Tras el parón de agosto, septiembre y octubre vienen cargaditos de buen teatro a Madrid

Tras el parón de agosto, nos recuperaremos del mono teatral gracias a las grandes propuestas del otoño teatral madrileño, que viene cargadito, desde el ciclo Una mirada al mundo en el Centro Dramático Nacional, a Peter Brook en los Teatros del Canal, además de muchas recuperaciones de obras que o bien siguen en el circuito off, o han pasado a la nueva Sala Negra de los Teatros del Canal; así que sin mucho más prólogo, echad un vistazo a lo que se viene y empezad ya a salivar. Va sin mucho orden ni concierto.

Ciclo Una mirada al mundo del Centro Dramático Nacional, CDN

La sangre de Antígona  de José Bergamín. (Teatro María Guerrero)La ciudad de Tebas después de padecer un sitio angustioso ha visto huir por cada una de las siete puertas de sus murallas a sus sitiadores vencidos.
Pero en la victoria cayeron juntos los dos caudillos de su lucha, hermanos de una misma sangre, víctimas de un mismo destino. Para que se cumpliese en ellos la maldición paterna.
Murieron matándose: uno a manos del otro, en un solo abrazo de muerte. Su sangre se ha juntado en la tierra, pero sus cuerpos yacen separados para siempre por la voluntad de los vivos.
Érika de la Llave, Ana Isabel Esqueira, Rosenda Monteros, Arturo Beristáin, Álvaro Zúñiga, Israel Islas, Rocío Leal, Tony Marcín, Abril Mayett, Laura Padilla y Teresa Rábago. Fernando Bergamín Arniches (Versión), Ignacio García (Dirección, música y sonido).Producción de la Compañía Nacional de Teatro de México en colaboración con el Centro Dramático Nacional

Medida por medida  de William Shakespeare. (Teatro María Guerrero)

Medida por medida es una de las más grandes obras de Shakespeare. Como muchos grandes thrillers, no es pura comedia ni pura tragedia, sus cambios dramáticos de tono nos mantienen en vilo. Un gobierno corrupto, una novicia sumida en un dilema espantoso… Una ciudad asfixiante e imprevisible, policía, conventos, cárceles y burdeles. La justicia, Dios, el sexo, la muerte son los temas que se combinan en una mezcla sorprendente hasta llegar a un final extraordinario. Pero, como en los grandes thrillers, la obra plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida. E incluye escenas que figuran sin duda entre las mejores que Shakespeare haya escrito.

Enlace permanente de imagen incrustada

Con Alexander Feklistov, Anna Khalilulina, Nicholas Kislichenko, Andrei Kuzichev, Sergei Lanbamin, Anastasia Lebedeva, Alexander Matrosov, Valery Pankov, Alexey Rakhmanov, Yury Rumyantsev, Peter Rykov, Igor Teplov, Olga Vecherik. Dirigido por Declan Donnellan.

Producción Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú y en coproducción con Centro Dramático Nacional, Barbican (Londres) y Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale

Ilíada de Homero (Teatro Valle-Inclán)Quince enormes actores llevan a escena, en clave profundamente contemporánea, la gran tragedia homérica que no es más que la tragedia del ser humano. Quince actores pertenecientes al grupo más próximo a Livathinos, que fue director de la sección de nuevas tendencias del Teatro Nacional de Grecia desde 2001 hasta 2007. Quince actores que conforman un conjunto capaz de encarnar a los más de treinta personajes presentes en la adaptación. Quince actores, en definitiva, y un director fuertemente comprometidos con la escena, con la labor actoral, con el teatro, en una situación – en su propio país– que hace aún más heroica su postura ética.
Con Argyro Ananiadou, Vasilis Andreou, Lefteris Angelakis, Dionysis Boulas, Giorgos Christodoulou, Dimitris Imellos, Nikos Kardonis, Nefeli Kouri, Gerasimos Michelis, Giannis Panagopoulos, Maria Savvidou, Christos Sougaris, Aris Troupakis, Amalia Tsekoura, Giorgos Tsiantoulas, y Manousos Klapakis (percusión).

La Ilíada del grupo de teatro de Stathis Livathinos se estrenó en coproducción con el Festival de Teatro de Atenas y Epidauro 2013

Gasoline Bill  de René Pollesch. (Teatro Valle-Inclán)Última creación de Pollesch para el Kammerspiele de Múnich redunda en estas características propias de su teatro: los grandes temas son algo del pasado; el texto es presentado como un proceso colectivo y como un mosaico sin orden aparente en el que cuatro actores en estado de gracia nos hacen transitar en clave de humor a veces desenfrenado, por todas las pequeñas obsesiones del hombre actual (y del actor actual), y que podríamos resumir en una frase del texto: «he salvado dos delfines gracias a mi voluntariado en Greenpeace, y aun así, no consigo dejar de estar triste…»
Con Katja Bürkle, Benny Claessens, Sandra Hüller, Kristof Van Boven.
Testamento  de Vickie Gendreau (Teatro Valle-Inclán)Vickie Gendreau nos sumerge en su universo loco, donde su reacción ante inminente muerte es múltiple, explosiva, auténtica. En todo su arrebato revela un fuerte deseo de vivir dando rienda suelta a todos esos locos impulsos de la existencia, propios de los últimos momentos, donde todo es todavía posible.
Con Marilyn Castonguay, Juliane Desrosiers-Lavoie, Simon Lacroix, Étienne Laforge, Hubert Lemire, Jean-Philippe Perras, Dominique Pétin, Jade-Mariuka Robitaille.
Producción Théâtre de Quat’Sous (Montreal)
Además de esta mirada internacional al teatro, en el CDN veremos también en octubre la última propuesta de Alfredo Sanzol, La calma mágica, un viaje iniciático que nos va a llevar a África, a los elefantes rosas, al amor, a la obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los manantiales de los que surge el agua de la vida. Con Sandra Ferrús, Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia, Iñaki RikarteDel 10 de octubre al 9 de noviembre.
Y también regresa al CDN el último exitazo de escritos en la escena, Haz clic aquí de José Padilla, con Pablo Béjar, Inma Cuevas, Gustavo Galindo, Nerea Moreno y Ana Vayón.

El 3 de septiembre se anunciará la nueva temporada de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, a lo mejor desde el Teatro de la Comedia, aunque ya se sabe que por lo menos la primera parte se desarrollará en el Teatro Pavón. En cualquier caso, desde el 17 de septiembre estará en cartel Donde hay agravios no hay celos, que ya tuve ocasión de disfrutar en el Festival de Almagro.

10492391_899605540066653_819136847705246821_n

Cliff, texto de Alberto Conejero, dirigido por Alberto Conejero y Alberto Velasco y asistencia de Pablo M Bravo, con Carlos Lorenzo en La Pensión de las Pulgas en Septiembre. Cliff indaga sobre la tiranía de la máscara y la cosificación del individuo a través de la figura de uno de los más lúcidos intérpretes de la historia del cine. Un monólogo que es en realidad polifonía; una superficie textual aparentemente narrativa que encierra una poderosa estructura dramática; un texto en el que la palabra poética emerge como sustancia teatral viva y que constituye no solo una homenaje a la figura de Clift, sino al mismo oficio del actor.

Anuncios

Algunas propuestas teatrales del #FringeMadrid14 ordenadas cronológicamente

La ceguera no es trampolín

Legeste Teatro / Teatro / México

4, 5 y 6 de julio / 21 horas / Nave 1.1

90 minutos. Aforo: 144 personas. 8 euros

LACEGUERANOESTRAMPOLÍN

Dramaturgia y dirección: David Gaitán

Con: Anna Gesewsky, Hauke Diekamp y Peter Posniak

Escenografía e iluminación: Matías Gorlero

Vestuario: Ricardo Loyola

Diseño de sonido: Xicoténcatl Reyes

Videoarte: Claudio Durán

Producción ejecutiva y asistencia de dirección:Mariana Tejeda

Tres personas tienen pánico a tener una buena idea. Temerosos de no poder cambiar de opinión, están convencidos que la parálisis les otorgará libertad. ¿Cuánto tiempo se puede habitar un hueco antes de civilizarlo? ¿Es preferible el placer de la neutralidad ante la angustia de la responsabilidad?

Segismundo sueña

Ensamble Bufo (de Teatro de Acción Candente s.l.) / Teatro / Madrid

8 y 9 de julio / 20 horas / Nave 1.1

70 minutos. Aforo: 144 personas. 12 euros

Segismundo-Sueña_2

Dirección: Hugo Nieto

Intérpretes: Jorge Basanta, Jorge Muñoz, Félix Estaire, Diego Morales, Chete Lera

Música Original: Miguel Magdalena

Versión/Dramaturgia: Alberto Gálvez y Hugo Nieto

Versificación: Alberto Gálvez

Vestuario: Ana López

Escenografía: Israel Muñoz y Fernando Figueroa

Video Arte: Edu López, Marina Alberch

Iluminación: Chiqui Ruiz

Dirección Técnica: Chiqui Ruiz y Antonio Serrano

Producción: María Rey

Ayudante de Dirección: Álvaro Lizarrondo

Segismundo es un príncipe heredero que lleva encerrado desde su nacimiento en una caverna/nube donde el único contacto social que tiene es a través de Internet. Se le liberará y su contacto con una realidad no virtual será el reality Gran Basilio. Esto le llevará a interactuar en contra de los principios de su padre el Rey Basilio que le volverá a encerrar. Su reencierro se convertirá rápidamente en un Trending Topic mundial lo que favorecerá su liberación y posterior toma de poder.

Katiuskas, de Antonio Rojano

Actoral Lab / Clínica del montaje / Madrid

10 de julio / 20h / Sala Madera

90 minutos. Aforo: 80 personas. 5 euros.

KATIUSKAS

Dirección: Paco Montes

Intérpretes: Ana Busons, Ana López, Ana Otero, Ana Petite, Angie López, Carmen García-Rivera, Esther d’Andrea, Maia Sur y Natalia Erice.

Meses después del grave accidente en una planta química cercana, una pequeña comunidad vuelve a la normalidad. Diana ha vuelto a casa con Zurich, su hija adolescente, aunque la familia aún tiene una herida abierta. Durante el escape tóxico, el marido de Diana, bombero de profesión, participó en la evacuación de la planta química y sufrió una misteriosa intoxicación. Desde aquél fatídico día, nada volvió a ser lo mismo. Ni siquiera para el cielo, que quedó cubierto por una caprichosa nube gris que presagia lluvia pero que, al mismo tiempo, la niega.

Current location, by Toshiki Okada 

Fellswoop Theatre / Teatro, música electrónica en vivo / Reino Unido

10 y 11 de julio / 21 horas / Nave 1.2

60 minutos. Aforo: 96 personas. 10 euros

CURRENT-LOCATIONbaja

 

Tres mujeres están al borde de un acantilado mirando a su pueblo; un pueblo que pronto desaparecerá. “A veces tenemos que hacer cosas como esta”, dice una de ellas, “tenemos que caminar lejos de nuestra vida cotidiana, y mirarla desde lejos”. Usando un elenco de seis intérpretes femeninas, la obra explora cómo los rumores y el miedo al cambio inevitable quebranta familias, amigos y comunidades. Es respuesta alegórica de la compañía a los recientes desastres ecológicos.

La supervivencia de las luciérnagas

LAminimAL / Texto / Barcelona

11, 12 y 13 de julio / 20:30 horas / Sala Taller

90 minutos. Aforo: 80 personas. 10 euros

LA SUPERVIVENCIA DE LAS LUCIERNAGAS

Dramaturgia y dirección: Daniela De Vecchi

Intérpretes y músicos: Eloi Benet, Anna Berenguer, Cris Codina, Esperança Crespí, Toni Figuera, Xantal Gabarró, Andrea Hernández, Joan Martínez, Xesco Pintó y Carla Rovira

Colabora: Nuevo Teatro Fronterizo

Producción: LAminimAL Teatre Sistèmic

Participación especial: DJ Leumas

Ayudante de dirección: Marina Rojo

Espacio sistémico: Joan Fortuny

Iluminación: Ignasi Bosch

Espacio sonoro: Daniela De Vecchi

Vestuario: Marianne Benny Perron

Diseño gráfico: Carles Murillo

Fotografías: Eduard Ruezga

Jefe técnico: Ignasi Bosch

Coordinación del proyecto: Carla Rovira

Jefa de producción: Marina Rojo

Partiendo de textos de Juan Mayorga y José Sanchis Sinisterra esta propuesta reflexiona sobre cual es el momento de pasar a la acción, hasta dónde puede aguantar el ser humano y cómo funcionan sus mecanismos de supervivencia. Invita a pensar sobre el lugar del teatro en la sociedad, su inserción en la topografía real y simbólica de la ciudad y sobre el lugar que cada uno ocupa en ella. Los asistentes son conducidos por un itinerario pasando de un ambiente íntimo a un espacio que funciona como escenario de la acción y lugar de reflexión colectiva.

ULTRAinocencia

Loscorderos.sc / Teatro bastardo / Girona

12 y 13 de julio / 20 horas / Nave 1.1

60 minutos. Aforo: 144 personas. 12 euros

ULTRAINOCENCIA 1

Creación, dirección e interpretación: David Climent y Pablo Molinero

Partituras físicas: Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, loscorderos.sc.

Colaboración artística: Alessandro Sciarroni, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola

Maniobras escénicas: La Zaranda

Asistente de dirección: Leo Castro

Espacio sonoro: Pablo Rega

Diseño y construcción espacio escénico: Kike Blanco

Diseño iluminación: Cube.bz

Vestuario: Laia Muñoz Carol

Fotografía: Rojobarcelona

Management y producción: Pilar López

ULTRAinocencia indaga en el ancestral ímpetu del ser humano por buscar más allá del mundo material, por buscar lo trascendente, lo sublime, mediante las creencias, las religiones o el arte. ULTRAinocencia disecciona uno de los mecanismos más antiguos e inherentes del reino animal, los más bellos, los más terribles o los más absurdos.

Todos queremos creer en algo. Crear algo. Crear algo en lo que creer. Creer que podemos crear algo que nos haga creer. Pero no es fácil, no sólo es cuestión de voluntad.

“Entre el sí y el no, entre el bien y el mal, allá nos encontraréis”

20 de noviembre

Rayuela Producciones Teatrales / Teatro contemporáneo / Valladolid

15 y 16 de Julio / 20 horas / Nave 2

70 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

20noviembrebaja

Dramaturgia y Dirección: Nina Reglero

Intérpretes: Sebastian Bosse y Raúl Escudero

Coro de jóvenes: Álvaro Rodríguez., Alejandro Pérez, Miguel Ramírez, Miguel las Heras, Gonzalo Martínez, Gabriel González, Víctor Villazán y Santiago Blaco

Escenografía y diseño general: Carlos Nuevo.Iluminación: José Montero. Sonido: Nina Reglero.Video-creación: Carlos Nuevo. Vestuario:Rayuela. Administración: Verónica Garzón.Producción y distribución: Jacinto Gómez

http://www.rayuela.nu/

La obra 20 de noviembre de Lars Norén nos sumerge en la historia de estos jóvenes criminales, inestables, que llevan a cabo el acto más horrible: matar para gritar su desamparo. El escritor sueco ha utilizado un incidente que tuvo lugar en noviembre de 2006 en el colegio de Emsdetten, en Alemania. Sebastian Bosse abrió fuego e hirió a 37 personas antes de suicidarse. Un largo grito desde el corazón.

Tres en coma

Canódromo Abandonado y Juan Cavestany / Espectáculo multimedia / Madrid

15 y 16 de julio / 22 horas / Espacio Nave 1.1

45 minutos. Aforo: 144 personas. 8 euros

COMICO EN COMA

Un hombre en coma empieza a comunicarse con el exterior para contar chistes y se convierte en un famoso monologuista, hasta que entra en declive y su rutinas empiezan a deteriorarse progresivamente.

 

El estanque de los mártires

En shock escena / Teatro/ Madrid

15 y 16 de julio / 21:30 h / Sala Madera + Sala Hormigón

90 minutos. Aforo: 80. 12 euros

estanque de los martires

Actores: Fran Arráez y Carmen Mayordomo

Dirección y autoría: Zoilo Carrillo

Ayte. de dirección: Pablo M. Bravo

Diseño de iluminación: Jesús Antón

Diseño de vestuario: Myriam Jarillo

Producción ejecutiva: Sara Luesma y Deme Naranjo

Producción: En Shock Escena y Tinglao Producciones

Aza Kashmir y Jaco Mav, o así se hacen llamar, son snobs alimentadores de su propio ego, tienen una vivienda de ensueño, copan portadas de revistas y los excesos de la fama les han hecho olvidar formas de expresión como el afecto o la compasión. Ella, mujer todoterreno, modelo esclava de su cuerpo, éxtasis y desenfreno de todas la fiestas. Él, huraño, hacker virtuoso y misántropo abstraído en teorías conspiranoicas y ciencias ocultas. Es quimera de mitómanos y demás freaks de internet. 
La compra de unos muebles gigantes traídos de Indonesia marca la debacle de la pareja, ahogada por el capitalismo. Los muebles son sólo la primera carta del castillo de naipes que se derrumba. El sistema les da la espalda dejándoles en bancarrota, obligados a enclaustrarse en la casa y con pánico a que los paparazzi les sigan la pista. Mientras tanto, la casa comienza a florecer misteriosamente hasta mutar en una espesa arboleda. Aislados e incapaces de hablar sin herirse, la vuelta al primitivismo parece la mejor opción.

La norma de la extinción (Platónov)

Adaptación contemporánea de la primera obra de Antón Chéjov

Compañía Ignífuga / Teatro de texto / Barcelona

17 y 18 de julio / 20 horas / Sala Madera

110 minutos. Aforo: 80 personas. 8 euros

la_norma_de_la_extincion_baja

Intérpretes:  Júlia Rodón, Toni Guillemat, Cristina Arenas, Eduard Autonell, Aleix Melé, Marina Congost, Gerard Nel·lo y Pau Masaló

Dramaturgia y dirección: Pau Masaló

Espacio, iluminación y vestuario: Mireia Cardús, Mireia Celma, Alba Mcfarlane

Fotografías: Clara Visa, Irena Visa

Agradecimientos: Institut del Teatre de Barcelona, Karolina Rychlik, Carlos Gallardo

Fiesta en casa de Ana Petrovna. Entre los invitados está Platónov, quien sobrevive desorientado entre los escollos de una vida diferente a la que hubiese deseado para si mismo. Para escapar de esta desazón ironiza sobre todo y sobre todos, arrastrando a los invitados a la imprudencia. Esta versión contemporánea del clásico se centra en la dialéctica entre diversión y responsabilidad. ¿Tienen derecho los jóvenes a divertirse en un contexto de crisis? ¿Se los puede culpar de pasividad por preocuparse más del presente de sus vidas que por un futuro que llegará sin avisar?

Holy peep show

Lucido Sottile/ Performance, teatro / Cerdeña

17 y 18 de julio / 19, 20:30 horas / Perímetro nave 1

50 minutos. Aforo: 40 personas. 8 euros

IN SU CHELO SIAT

El espectáculo es una fusión de estas cuatro dimensiones: la cultura religiosa “popular” estereotipada y enclavada en la conciencia colectiva de occidente; la fábula de Pinocho de Collodi, rica en simbolismo y fuertemente ligada a los arquetipos más cercanos a la sociología actual; la reinterpretación provocativa e irreverente de los Lucido Sottile, que elige jugar con los arquetipos de los personajes de los cuentos italianos más famosos en el mundo, para conectarlos a algunas de las figuras más notables de la espiritualidad sagrada  cristiano-católica;  y, por último, la magia y el poder evocador de la lengua sarda, que manteniendo la fuerza de la tradición arcaica, encuentra en estos textos una asombrosa actualización, así como una verdadera renovación.

La costumbre de vestirse (sí, yo maté a una muñeca inflable)

Centro de Investigación Escénica del Instituto Potosino de Bellas Artes y Circuito Liquen / Teatro / México

18 y 19 de julio / 21:30 horas / Sala Hormigón

75 minutos. Aforo: 50 personas. 10 euros

LA COSTUMBRE DE VESTIRSE

Dirección y Dramaturgia: Saeed Pezeshki

Música original: MANIMAL y Vishlai Pineda

Intérpretes: Irma Hermoso Luna, Ricardo Moreno, Daniela Saldierna, Rafael Becerra, Pablo Nieto y Darío Álvarez

Estudio escénico sobre la condición del hombre respecto a la justicia que construye, através del movimiento y la palabra, el mundo interior de un condenado a muerte y el de su víctima. Así como las alegorías ylos fantasmas que habitan en el pensamiento de ambos.Un asesinato desencadena la tragedia. Nada es lo que parece.

Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar

Vaca 35 Teatro en Grupo/ Teatro contemporáneo / México

18, 19, 20, 22, 23, 24 de julio / 20 horas / Sala Taller

60 minutos. Aforo: 50 personas. 10 euros

ESE RECUERDO YA NADIE TE LO PUEDE QUITAR

Dirección: Damián Cervantes

Intérpretes: Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, Gabriela Ambriz, José Rafael Flores y Héctor Hugo de la Peña

Un grupo de personas/actores reunidas para ejecutar la rutina que desprecian y de la que, sin embargo no saben escapar. Esta es una indagación profunda sobre el tedio que nos rodea, el reflejo del alcohol, en las relaciones frustradas del cotidiano.

Los desvaríos del veraneo

Venezia Teatro / Teatro / Madrid

20 y 22 de julio / 20:30 horas / Nave 2

90 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

DESVARIOS1

Dirección: José Gómez

Escenografía y vestuario: Sara Roma

Iluminación: Marta Cofrade

Intérpretes: Antonio Lafuente, Ana Mayo, Andrés Requejo, Macarena Sanz, Helena Lanza, Vicente León, Borja Luna, Kevin de la Rosa y Juanma Navas

Dos familias vecinas en la ciudad de Livorno se preparan para ir de verano a Montenero, siendo vecinos también en su lugar de veraneo. Queda mucho por hacer: compras de última hora, preparativos para las fiestas nocturnas que tendrán lugar en las noches de verano, y un vestido nuevo que nunca llegará a aparecer… La necesidad de aparentar, de ser más que tu vecino (claro espejo de la sociedad contemporánea en la que vivimos) de ir a la última moda porque sí, son las ideas que Goldoni plasma en esta primera parte de La Trilogía del Veraneoy que conectan sin duda con la manera de vivir que nos caracteriza hoy en día.

El beso

Todas las fiestas del mañana / Teatro / México

22, 23 y 24 de julio / 19 y 22:30 horas, el jueves 24 solo a las 19 horas / Nave 1.2

105 minutos. Aforo: 27 personas. 12 euros

el beso

El beso es una pieza teatral para cinco actores y un piano que, mezclando teatro del cuerpo con grabaciones documentales, explora lo que hay detrás del insondable acto de juntar las bocas. Los actores y el público (tan sólo 25 personas) se sientan alrededor de un piano de 8 metros en una atmósfera de completa intimidad para compartir la historia, con una taza de té. Tomando como punto de partida el cuento homónimo de Anton Chéjov – que narra la historia de un oficial del ejército cuya vida es transformada al recibir un beso accidental- nos adentramos en el mundo de la milicia para explorar cómo algo tan frágil como un beso puede sobrevivir en un mundo hostil.

Waiting

Mokhallad Rasem / Teatro, performance / Irak, Bélgica

23 y 24 de julio / 20 y 21.30 horas / Nave 16

30 minutos. Aforo: 150 personas. 6 euros

WAITINGPEQUEÑO

Intérpretes: Bassim Altayeb, Lore Uyttendaele, Jessa Wildemeersch

Puede ser una interrupción, una pausa o un obstáculo para un futuro que aún no ha empezado. Esperamos por una percepción o por un bus. Hasta que el dolor disminuya. Por la palabra de un ser querido, por el papel higiénico, el dinero o una visa. Diferentes mundos chocan en silencio a través de los rastros de la danza, la performance y el cine en una meditación sobre la experiencia humana fundamental de la espera.

Cuatro Confesiones

Bárbara Santa Cruz / Teatro, instalación, performance / Madrid

23, 24, 25 y 26 de julio / 20, 20:30, 21, 21:30 horas / Callejón

15 minutos. Aforo: 4 personas. 2,5 euros

CUATROCONFESIONES CARTEL BAJA

Dirección y producción: Bárbara Santa-Cruz

Ayudante de dirección: Javier García Ballesteros

Director de fotografía-cartel: Sergio de Arrola

Arquitecto/ escenógrafo: Jorge Álvarez-Builla

Guionista y dramaturgia: Borja Cobeaga, Víctor García León, Daniel Castro y Juan Cavestany

Actores: Manuel Morón, María Morales, Jorge Suquet y Nadia de Santiago

Cuatro “Confesionarios-Cubículos” para cuatro actores con cuatro historias escritas por cuatro autores para cuatro espectadores.

Montaldo

Fundación ColladoVanHoestenberghe / Falso documental, Road Tale / Girona

22 y 23 de julio / 21 horas / Nave 1.1

65 minutos. Aforo: 144 personas. 10 euros

MONTALDO

Dirección, idea, creación e interpretación:Ernesto Collado

Ayudante de dirección y colaboración en la dramaturgia: Piero Steiner

Dibujos: Dennis Tyfus

Espacio escénico: Cube.b.z / Ernesto Collado

Elementos escenográficos y diseño de luces:Cube.b.z.

Música: Pony Bravo

A caballo entre el documental y la road-taleMontaldo es una historia de indios sin vaqueros,con armadillos comprometidos, gasolineras, utopias, catalanes autistas y fabricantes de alambradas. Un viaje real explicado en primera persona por un maestro de la exageración.Un intento, poco académico, de cuestionar la siempre difícil relación entre el individuo y la colectividad. Un montón de palabras para elogiar el silencio. Una deliciosa contradicción.

Blancanieves

Compañía CTC / Teatro / Portugal

23 y 24 de julio / 21:30 horas / Sala Madera

50 minutos. Aforo: 80 personas. 8 euros

blancanieves1

Dirección: Antonio Aguiar

Intérpretes: Filipa Duarte, Nuno Miranda, Cátia Terrina, Elmano Sancho, Diogo Dória, Andre Tomás

Locución: Luciana Ribeiro

Producción: Paulo Lage

De las ficciones

Ficticia / Experiencia teatral / Madrid
24 y 25 de julio / 23 horas / Sala Hormigón
150 minutos. Aforo: 70 personas. 12 euros con consumición

FICCIONESbaja

Dirección y dramaturgia: Arturo Sánchez

Asistente de Dirección y Director de Actrices:Darío Sigco

Elenco: Leonor Martín, Patricia Reche, Cristina Subirats, Ana Oviedo, Katarina Daucik, Abel Ferris

Música: Ander García

Escenografía: Jacobo G. Fouz

Vestuario: Claudia Pérez

Maquillaje y caracterización: CajaNegra TAM

Músicos: Ana Granados, Mario Muñoz, Itziar Bajo

Tras la dura y fina tela de la realidad vive Ficciones: el no-lugar; un espacio parecido al limbo; un cabaret que hace de hogar y de refugio para todos aquellos seres que decidieron prender fuego, de forma literal, a sus realidades. Dentro se reúne y convive un carnaval de personajes, que llegaron para ficcionar su existencia. Para ser, de una vez por todas, todo aquello que siempre esperaron de si mismos. Y esta noche hay fiesta en Ficciones, a la que quedas invitado. Nuestras mujeres de hilo al fin reencontrarán su libertad ¡Bienvenidos!

Los nadadores nocturnos

Draft.inn / Teatro performance/ Madrid

24, 25 y 26 de julio / 20 horas / Nave 2

80 minutos. Aforo: 200 personas. 10 euros

los nadadores nocturnos

Autor: José Manuel Mora

Dirección y coreografía: Carlota Ferrer

Audiovisuales: Eduardo López

Vestuario: Ana López

Iluminación: Raúl Alonso/ José Espigares

Canto: Javier Bastías

Intérpretes: Óscar de la Fuente, Markos Marín , Miranda Gas y Esther Ortega

Los Nadadores Nocturnos  retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja margen para la inocencia. En él, aparecen los dos temas que me obsesionan y atraviesan en este momento: uno, íntimo y personal, la paternidad; y otro de índole política (y pública) como es el terrorismo o la legitimación de la violencia para lograr el verdadero cambio social. Se trata, pues, de conectar estas dos esferas (la íntima y la pública). En el texto no aparecen personajes teatrales, tal y como lo entendemos convencionalmente, porque en el mundo que inspira esta pieza ya no quedan personajes “enteros” ni “compactos” que puedan reflejar lo que acontece en él; se trata de un tejido textual compuesto por voces fragmentadas de múltiples historias abortadas que componen el paisaje humano de una ciudad (un grupo de seres humanos) golpeada.

Coloquio de los perros

Laboratorio Escénico Univalle / Comedia filosófica / Colombia

26 y 27  de julio / 20:30 horas / Plató Cineteca

110 minutos. Aforo: 100 personas. 10 euros

EL COLOQUIO DE LOS PERROS

Dramaturgia y dirección: Ma Zhenghong -Alejandro González Puche

Intérpretes: Diana María Valencia, Johanna Robledo, Jesús David Valencia, Felipe Andrés Pérez, Alexander Buitrón, Nathaly Vargas, Tatiana Toro

Escenografía y Vestuario: Pedro Ruiz

Música: Paulo Gutiérrez

Producción general: Nathaly Vargas Aguado

Logística: Tatiana Toro

Asistencia de dirección: Julián Mauricio Gómez

Fotografía: Tony D´fabrici, David Valencia

Costurera: Magola Hernández

Tramoya y Luces: Robinsón Achinte

Zapatería: Horacio Bastidas

Marioneta: Nelson León, Daisy Watkiss

Marroquinería: Elsy Olave, Edinson Gaviria

En el Coloquio de los perros encontramos un curioso sujeto, donde los protagonistas son dos perros que dialogan entre sí;es un espectáculo pensado para todos los públicos en una representación que mantiene la profundidad de los diálogos cervantinos, alternados con imágenes y situaciones que trasmiten, sin mayores palabras, las peripecias por las que atraviesa la vida de un perro. Es un espectáculo pensado para que el espectador se familiarice con diferentes estilos teatrales, puesto que la parodia cervantina requiere de soluciones que rebasan el naturalismo.

 

¿Por qué soy lo que soy? Diario de un loco, de Nikolái Gógol, en el Fringe Madrid

Con José Luís García-Pérez, dirigido por Luís Luque

BQAZNhsCYAA54HV

Desde el Tejado Produce / Teatro al aire libre / Madrid

Del 23 al 27 de Julio / 21.30 horas / Tejado

60 minutos. Aforo: 30 personas.

Dirección: Luis Luque

Intérprete: José Luis García-Pérez

Ayudante de dirección: Tacuara Casares

Diseño Iluminación: David Hortelano

Creación sonora: Luis Miguel Cobo

Espacio escénico: Mónica Boromello

Vestuario: Paco Delgado

Cuando accedes al tejado del Matadero ya sientes una extraña mirada, de animal encerrado, observándote desde detrás del enrejado que constituye casi la única escenografía de la función. Pero esa aparente sencillez es pura prestidigitación, en la que tan pronto aparece el escritorio de Aksenti con las plumas que se dedica a cortar, como cuelga su abrigo en el simulado armario, las sillas y las pajaritas de papel… Y me callo para el deleite de los futuros espectadores el detalle que esconde el calendario del delirio…

No, la mirada de JL García-Pérez, que te mira franca y detenida, a la vez que huidiza, no es la de un loco. ¡O sí!… Cual mago, José Luis García-Pérez hace aparecer y desaparecer entre sus manos plumas y pañuelos y nos conduce por el delirio de su personaje con la dirección atenta y detallista de Luís Luque, que es ya una garantía de poesía y emoción.

¿Por qué soy lo que soy? Puede que muchos, o quizás todos, nos hayamos hecho esa pregunta, tal vez formulada de otra manera, a lo largo de nuestras vida. Cuando lo que consideramos injusto, la rutina diaria, los desengaños, las pequeñas humillaciones, se ceban en nosotros, nuestra imaginación desearía por un momento que hubiéramos sido raptados durante el nacimiento y llevados a una familia que no era la nuestra. El “diario de un loco” es el único relato escrito por Gógol en primera persona, en forma de diario, y no es difícil pensar que sea el propio Gógol el que se haya hecho esa pregunta en algún momento.

“Diario de un loco” es el relato de la vida de Aksenti Ivanovich, un funcionario de la burocracia rusa, a través de su diario íntimo. Su diario cuenta su caída gradual hacia la locura y, entre la rutina de su trabajo burocrático y las humillaciones de su día a día, entre anotaciones de fechas completamente disparatadas, se le ocurren ideas cada vez más delusivas. Así, se cree que dos perritos están teniendo un amorío y hasta que se escriben cartas contándose sus vivencias “perrunas” y las de sus amos. Como último eslabón de su locura, y con una lógica completamente disparatada, se cree que es el heredero del trono de España, del que se entera que está vacante. Cuando es arrastrado y maltratado en el asilo de lunáticos, Aksenti cree que forma parte de una extraña ceremonia de coronación del trono de España. Y es en su locura cuando el antihéroe llega a la grandeza.

La luna es una esfera tan delicada en la que no puede vivir el hombre, y ahora está habitada únicamente por narices. Por ese motivo nosotros no podemos ver nuestras propias narices, porque todas ellas están en la luna.

Y cuando pensé que la tierra es un cuerpo duro y que al posarse en la luna podía aplastarnos las narices, me asaltó tal inquietud que poniéndome los calcetines y los zapatos, me apresuré al salón del Consejo Imperial para ordenar a la policía que no permitiera a la tierra sentarse en la luna

La historia es una sátira de la rampante pequeña oficialidad de la burocracia rusa en los años 30 del siglo XIX, y algunos lo han interpretado como una alegoría sobre la política rusa de esa época, revelando la opinión de Gogol sobre el gobierno desde el punto de vista de un ciudadano de a pie. Para otros, sin embargo, es el retrato de la búsqueda de la individualidad de un hombre medio en una ciudad aparentemente indiferente.

La iluminación de David Hortelano acompaña y arropa felizmente la función, realizada en esa hora difícil en la que el sol todavía no ha puesto del todo al empezar y parece que va siguiendo la caída del personaje en su propia oscuridad. Todo esto punteado en los momentos adecuados por la música de Luis Miguel Cobo. Curioso que a pesar de estar en pleno Madrid al aire libre, el incesante ruido de fondo de la ciudad apenas molesta, quizás por lo hipnotizados que estamos todos por el loco. El vestuario de Paco Delgado contribuye también a la atmósfera mágica de la función.

Además, la luna también fue testigo y actor en estas especiales funciones en el tejado de la Nave 2.

¡Madre salva a tu pobre hijo! ¡Derrama una lágrima sobre su pobre cabeza enferma! ¡Mira cómo le torturan! ¡Abraza a tu pobre huérfano contra tu pecho! ¡No hay otro sitio para él en este mundo! ¡Lo persiguen!¡Madre, apiádate de tu hijo enfermo!

Como me pica la curiosidad, pues creo que hacer una versión de esta historia de Gogol es difícil, encuentro que se había adaptado con anterioridad para las tablas por David HolmanGeoffrey Rush y Neil Armfield para el Belvoir St Theatre de Sydney, Australia. Pero para mí Aksenti vivirá para siempre hecho carne en José Luís García-Pérez y con la delicada dirección de Luís Luque.

Espero que algún programador con visión haya podido verlo, o si no, que simplemente se crea la opinión de los privilegiados que hemos tenido la oportunidad de verlo y lo traiga pronto a un teatro y, cuando eso suceda, corran a verlo. Para mí, sin duda, ha sido lo mejor que se ha podido ver en el Fringe Madrid 2013.

32. Diario de un loco

 

Pues los programadores parece ser que hicieron caso y el Diario de un loco se ha programado en la Nave 1 del Matadero desde el 18 de octubre, debajo del mágico escenario del tejado en el que lo vimos en el Fringe.

Archipiélago Dron, de Nuevo Teatro Fronterizo en el Fringe Madrid

CartelArchipielagoWeb

Nuevo Teatro Fronterizo / Investigación, teatro / Madrid

Alumbrados por los potentes focos del “poder” y la “verdad” establecidos aparecen ante nosotros una serie de cegadores fragmentos de vida: una reportera destinada a una zona de conflicto; dos científicos preparando la presentación de un importante estudio; un cargo político en una rueda de prensa; un joven que combate el aburrimiento jugando on line; un piloto de drones presentando el informe de una oscura misión. Todos ellos unidos por un hecho, una situación que ha ocurrido… y que, sin embargo, cambia en las bocas de cada uno; retorciéndose, oscureciéndose, desdibujándose hasta resultar incomprensible. Algo ha ocurrido, pero… ¿el qué? Entre los potentes reflectores como única realidad posible y la oscuridad del desconocimiento emergen los pequeños destellos de unas “luciérnagas” que, mediante sus interrupciones, intentarán alumbrar con su pequeñaluz lo aplastado por los discursos de los reflectores del poder.

Dirección: Eva Redondo

Elenco: Marian Degás, Paco Díaz, Jorge de las Heras, Gabriel Ignacio, Celia de Juan, Silvia López, Eva Redondo, Óscar del Pozo, Carmen Soler, Velilla Valbuena, Delfín Estévez y Antonio Sansano

Coordinación artística: José Sanchis Sinisterra.

Dramaturgia: Enrique Torres, Eva Redondo, QY Bazo.

Diseño de Luces y dirección técnica: César Linares. Coordinación técnica: Fernando Calatrava. Producción: Ana Belén Santiago Ayudante de dirección: Daniel Ramírez. Video: Nuevenovenos. Una producción de Nuevo Teatro Fronterizo.

Copio aquí unos textos extraídos del blog del colaboratorio del NTF, que es en donde se ha creado esta función , a modo de declaración de intenciones de la obra.

ARCHIPIÉLAGO DRON: Temática y metodología

“Archipiélago: conjunto de islas unidas por aquello que los separa”.

Los protocolos en forma de “archipiélagos” de José nos abren vías de investigación sobre dramaturgias basadas en lo discontinuo, lo fragmentario, lo heterogéneo… muy en la línea de las “obras paisaje” con las que autores como Roland Schimmelpennig (Final y principio) o Michel Vinaver (11-9-01) están desbrozando nuevos caminos para la dramaturgia contemporánea.

Dron (del inglés drone):

Abeja macho en una colmena cuya única función es aparearse con la reina.
Aeronave que vuela sin tripulación humana a bordo.

Vivimos en tiempos teledirigidos. La tecnología, ya omnipresente en nuestras vidas, cambia la forma en la que trabajamos (a distancia), nos relacionamos (a distancia), nos comunicamos (a distancia) e incluso en que nos matamos (a distancia). El dron es ya la imagen distintiva con la identificar el siglo XXI, un aparato controlado a distancia que nos permite alejarnos, tanto física como éticamente, de las acciones que hacemos con tan solo pulsar un botón.

Al público se nos da el programa de uno de cuatro colores y se nos introduce por orden de entrada en varios rectángulos delimitados por líneas de esos cuatro colores y por luz bordeando una equis central. Se nos conmina insistentemente a que nos mantengamos dentro del rectángulo. Todo va creando una atmósfera de estado de vigilancia o policial, ayudado también por las barras luminosas similares a las de las pistas de los aeropuertos.

Los actores entran y salen por esa equis y son “fotografiados” por fogonazos de luz de flash hasta que convergen sobre una tarima en donde primero definen el término “dron” y luego tiene lugar una rueda de prensa en la que un cargo político informa sobre un suceso que ha tenido lugar y que concierne al ejército. No se especifica cuál es el suceso.

Uno de los personajes, un whistleblower, megáfono en mano, avisa de los peligros que nos caen de arriba y de que España no puede permitirse pagar esa tecnología; pero qué pasaría si fuéramos las víctimas….

Eva Redondo, que también dirige y está a cargo de la dramaturgia, borda el papel del cargo político, modelado a imagen y semejanza de nuestra vicepresidenta actual, de la que toma muchos de sus gestos y tics, así como sus infortunados eufemismos y la chulesca manera de hablar. No nos queda más remedio que reirnos de las barbaridades y salidas por la tangente.

Tras la rueda de prensa, ya el público puede sentarse en uno de los cuatro escenarios en cada una de las cuatro esquinas de la amplia nave y donde tendrán lugar cada una de las cuatro escenas que irán rotando. Esos escenarios están parcialmente aislados y puedes escuchar y ver algo de lo que ocurre en alguno de los otros escenarios, con lo que al principio andas algo desconcertado con que puedas perderte parte de lo que suceda.

Celia de Juan en el papel de la reportera apostada en el país en conflicto en donde ocurre el suceso habla por teléfono con su jefe en España. A la vez, un personaje tiene diversos “sueños” o pesadillas más bien (Marian Degás) que te hacen intuir por dónde va a ir la trama de la obra. Yo estuve en el primer “lote” de 40 espectadores, los que portábamos las tarjetas amarillas, y al ver las escenas en un orden diferente, puede variar algo la visión que tenga el espectador de lo que va ocurriendo.

Jorge de las Heras (por cierto, uno de los fundadores de La escalera de Jacob) es el joven que se aburre y se dedica a jugar online…

Velilla Valbuena compone un personaje indefinido, probablemente algún tipo de cooperante o voluntaria,  tratando de que el personaje de Carmen Soler, que parece que ha sido testigo del famoso incidente, hable y cuente lo que vio.  El personaje de Carmen Soler es una pobre que tiene que vivir de la caridad ajena, y ha perdido la palabra al ver lo que parece haber sido una escena de masacre en la que sabemos que había  una furgoneta y uno o varios niños.

Gabriel Ignacio compone con verosimilitud el papel de científico preocupado por su objeto de estudio, Jaime, que habría que matar porque está sufriendo y al que han dado ritalina.

Cuando acabamos de ver cada una de estas cuatro escenas, vemos todos lo que sucede en el centro de la nave. Un soldado, interpretado por Delfín Estévez, informa sobre el “incidente” en la plaza, mientras el resto de los personajes, sus superiores, le van corrigiendo constantemente de tal forma que al final apenas queda un resto de verdad sobre lo que realmente ocurrió. Es en esta escena, a base de lo que van podando del informe del soldado en donde vamos obteniendo la realidad de lo que ocurrió.

Vuelven las nuevas escenas a discurrir y rotar por los cuatro escenarios y ya se va desenredando la trama y empezamos a saber algo de lo que ocurre, las presiones que se ejercen sobre algunos para que no digan la verdad, qué está investigando el científico y para quién. Como lamentablemente sucede en la realidad,  el científico está a las órdenes de un “investigador en jefe” que es el hijo del empresario que le sufraga la investigación y que no tiene ni la más mínima idea de ciencia.

Las últimas escenas ocurren otra vez en el centro de la nave a donde vamos ya todos en pie sin tener que mantener ningún orden. Vuelve a aparecer el hombre del megáfono, el científico da una rueda de prensa en donde acaba estallando y la pobre interpretada por Carmen Soler habla por fin, de la ciénaga, de la pobreza en la que viven los niños, que juegan porque lo hacen siempre donde sea. Hila un discurso conmovedor de enajenada por eso que ha visto, mirándonos a los ojos. Pero por supuesto, los políticos, los poderosos, siempre tienen la última palabra.

En definitiva, a pesar de que el tema, al que no se le puede negar su actualidad, puede resultar ya algo trillado después de todo lo que se ha hablado sobre Wikileaks en series y películas, generalmente norteamericanas, que han tratado el tema de los drones con mejor o peor fortuna; es el tratamiento y la forma que se le ha dado, desde la introducción del público asistente a esta especie de zonas iluminadas y controladas “policialmente”, así como las notables actuaciones y la utilización del espacio en islas lo que le da mucho interés y juego a la función, creada en el laboratorio taller del Nuevo Teatro Fronterizo. El texto, además, está lleno de hallazgos notables que crean puntos de vista muy diferentes. El ritmo puede decaer en algunos instantes y alguna de las escenas que ocurren en las diferentes islas del archipiélago creo que podrían eliminarse sin que perdiera la función. También el traer estos temas a nuestro país es lo que le da mayor especificidad y originalidad, aunque te encuentras todo el rato pensando en que están hablando de EE.UU. y tienes que realizar un esfuerzo de reubicación mental para situarte en algunas escenas.

No sé cuál será la conclusión de los demás espectadores. La mía, desde luego, ha sido que todos mienten, por las razones que sean; al final nunca recibimos una versión fiable de casi nada de lo que acontece a nuestro alrededor, a pesar de que cada vez hay más medios de información a nuestra disposición. No puedo tampoco evitar recordar “La verdad sospechosa”, de Ruiz de Alarcón, escrita ya hace unos siglos y que he visto muy recientemente en Almagro, en la que todos mienten, por razones más o menos legítimas, y sí hay personas que obtienen provecho, y grande, de esas mentiras sin fin; pero es siempre la gran mayoría, los ciudadanos de a pie, los que acabamos perdiendo.

No se trata de un “work in progress”, sino de una función muy trabajada que debería tener vida más allá del Fringe. El público, cómplice o no del NTF de Sanchis Sinisterra,  disfrutó de la función y lo demostró con sus aplausos.

Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y las ganas de triunfar, por el colectivo de creación Vaca 35 Teatro en Grupo, de México

Imagen

Lugar: Almacén del Matadero de Madrid, Legazpi.

Fecha: 18 de julio 2013

Actrices: Diana Magallón García y Mari Carmen Ruiz Benjumeda

Dirección: Damián Cervantes

Cuando encuentras el lugar escondido entre la parte más recóndita y sin remozar del Matadero, nos hacen pasar a la “antesala” en la que hay diversos trastos de todo tipo, atrezzo y sillones viejos y nos ofrecen un chupito de aguardiente mexicano antes de bajar al lugar en donde ocurrirá la “ceremonia”. Todo un preámbulo, casi una iniciación. También nos dan una tarjeta que, además de los detalles artísticos y técnicos de la obra, tiene esta cita:

“En ninguna de mis pinturas encontrarás esa objetividad que resulta de un naturalismo o de un realismo primitivo. Todo cuanto he hecho revela necesidad de ritmo, de sumbolismo y de composición.”

Siqueiros

Una vez que entras en el almacén, te encuentras ya con las dos actrices, una extremadamente gorda y la otra delgadita, en comparación, situadas frente a frente y realizando lo que parecen ser ejercicios de relajación y calentamiento en chándal. Cuando ya estamos sentados, empieza de repente una frenética actividad de ambas, en la que la flaca no para de lavar la ropa en la pila, tras cambiarse ambas a una especie de combinación, los gritos que intercambian llegan a hacerte pensar que te puede caer algo en algún momento como espectador, y hasta se dan bofetones y barrigazos que, créanme, a esa corta distancia parecían bastante reales. Mientras la flaca sigue lavando y colgando la ropa, la gorda se desgañita pidiendo su vestido y hablando del amante encarcelado,  y arrastrándose por el suelo. Cuando piensas que a alguna de las dos le puede dar un ataque, la gorda grita “¡corten!” y por fin te dan un momento de relajamiento.

lo-unico-que-necesita-una-gran-actriz-6

O eso te creías, porque si bien te das cuenta de que estaban ensayando “Las criadas” de Genet, que están “cabroncísimas” y se echan piropos mutuamente, pasan a insultarse otra vez  a grito pelado y vuelta el público a temblar….

Parece que se tranquilizan nuevamente cuando les entra hambre y se ponen a comer pan no muy fresco, muertas de la risa por las migas que se le caen entre los abundantes pechos de la gorda, a la vez que el público se ríe de puro histerismo. La delgada se pone a cocinar en una placa eléctrica y va hablando monótonamente de la preparación de la comida mientras la gorda coge los zapatos de baile colgados de la pared y que figuran en el cartel, se los pone, y baila “Tani”, zapateado incluído. Extraño y casi surrealista momento …

La escena del lavado ritual en la tina de hojalata, que poco antes les había servido de mesa, me recordó “Las flores para los muertos”, el unipersonal de Tomás Pozzi en el off Teatro Lara, que termina también con un baño que le hace una voluntaria-“madre” de entre el público.

El cuento final de princesas que le cuenta una a la otra es el colmo de todos esos deseos y sueños que nunca se van a cumplir, de toda la podredumbre moral y física y la humillación física y psicológica de la que nunca van a poder salir.

Una función que no te deja indiferente.

BPTQA_fCMAA9ljm

BPEeXpbCMAEqp5D