Galindo, Nerea Moreno y Ana Vayón.

El 3 de septiembre se anunciará la nueva temporada de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, a lo mejor desde el Teatro de la Comedia, aunque ya se sabe que por lo menos la primera parte se desarrollará en el Teatro Pavón. En cualquier caso, desde el 17 de septiembre estará en cartel Donde hay agravios no hay celos, que ya tuve ocasión de disfrutar en el Festival de Almagro.

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Cliff, texto de Alberto Conejero, dirigido por Alberto Conejero y Alberto Velasco y asistencia de Pablo M Bravo, con Carlos Lorenzo en La Pensión de las Pulgas en Septiembre. Cliff indaga sobre la tiranía de la máscara y la cosificación del individuo a través de la figura de uno de los más lúcidos intérpretes de la historia del cine. Un monólogo que es en realidad polifonía; una superficie textual aparentemente narrativa que encierra una poderosa estructura dramática; un texto en el que la palabra poética emerge como sustancia teatral viva y que constituye no solo una homenaje a la figura de Clift, sino al mismo oficio del actor.

Ubu Roi, de Alfred Jarry, por Cheek by Jowl, en el Teatro María Guerrero

Reparto (por orden alfabético): Xavier Boiffier, Vincent de Bouard, Camille Cayol, Christophe Grégoire, Cécile Leterme, Sylvain Levitte.

Equipo artístico: Declan Donnellan (Dirección), Nick Ormerod (Escenografía), Michelangelo Marchese (Director asociado), Jane Gibson (Directora asociada y de movimiento), Pascal Noel (Iluminación), Davy Sladek (Compositor), Paddy Cunneen (Música adicional), Benoit Simon y Quentin Vigier (Diseño de vídeo), Angie Burns (Vestuario), Bertrand Lesca (Ayudante de direccción), Valérie Bezançon (Voz), Johan Persson (Fotos), Mar López (Diseño de Cartel)

Producción Cheek by Jowl en coproducción con el Barbican de Londres, Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale y La Comédie de Béthune-Centre Dramatique National du Nord-Pas-de-Calais

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Esta obra del joven de 23 años Alfred Jarry causó sensación cuando se estrenó en París en 1896. El problema de cómo actualizar el impacto que produjo la obra de Jarry con su retrato salvaje de un grotesco monstruo lo resuelve de forma genial Declan Donnellan en esta producción: dado que la obra comenzó como la broma de estudiante dirigida a un odiado maestro, Donnellan la escenifica como la fantasía edípica de un adolescente que, cámara en mano, se venga de sus padres y de su mundo burgués y civilizado.

Esta fresca e ingeniosa visión de la obra tiene un giro oscuramente divertido: los sucesos no tienen el punto de vista de la realidad de una tercera persona, sino que nos llegan desde la perspectiva sesgada del fantasioso adolescente. La localización, en un elegante, blanco, y adinerado salón comedor francés contemporáneo, podría ser el escenario de uno de los divertimentos de Yasmina Reza.

Durante los, quizás demasiado largos, primeros minutos del prólogo, absorbemos este entorno a través de la cámara de vídeo del hijo adolescente, amargado y aburrido,  de la familia, interpretado por Sylvain Levitte. Con su punto de vista, detallado hasta el máximo por el zoom de su cámara, vemos desde la preparación de la cena, hasta los pelos de la nariz del padre de familia, y una larga visita al cuarto de baño, incluyendo, con un toque grotesco, una estera de baño con una mancha de mierda, invisible sin la macrovisión del zoom.

El detonante de la rabia vengadora del hijo es la visión de sus padres acariciándose antes de que empiece la fiesta de la que son anfitriones. En su imaginación, su padre se convierte en Père Ubu, un loco avaricioso por el poder, su madre, en una seductora, y sus invitados se metamorfosean en figuras de autoridad cuyo destino es ser asesinados o la usurpación de su poder. La genialidad de Donnellan consiste en no dejarnos olvidar nunca el marco de la cena y, de esta forma, una hielera y un molino de pimienta se convierten en orbe y cetro; una lámpara, en corona. Esa misma estera de baño del vídeo del prólogo acaba durante la función como estola real alrededor de los hombros del padre de familia. También hay algunos saltos entre la realidad y la fantasía hilarantes, como cuando el padre comete un acto de tortura inenarrable y su mujer aparece en el salón preguntando si “alguien tiene alergia a los piñones”. Hilarante también el momento en el que el padre Ubu salta al patio de butacas preguntando si hay “financiers” entre los asistentes, para también cargárselos previo robo de sus bienes, haciéndose entender en español preguntando por “banqueros” que, por supuesto, no creo que se encontraran entre los asistentes (aunque a mí, que estoy bastante lejana de ese gremio, me acobardó su presencia por el pasillo central). Durante toda la función se mantienen esos cambios entre el murmullo de una fiesta privada burguesa ordinaria y la loca caricatura de las épicas desventuras de la pareja real. Se trata, por supuesto, de las proyecciones del hijo que se mueve por el escenario manejando los acontecimientos.

Donnellan consigue de su elenco francés maravillosas y desinhibidas actuaciones, entre los que destacan el trío familiar: Christophe Grégoire como Père Ubu se mueve desde el anfitrión benigno al sociópata; Camille Cayol,  como su fría esposa, es un paradigma de rampante sexualidad y avaricia; y Sylvain Levitte, como su hijo, no nos deja olvidar que todo lo vemos filtrado a través de su imaginación torturada de adolescente. Los saltos interpretativos de la pareja del padre y la madre, desde la civilizada y hasta cursi pareja burguesa francesa, a la desbocada lujuria y avaricia de Ubu rey y reina, te dejan clavado en la butaca queriendo más.

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La escenografía de Nick Ormerod, que incorpora el caos de un campo de batalla en un mundo de civilizado chic, refuerza el punto de que la monstruosidad asesina, como la caridad, empieza en casa. También los cambios de la realidad a la imaginación, de la civilización a la barbarie, son destacados con la iluminación que pasa del blanco níveo del burgués salón-comedor al verde de las escenas de la fantasía de la depravación de Ubu y su entorno. La función está llena de hallazgos, en donde una “minipímer” se convierte en el “arma de destrucción masiva” que Ubu utiliza para destrozar los cerebros de sus enemigos (básicamente, todo el mundo, o cualquiera que se oponga a sus intenciones de enriquecimiento y poder, banqueros y magistrados especialmente). No acabo de entender el porqué de la traducción de los sobretítulos española como “tío” y “tía” Ubu.

La obra trae ecos de tiranos asesinos de la historia y la ficción, desde Macbeth a Napoleón, sólo para dar a entender implícitamente que éstos eran modelos de responsabilidad pública en comparación con su atroz protagonista. Un zoquete, Ubu es un monarca con un cepillo de WC como cetro y un conjunto de apetitos de lavadero. Su esposa, al estilo de Lady Macbeth, lo impulsa a matar al rey de Polonia y usurpar su trono, y es, sin duda, aún peor que él. Y para colmo, ambos son el último grito del ordinario gusto burgués.

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Ubu, como prototipo, se ha utilizado, en el teatro moderno, para analizar a medio mundo, desde Idi Amin a Ceausescu, y podría parecer que la domesticación edípica de la versión de Donnellan resta importancia a esa dimensión más política o politizada, centrándose en instintos más “básicos”, entre el choque entre esos instintos que nos dominan durante la infancia hasta que la pátina de la educación y la civilización parece hacerlos desaparecer, o al menos, mantenerlos a raya.

En palabras de Donnellan: “La obra explora la viciosa violencia infantil que llevamos todos dentro y explora qué puede pasar cuando queremos cosas que no podemos tener e intentamos conseguirlas. Mediante sus acciones, Ma y Pa Ubu articulan esa violencia potencial: una violencia que emerge de esa parte de nosotros que, como seres humanos, nos conduce a buscar el poder, a veces el poder absoluto. Tendemos a ver su egoísmo y su brutalidad como algo infantil, fácilmente relegado al pasado cuando maduramos y nos volvemos civilizados. Tanto si escogemos reconocerlo como si no, esos deseos siguen existiendo en nosotros como adultos. Uno de los puntos fuertes de la obra es que nos conecta con esos instintos básicos. Cuando actuamos de una manera violenta somos peligrosos, pero somos igualmente peligrosos cuando negamos esa violencia.

Analiza cómo entendemos y promulgamos nuestro comportamiento “civilizado”. Todos queremos ser civilizados, pero ¿qué hacemos cuando nuestros sentimientos no lo son? La civilización, muchas veces, demanda que lo ignoremos o que incluso lo neguemos. Pero hay un precio a pagar por ello. Y el precio, en ocasiones, es la locura.”

En definitiva, que esperemos que estos genios, Declan Donnellan y Nick Ormerod, o Cheek by Jowl, sigan haciendo este gran teatro y que podamos disfrutarlo por aquí, en francés, inglés, ruso, o puede que algún día, también en español.